CRÍTICA: Our Country's Good, National Theatre ✭✭✭

Our Country's Good

Olivier Theatre, National.

26 de agosto de 2015

3 estrelas

Compre ingressos a partir de £15

"As indicações de cena de Our Country's Good não fazem referência à música até o final. 'E ao som triunfante da Quinta Sinfonia de Beethoven... começa a primeira apresentação australiana de The Recruiting Officer'. A única alusão feita por qualquer personagem é de um oficial sarcástico que sugere a construção de uma Casa de Ópera para acomodar o idealismo do governador da colônia. E ainda, na nova montagem do National Theatre da obra de Timberlake Wertenbaker, que celebra o poder do teatro, músicas foram convocadas para as coxias.

O fornecimento de músicas vem de Cerys Matthews, fazendo sua estreia teatral...(que), embora encantada por ter sido convidada, estava nervosa por interferir. 'Eu não queria atrapalhar a peça', ela explica, 'não queria que a música chamasse muita atenção ou desacelerasse a narrativa.'"

Assim relata Jasper Rees em um ensaio no programa da reencenação de Nadia Fall de Our Country's Good, agora em exibição no Olivier Theatre do National. Por mais que se adore música, é lamentavelmente o caso que a música de Matthews, que é bonita em partes, hipnotizante em outras e deslocada noutros momentos, atrapalha a peça de Wertenbaker; busca muita atenção; e definitivamente desacelera a narrativa.

De fato, o uso da trilha de Matthews por Fall quase destrói o encanto das palavras de Wertenbaker, especialmente no primeiro ato. O segundo ato tem um desempenho um pouco melhor, mas o dano já foi causado, e os verdadeiros momentos mágicos que as palavras podem evocar nunca são alcançados.

Esta é uma peça maravilhosa, uma ode ao poder redentor do teatro. Baseado no romance de Thomas Keneally, The Playmaker, Wertenbaker criou uma exploração muito teatral e ressonante da humanidade, injustiça, isolamento e mudanças causadas pelos laços inesperados e entendimentos gerados pelos ensaios e apresentações teatrais. Tudo gira em torno das palavras.

Palavras que estão em The Recruiting Officer de Farquhar, que os condenados da nova colônia penal de Sydney ensaiam. Palavras que evocam o senso de justiça severa que os militares defendiam. Palavras que falavam de amor, perda ou desespero. Palavras que não significam nada para um indígena australiano que observa as atividades da colônia com perplexidade. Palavras que o governador esclarecido espera que mudem vidas, tragam civilização para a colônia. Palavras que são usadas contra os condenados. Palavras que os condenados usam para definir suas vidas. Palavras que alguns explicam para outros. Palavras.

Não música.

De fato, pode-se pensar que a ausência de música era intencional, que Wertenbaker queria mostrar que sem a peça, não haveria civilização, e portanto, não haveria música. Com a peça realizada pelos condenados, a música era possível.

O governador Philip diz em determinado momento: "Os gregos acreditavam que era um dever cívico assistir a uma peça. Era um tipo de trabalho porque exigia atenção, julgamento, paciência, todas as virtudes sociais." O foco de atenção na peça são palavras, personagens e ação - os elementos chave do teatro. A trilha de Matthews obscurece o foco. A música não apoia ou galvaniza a produção.

Isso é sobre a visão do diretor, não uma inadequação de Matthews. Fall parece relutante em apresentar a peça; ao invés disso, ela tentou fazer algo épico a partir de uma narrativa íntima. Há um apelo épico na peça, mas a mecânica não é épica.

Encená-la no Olivier Theatre parecia estranho antes de ver a produção de Fall; depois de vê-la, fica claro que a decisão de encená-la no Olivier levou à falsa crença de que deve ser apresentada em grande escala. A colônia penal é um lugar íntimo e as vidas dos condenados e militares são vividas em proximidade. Um espaço menor, como o Dorfman, teria sido preferível para esta peça.

O cenário de Peter McKintosh é notável e utiliza bem o enorme espaço de atuação do Olivier. Começa de forma simples - o australiano indígena sozinho sobre uma rocha plana. Um pano de fundo maravilhoso, ligeiramente surreal, evoca o sentimento inglês da Austrália - terra vermelha e sol brilhante. Isso pode não ser o que a colônia penal realmente encontrou, mas estabelece a noção da paisagem estrangeira onde o indígena australiano está em casa e os 'Primeiros' são Intrusos.

A rocha se divide e se transforma no convés e porão do navio de condenados, açoitada pelos ventos a caminho da nova colônia. Um soldado chicoteia brutalmente um condenado. Os condenados se queixam e choramingam, os soldados franzem a testa e gritam. E assim o grande sistema hidráulico continua a girar, trazendo diferentes níveis e áreas de jogo para o cenário. Mas é tudo tão vasto, que a vastidão parece esmagadora.

