CRÍTICA: Uma Passa ao Sol, Teatro Ethel Barrymore ✭✭✭✭

Raisin In The Sun

Ethel Barrymore Theatre

8 de abril de 2014

4 estrelas

É frequente que algumas pessoas abandonem um espectáculo no intervalo. Pode haver muitas razões para isso. Esta noite, mais de vinte pessoas saíram a meio da reposição de Raisin In The Sun, actualmente em cena no Ethel Barrymore Theatre, na Broadway. Todos os que se foram embora eram brancos e tinham mais de 40 anos. Alguns diziam coisas como “Não preciso de ver isso em palco” e “Que monte de ****”. Quatro pessoas concordaram com a ideia “De volta para a Flórida, onde esta **** não acontece”.

A sério.

Estamos em 2014.

Raisin In The Sun, de Lorraine Hansberry, foi apresentado pela primeira vez na Broadway em 1964. Ela foi a primeira mulher afro-americana a vencer o New York Drama Critics Circle Award. A sua peça foi uma conquista memorável.

E continua a ser.

Há muito poucas peças que abordem a vida de afro-americanos nos EUA. Esta é extraordinária em todos os sentidos: diálogo inteligente e perspicaz; personagens que vibram de fogo e indignação, de estupidez e de uma forte fibra moral; uma trama que nunca segue exactamente para onde pensamos que vai; e, acima de tudo, um retrato verdadeiro do conflito entre assimilação, subjugação e o reconhecimento da própria ascendência.

Visto de outra forma, há muito poucas peças que ofereçam personagens femininas tão magníficas — mulheres que, por acaso, são negras. Mas esta peça tem três, e cada uma das três é um diamante.

Esta produção é encenada por Kenny Leon, o homem que já tinha dirigido a peça na sua anterior passagem pela Broadway. Mas esta é uma produção muito diferente da última.

A peça centra-se na família Younger: a avó, o filho e a filha, a mulher do filho e o filho, entre outros. A acção decorre num pequeno apartamento em Chicago, após a morte do patriarca. Como será gasto o dinheiro do seguro? Quem decide? As mulheres da família ou o homem — o filho do falecido. O que significa essa decisão para toda a família? O que acontece quando segues o teu sonho e ele se transforma num pesadelo? Como conciliar o amor com a incompreensão?

A peça trabalha grandes temas, mas num espaço pequeno e íntimo. E, no entanto, esta família representa um microcosmo das famílias negras por toda a América. Seguem o modelo matriarcal ou adoptam um modelo patriarcal em sintonia com os brancos? Como escapam a uma servidão efectiva? Qual é a diferença — se é que existe — entre encaixar e defender-se?

Em termos simples: é uma peça espantosa, e custa a acreditar que tenha sido escrita há 50 anos. Parece pertinente, fresca e assustadoramente certeira.

Tudo nesta produção irradia estilo. O cenário, de Mark Thompson, está deliciosamente gasto e fiel à época. O uso de um palco móvel — que avança para o futuro e recua para o passado — é inspirado. Os figurinos de Ann Roth evocam, do mesmo modo, um tempo já ido.

Leon encena com energia e clareza. Cada grama de humor é extraída das personagens e das situações, mas nunca de forma condescendente. É orgânico, nascido das reacções e das acções de uma família real e amorosa.

As três mulheres extraordinárias constituem os vértices de um triângulo imaginado com acuidade. Seja qual for a hipotenusa, os lados são amor e dever. Ora sombrio, ora leve como gaze, o triângulo ressoa como se fosse um elemento fundamental numa orquestra.

Latanya Richardson Jackson está soberba como Lena, a avó matriarca. Sisuda, encantada e encantadora, é a magnificência em pessoa; uma força da natureza, uma figura parental calorosa e amorosa e uma protectora feroz. E ainda por cima sabe contar uma anedota e fazer uma observação engraçada. É difícil não querer que ela seja a nossa própria avó. É uma interpretação de enorme força e subtileza.

Tão impressionante — talvez ainda mais — é Sophie Okonedo como Ruth, a mulher do filho de Lena. Desde os primeiros momentos da peça, quando está sozinha em palco com os seus pensamentos, tensa, abatida e cansada pelo peso que carrega, esta Ruth é um tratado de pragmatismo e sensatez. Okonedo é espantosamente boa em todos os aspectos. Eu dava-lhe já um Tony.

Anika Noni Rose é um encanto como Beneatha, a filha de Lena, aspirante a médica, bonita e cortejada — por um homem que quer que ela aceite a assimilação junto dos brancos e por outro que lhe recorda a verdade da sua ascendência e quer reacender nela o sentido de onde veio. Este conflito é captado de forma belíssima por Rose. A cena em que se veste como uma mulher nigeriana e dança à maneira tradicional é verdadeiramente maravilhosa — mas, estranhamente, também inquietante. Não deveria ser possível ver tão facilmente para dentro da história de uma pessoa… ou deveria? É um regalo.

Como o homem que se debate e se arrasta entre as três mulheres da sua casa, Denzel Washington surpreende. Há uma qualidade lúgubre na sua interpretação que transcende o seu estatuto de estrela; é uma prestação sem filtros, corajosa, um ataque frontal à ideia do que é uma estrela. Ora vil, ora violento, ora cruel e desamparado, Washington é mercurial de um modo disfuncional. O seu Walter Lee é o perdedor por excelência, o caos absoluto — mas também é real, movido pela necessidade de afirmar a sua masculinidade. Ao revelar a criança interior, Washington torna Walter Lee completamente compreensível, absolutamente imperdoável e, ainda assim, estranhamente cativante — um homem falível. É de cortar a respiração.

Como o racista particularmente odioso — ainda que embrulhado numa fachada açucarada e doce de hospitalidade —, David Cromer é vibrante e profundamente horrível. As suas cenas com a família, enquanto tenta convencê-los a não se mudarem para Clybourne Park, onde Lena comprou uma casa, porque os brancos de lá trabalharam muito para ter a comunidade que querem, dão arrepios. Cromer acerta em cheio em duas cenas formidáveis. Eu também lhe dava já um Tony.

Sean Patrick Thomas faz de Joseph, o idealista que quer que Beneatha viaje com ele para a Nigéria e trabalhe lá como médica, um homem alegre e compreensível. O seu rival, George de Jason Dirden, é igualmente eficaz: o rapaz universitário de sapatos brancos e fato, aquele que quer desesperadamente encaixar na América branca moderna. Ambos os actores fazem personagens excepcionais respirar verdade e realismo.

Ora calorosa, ora desconfortável, a peça de Hansberry leva-nos a considerar directamente a condição do negro americano e a contemplá-los como iguais — pessoas que vivem, sonham, triunfam e falham como qualquer outra.

Foi uma peça importante em 1964 e, pela reacção de alguns esta noite, continua a ser tão importante como sempre. Sugere que a igualdade e a honestidade são as ferramentas do verdadeiro ser humano — e aqueles que conseguem ou querem discutir essa proposta, bem, não valem a pena.

Um elenco talentoso faz uma peça tremendamente importante vibrar e estremecer com alegria, horror e a brutalidade da vida quotidiana. É teatro do melhor.