CRÍTICA: Uma Passa ao Sol, Teatro Ethel Barrymore ✭✭✭✭

Raisin In The Sun

Ethel Barrymore Theatre

8 de abril de 2014

4 Estrelas

É frequente que as pessoas deixem as produções teatrais no intervalo. Pode haver muitas razões para isso. Esta noite, mais de vinte pessoas saíram da reativação de Raisin In The Sun, agora em cartaz no Ethel Barrymore Theatre na Broadway. Todos os que partiram eram brancos e tinham mais de 40 anos. Alguns disseram coisas como "Eu não preciso ver isso no palco" e "Que monte de ****". Quatro pessoas concordaram com o sentimento "De volta para a Flórida, onde esta **** não acontece".

Honestamente.

É 2014.

Raisin In The Sun de Lorraine Hansberry foi produzida pela primeira vez na Broadway em 1964. Ela foi a primeira mulher afro-americana a ganhar o New York Drama Critics Circle Award. Sua peça foi uma realização monumental.

Ainda é.

Existem muito poucas peças que tratam das vidas dos afro-americanos nos EUA. Esta é incrível de todas as maneiras: diálogo inteligente e perspicaz; personagens que resplandecem com fogo e indignação, estupidez e um forte senso moral; um enredo que nunca vai exatamente para onde se pensa; e, mais do que qualquer outra coisa, uma verdadeira representação da luta entre assimilação, subjugação e reconhecimento da ancestralidade.

Visto de outra forma, há muito poucas peças que fornecem personagens femininas maravilhosas, mulheres que por acaso são negras. Mas esta peça tem três delas e cada uma dessas três é um diamante.

Esta produção é dirigida por Kenny Leon, o homem que dirigiu a peça pela última vez quando estava na Broadway. Mas esta é uma produção muito diferente da anterior.

A peça fala da família Younger: avó, filho e filha, esposa do filho e filho, e outros. A ação ocorre em um pequeno apartamento em Chicago, após a morte do patriarca. Como será gasto o dinheiro do seguro dele? Quem decidirá? As mulheres da família ou o homem, o filho do falecido. O que a decisão significa para toda a família? O que acontece quando você segue seu sonho, mas ele se torna um pesadelo? Como você reconcilia o amor com a incompreensão?

A peça lida com grandes temas, mas em um cenário pequeno e intimista. Mas a família representa um microcosmo das famílias negras em toda a América. Eles seguem o modelo Matriarcal ou adotam um modelo Patriarcal em sintonia com os brancos? Como eles escapam da servidão efetiva? Qual é a diferença, se é que há, entre se encaixar e se afirmar?

Simplesmente, é uma peça incrível e é difícil acreditar que foi escrita há 50 anos. Parece pertinente, fresca e alarmantemente na medida certa.

Tudo nesta produção irradia estilo. O cenário de Mark Thompson é deliciosamente desgastado e de época. O uso de um palco móvel, que avança para o futuro e recua para o passado, é inspirado. Os figurinos de Ann Roth evocam de forma semelhante uma era passada.

Leon dirige com verve e clareza. Cada gota de humor é extraída dos personagens e da situação, mas não de maneira condescendente. É orgânico, nascido das reações e ações de uma verdadeira família amorosa.

As três mulheres extraordinárias fornecem os pontos de um triângulo imaginado agudamente. Seja qual for a hipotenusa, os lados são o amor e o dever. Escuro e diáfano por turnos, o triângulo ressoa como se fosse um componente chave em uma orquestra.

Latanya Richardson Jackson é soberba como Lena, a matriarca avó. Sombria, encantada e encantadora, ela é a magnificência encarnada; uma força da natureza, uma mãe calorosa e amorosa e uma feroz protetora. Além disso, ela sabe contar uma piada e fazer uma observação engraçada. É difícil não querer que ela seja sua própria avó. É uma performance de enorme poder e sutileza.

Igualmente impressionante, talvez até mais, é Sophie Okonedo como Ruth, a esposa do filho de Lena. Desde os primeiros momentos da peça, quando ela está sozinha no palco com seus pensamentos, exausta e desgastada por suas cargas, esta Ruth é um ensaio em pragmatismo e sensibilidade. Okonedo é surpreendentemente boa de todas as maneiras. Eu daria a ela um Tony Award agora mesmo.

Anika Noni Rose é encantadora como a filha de Lena, Beneatha, a aspirante a médica, que é bonita e está cortejando - um homem que quer que ela aceite a assimilação com os brancos e outro que a lembra a verdade sobre sua ancestralidade e quer reavivar nela um senso de onde ela veio. Este conflito é lindamente capturado por Rose. A cena onde ela se veste como uma mulher nigeriana e dança da maneira nativa é verdadeiramente maravilhosa - mas estranhamente inquietante ao mesmo tempo. Não deveria ser possível ver a história de uma pessoa tão facilmente - ou deveria? É simplesmente delicioso.

Como o homem que oscila e se desintegra entre cada uma das três mulheres em sua casa, Denzel Washington surpreende. Há uma qualidade lúgubre em sua performance que transcende seu status de estrela; esta é uma performance cheia de falhas e corajosa, um ataque ao que é uma estrela. Alternadamente vil, violento, vicioso e desolado, Washington é mercurial de uma maneira disfuncional. Seu Walter Lee é o perdedor por excelência, a mais completa bagunça - mas ele também é real, movido por uma necessidade de demonstrar sua masculinidade. Ao trazer à tona a criança interior, Washington habilmente torna Walter Lee um homem completamente compreensível, completamente imperdoável, mas estranhamente simpático. Ele está incrivelmente bom.

Como o racista particularmente vil, embora envolto em uma fachada açucarada e doce de hospitalidade, David Cromer é vibrante e agudamente horrível. Suas cenas com a família, enquanto tenta convencê-los a não se mudar para Clybourne Park onde Lena comprou uma casa porque os brancos lá trabalharam duro para ter a comunidade que desejam, são perturbadoras. Corner acerta o papel em duas cenas excelentes. Eu também lhe daria um Tony agora.

Sean Patrick Thomas faz de Joseph, idealista, que quer que Beneatha viaje com ele para a Nigéria e trabalhe lá como médica, um homem alegre e compreensível. Seu rival, Jason Dirden's George, é igualmente eficaz: o estudante de faculdade com sapatos brancos e um terno, aquele que quer desesperadamente se encaixar na América Branca Moderna. Ambos os atores tornam excepcionais personagens respirarem com verdade e realismo.

Quente e desconfortável por turnos, a peça de Hansberry faz com que um considere diretamente o destino do Negro Americano e os contemple como iguais, pessoas que vivem, sonham, têm sucesso e falham como todos os outros.

Foi uma peça importante em 1964 e, dada a resposta de alguns esta noite, ainda é tão importante quanto sempre foi. Sugere que igualdade e honestidade são as ferramentas do verdadeiro ser humano - e aqueles que podem ou vão argumentar contra essa proposição, bem, eles não valem a pena pensar sobre.

Um elenco talentoso faz uma peça tremendamente importante vibrar e tremer com alegria, horror e a brutalidade da vida cotidiana. É material excelente.