O australiano indígena (curiosamente chamado de 'o Aborígene' no programa quando o texto original identificava o personagem como 'Um aborígene australiano' - duvido que os australianos indígenas apreciem a mudança) é uma espécie de observador quase silencioso. Ele observa e dança e diz algumas palavras esparsas, até que fala sobre sua morte iminente devido a uma doença de Intrusos. Suas falas são inexplicavelmente cortadas. Não há nada de muito autêntico na representação, mas a autenticidade não é prioridade na produção de Fall. Em vez disso, o personagem é apresentado de forma operática, um contraponto exótico aos acontecimentos na colônia.

Curiosamente, para uma produção que escolhe escalar um ator negro como o muito branco Governador Phillip, o australiano indígena não é interpretado por um ator negro. Em um mundo onde Trevor Nunn é criticado por seu elenco totalmente branco de War of the Roses, isso parece, no mínimo, estranho. Isso não quer dizer que Gary Wood não seja excelente no papel - ele é -, mas não usar um ator negro para interpretar uma parte que é inherentemente para um estranho de cor de pele diferente da colônia é, no mínimo, surpreendente.

Mas, então, há muitas escolhas surpreendentes sobre o modo como os personagens são interpretados. Muitos dos condenados são retratados como caricaturas exageradas e muitos dos militares são interpretados como mais negros que preto (coração, não cor da pele). Mas esses amplos traços de pincel são inadequados para uma peça que brilha com sutileza, onde a ambição e o desejo podem revelar aspectos multifacetados de determinadas pessoas. Na verdade, não há preto e branco nos personagens encontrados na peça - quase todos têm falhas e pontos fortes, e quase todos são fundamentalmente mudados pelo que acontece como resultado dos ensaios da peça.

Fall dá mais atenção à intercalação da música de Matthews na peça do que a garantir que as sutilezas e forças subjacentes, fraquezas e confusões dos personagens sejam claramente retratadas. Liz Morden de Jodie McNee é tão absurdamente extrema e animalesca no início da peça que as mudanças em sua natureza parecem fantasiosas - da mesma forma, Major Ross de Peter Forbes é totalmente o vilão, quando na verdade o papel oferece mais nuances que isto. Falls deixa esses dois parecerem uma espécie de Nancy e Bill miserável de uma produção áspera de Oliver!

Felizmente, há algumas performances excelentes. Matthew Cottle é gentil e comovente como Wisehammer, e sua obsessão com palavras é apresentada adequadamente. Lee Ross é esplêndido como o aspirante a ator Sideway, que sonha em ser o Garrick no exterior. Caoilfhionn Dunne e Tadhg Murphy são bastante adoráveis como Mary e Ketch, respectivamente, e Jonathan Dryden Taylor é o mais bem-sucedido de todos em transmitir a sensação de como a experiência do processo de ensaio alterou a perspectiva de Arscott sobre a vida. Jonathan Coote é adequadamente legalista como o juiz da colônia, Capitão Collins, mas ligeiramente irritado quando astúcia e perspicácia seriam preferíveis.

Jason Hughes se sai bem como Segundo Tenente Clark, e é muito melhor no segundo ato, mas a parte oferece colheitas maiores que não são aproveitadas aqui. A dinâmica entre Hughes e Forbes é muito óbvia, não suficientemente complexa para permitir que o personagem brilhe, e Hughes não é ajudado pela atuação sem brilho de Cyril Niri como Governador Phillip (uma escolha de elenco séria). Ele trabalha bem com a Mary de Dunne, e seu clímax romântico no segundo ato é genuinamente adorável.

Totalmente não convincente, e prejudicial ao sucesso geral do drama intricado, foram Caesar de Jonathan Livingstone, Duckling de Shalisha James-Davies, Harry Brewer de Paul Kaye e Dabby Bryant de Ashley McGuire. Cada um era unidimensional e muito extremo para a tarefa aqui. Novamente, isso é uma questão de visão de Fall.

A coreografia (Arthur Pita) e as lutas (Kate Waters) não se misturaram perfeitamente com a atuação. Como a música, às vezes se intrometeram ao invés de melhorar a atuação. O canto de Josienne Clarke foi de primeira classe, mas desnecessário. Embora a iluminação de Neil Austin fosse excepcionalmente boa, e o design de som de Carolyn Downing preciso e bem equilibrado, não foram suficientes para animar a produção.

Não. Fall não entendeu a peça e, ao buscar deixar sua marca nela, chegou perigosamente perto de obliterar seu impacto. Má escolha de elenco e má direção, no entanto, não são suficientes para arruinar completamente a grande peça de Wertenbaker. No final, as palavras mágicas que ela escreveu sobressaem - superando performances fracas, um cenário indulgente, um espaço grandioso demais e uma música interessante, mas cansativamente intrusiva.

Quando o National Theatre sob Rufus Norris simplesmente dará ao público uma reencenação de uma peça centrada no texto e não no diretor? Ou será que isso é pedir demais? Truques não são necessários. Ralph e Mary deixam claro na peça:

"Ralph: Pessoas que não conseguem se concentrar não deveriam ir ao teatro.

Mary: Se você atuar bem, elas terão que prestar atenção."

Exato.

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