CRÍTICA: A Sombra de Orson, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

John Hodgkinson como Orson Welles e Adrian Lukis como Laurence Olivier, com Ciaran O’Brien como Sean. Fotografia: Elliott Franks Orson's Shadow

Southwark Playhouse

06/07/15

5 Estrelas

Será que realmente há mais a se dizer sobre os Oliviers, Larry, Vivien e Joan? Ou sobre Orson Welles, por assim dizer? Estas eram as perguntas na minha mente enquanto me sentava no Southwark Playhouse para a noite de imprensa da peça de Austin Pendleton dedicada a reimaginar o único episódio na vida real em que Welles, Olivier e Joan Plowright trabalharam juntos - em uma produção de 1960 no Royal Court de Rinoceronte de Ionesco, dirigida por Welles. Em meio às muitas camadas de avaliação crítica, biografias boas, más e lamentáveis, cartas, memórias e fofocas de todos os lados, certamente temos um quadro completo tanto do psicodrama desesperadamente triste do casamento entre Leigh e Olivier quanto do lento e atribulado declínio da carreira de Welles após seu início dourado em Cidadão Kane?

Na verdade, Pendleton consegue nos levar bem além das superfícies biográficas e, ao longo do caminho, faz algumas perguntas muito profundas e difíceis. Como até mesmo os maiores talentos podem perder seu rumo na meia-idade, e onde está o caminho intransponível do dever em relacionamentos afetados por doenças mentais graves. Ele também oferece insights importantes sobre o papel da crítica teatral, os méritos relativos de uma carreira no palco ou no cinema, como os incidentes da vida pessoal se infiltram no trabalho criativo, e sobre como os atores conciliam a alquimia entre a técnica aprendida e o instinto psicológico na atuação. Se esse resumo dá a impressão de que esta é uma peça puramente para iniciados teatrais, então é importante dizer que ela é equilibrada por diálogos que são, por sua vez, espirituosos e ternos, e comédia visual de situação que proporciona muito movimento fluido e negócios teatrais para observar. Pendleton conheceu Vivien Leigh e trabalhou com Welles, então a peça é escrita com uma empatia que vem do conhecimento pessoal, mas de forma alguma se transforma em hagiografia ou defesa especial.

O golpe de Pendleton na dramaturgia é introduzir Kenneth Tynan na equação. Tynan é apresentado aqui como o homem que convence Olivier e Welles a trabalhar juntos na peça. Isso não é verdade de fato, mas é dramaticamente adequado, pois ele foi genuinamente um amigo de ambos e queria fazer tudo o que pudesse para reviver a carreira cinematográfica de Welles e se tornar parte da equipe de Olivier na fundação do National Theatre. Ele é o catalisador e comentarista da ação em todos os momentos. Há dois atos. Na primeira cena, Tynan e Welles conversam nos bastidores em Dublin e estabelecem a estrutura para o que segue; na segunda cena, nos movemos para os bastidores no Royal Court, onde encontramos Olivier recém-saído de seu sucesso em The Entertainer e envolvido no processo complexo de deixar Leigh por Plowright. De muitas maneiras, esta é a parte mais impressionante da escrita que oferece grandes oportunidades para todos os atores enquanto Olivier e Tynan se enfrentam, Plowright luta para estabelecer sua própria identidade, e as tensões, lealdades e manipulações autodestrutivas do casamento dos Oliviers são expostas em uma conversa telefônica deliciosamente preparada. O segundo ato nos leva ao set de Rinoceronte e foca nas diferenças criativas entre Welles e Olivier enquanto o último luta para adaptar sua técnica às exigências do teatro do absurdo. A ação chega ao clímax quando Leigh faz uma visita inesperada ao set e, finalmente, cada um dos personagens põe de lado suas máscaras e é reduzido ao essencial.

Ao todo, há seis personagens e cada um dos atores apresenta uma atuação calculada e expressiva, detalhada. Não há elos fracos, e o diretor de elenco merece todo o crédito por montar um time totalmente complementar. Nos papéis menores, Ciaran O'Brien interpreta um jovem gerente de palco, Sean, e Louise Ford assume Joan Plowright. Ambos os papéis são levemente esboçados por Pendleton, e nenhum deles é pensado como uma personificação direta. O'Brien capta bem a adoração desajeitada e tímida de um jovem aspirante, e Ford aproveita ao máximo as oportunidades que lhe são dadas para mostrar que sua personagem não era um cifrão e sempre foi uma atriz com uma inteligência feroz própria. Ela equilibra bem seu amor e exasperação com Olivier e junta-se a Welles em se posicionar a favor do modernismo no teatro.

Edward Bennett incorpora Tynan de forma muito plausível. Ele captura as características físicas de maneira convincente - a gagueira, a tosse indicando enfisema incipiente e a deferência exagerada diante de seus heróis. Mas ele também demonstra a inteligência, acidez, maledicência e o desejo secreto de ser um insider querido que faziam parte da personalidade complexa desse crítico. Bennett tem que enfrentar muitos dos momentos potencialmente embaraçosos quando o dramaturgo quebra as barreiras do realismo e interage diretamente com o público. Ocasionalmente, a escrita é um pouco desajeitada aqui, e o ator faz bem ao seguir em frente.

Como Vivien Leigh, Gina Bellman tem duas cenas cruciais para estabelecer a 'infinita variedade' de sua personagem. Novamente, há uma boa correspondência física aqui de ambos postura e glamour de um lado e vulnerabilidade amassada do outro. Precisamos ter uma noção de por que Leigh era uma sirene tão cativante tanto na tela quanto fora dela, e também vislumbrar seus terrores privados. Bellman é particularmente eficaz em mostrar os aspectos menos anunciados da personagem: sua inteligência e generosidade de espírito para com os outros e sua autopercepção melancólica sobre a mania incipiente e a forma que ela assume. Quando a mania chega, é adequadamente descontrolada e fora de controle.

Os maiores desafios aqui são como interpretar Welles e Olivier. Tanto John Hodgkinson (Welles) quanto Adrian Lukis (Olivier) oferecem impersonações físicas e vocais impressionantes, mas as verdadeiras forças de suas atuações e da direção flexível de Alice Hamilton residem em levá-los profundamente ao seu próprio 'coração das trevas' pessoal. Vemos além da caricatura deliberadamente maior que a vida que Welles apresenta ao mundo em seu desespero para encontrar qualquer meio de prosseguir com seus próprios projetos; e vislumbramos a dor, raiva e autoaversão de um homem que sabe que é tanto uma vítima genuína de um sistema quanto seu próprio pior inimigo. Da mesma forma, Lukis nos leva abaixo do exterior exageradamente recortado e brilhantemente polido da fachada de Olivier para mostrar como ele se tornou um 'gigante em correntes auto-forjadas'. Como ele ficou preso em sua própria mitologia a ponto de estar mal equipado para abraçar mudanças profissionais. Como seu desejo de impor controle a si mesmo e ao seu mundo é uma reação temerosa aos perigos da instabilidade de Leigh tanto quanto às pressões externas; e como a mudança veio em todas as áreas quando ele finalmente permitiu que seu 'alerta animal' como ator emergisse mais uma vez.

A peça é encenada em formato circular com um contraste agradável e provocante entre a convenção de artifício de palco e informalidade. Os gestos em direção ao cenário são práticos e funcionais e não distraem do duelo verbal dos atores, que é o coração e o centro da ação. Embora já tenham ocorrido várias produções nos EUA, esta é a estreia europeia e, pela qualidade e intensidade da escrita e interpretação, merece uma temporada longa e bem-sucedida.

Orson's Shadow está em cartaz no Southwark Playhouse até 25 de julho de 2015