CRÍTICA: Old Times, Teatro American Airlines ✭✭✭✭

Velhos Tempos

Teatro American Airlines

10 de outubro de 2015

4 estrelas

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Há uma anedota apócrifa sobre Harold Pinter, sua peça "Velhos Tempos" e o grande ator Anthony Hopkins, que estrelou uma remontagem da peça para o Roundabout Theatre em 1984. Diz a história que Hopkins perguntou ao grande homem o que significava o final da peça. "Eu não sei. Apenas faça" foi a resposta impaciente.

Quando estava na escola de teatro, eu estudava sob a tutela de uma dramaturga idiossincrática que considerava que a melhor maneira de uma turma moderna se relacionar com A Cerejeira, de Chekhov, era lendo o texto em voz alta enquanto a turma se deitava no chão do estúdio, imaginando como seria ser uma cerejeira prestes a ser cortada. Esta mesma tutora tinha opiniões muito firmes sobre Velhos Tempos.

Ela desprezava as "teorias". Não acreditava, nem por um momento, que a peça fosse uma fantasia criada pela mente de Kate, a esposa na peça. Essa interpretação parece envolver Kate sendo psicótica, matando tanto sua amiga Anna, possivelmente porque ela roubou roupas de baixo, mas mais provavelmente porque estava tentando roubar seu homem, Deeley, agora seu marido. Vai além, sugerindo que Kate também mata Deeley porque ele estava inconsolável com a morte de Anna. Kate está louca, bebendo e fumando, e fantasiando - e essa é a peça.

Tampouco ela acreditava nas interpretações que viam Anna e Kate como dois lados de uma mesma personalidade: ou a maneira como Deeley via sua mulher, dependendo dos seus humores, ou como um caso real de dupla personalidade, com Kate talvez empurrando Anna para o fundo por muitos anos, apenas para tê-la de repente retornando, desequilibrando tudo.

Não, minha tutora estava firmemente no campo que acreditava que esta era uma peça sobre memória, e como a memória pode mudar o passado, criá-lo novamente e selá-lo em pedra. Que pessoas diferentes podem ter as mesmas memórias dos mesmos eventos, mas suas memórias nunca se alinham. Para ela, esta era uma peça onde tudo e nada era ao mesmo tempo verdadeiro e falso: era apenas uma questão de perspectiva. Personagens e eventos poderiam ou não ser reais; tudo era uma questão de perspectiva.

Sem dúvida, Pinter teria sido sarcástico sobre suas opiniões sobre A Cerejeira, mas, considerando seus comentários para Hopkins, se forem verdadeiros como relatados, talvez ele concordasse sobre a questão de Velhos Tempos.

Agora em cartaz, novamente para o Roundabout, mas desta vez no Teatro American Airlines, está a remontagem de Old Times por Douglas Hodge, dando início à temporada comemorativa de 50 anos do Roundabout. No programa, Todd Haimes, Diretor Artístico do Roundabout, opina:

"Douglas (Hodge) comparou a abertura de Old Times à de um poema ou peça de dança. A peça desafia a análise fácil ou categorização, mas a natureza evocativa da sua linguagem e a força sensual de seus relacionamentos - incorporados aqui por um poderoso trio de atores: Clive Owen, Eve Best e Kelly Reilly - são magnéticos. Suspeito que cada membro da plateia sairá da peça com uma compreensão diferente da história que se desenrolou no palco, e adoro que uma infinidade de interpretações ganhem vida no escuro do nosso teatro."

A única maneira certa de arruinar uma produção de Velhos Tempos é tentar fazer algo além de "Apenas faça!". Hodge, que tem uma afinidade intrincada e duradoura com Pinter, não comete esse erro. Aqui não há reinterpretação autoral; nenhuma tentativa de impor uma visão particular ao texto.

De fato, o mais próximo que Hodge chega de impor uma visão ao valsa de palavras de dor e impressão de Pinter está no cenário. Christine Jones oferece um cenário impressionante, difícil de descrever. Um enorme bloco grosso de gelo serve como porta. O fundo é de comprimento total e alto, em rosa empoeirado ou salmão ou alguma cor de transição entre os anos setenta/oitenta. É uma superfície plana, mas há uma crista ou linha que circula continuamente para dentro, criando um efeito de túnel ou vórtice. Sofás modulares pretos estão artisticamente dispostos, com uma poltrona central central para o homem.

É minimalista, mas de certa forma excessivo ao mesmo tempo. O ambiente parece uma decadência afetuosa e, quando o fumo e a bebida começam, a sensação de indulgência lânguida aumenta. A porta de gelo parece estranha ou óbvia, dependendo de suas inclinações. Talvez seja um simples símbolo da necessidade desses personagens de descongelar, de se aquecer, ou uma sugestão do porquê eles não conseguem. Ou, mais controversamente, talvez a porta de gelo seja feita para representar um cubo de gelo, flutuando na superfície de um coquetel, com o fundo como o copo de martini e os atores como os ingredientes, separados, misturados, melosos ou adstringentes. Afinal, martinis poderiam afetar a memória.

Seja como for, o cenário é maravilhoso. Emoldurou a ação, mas não a impôs. Da mesma forma,

a trilha sonora estranha, envolvente e inquietante de Thom Yorke acrescenta ao sentimento de não estar bem ajustado aos procedimentos. Começa seu trabalho bem antes de os atores falarem uma palavra ou fazerem um movimento, e assim estabelece um sentimento de discordância que nunca se dissipa. Japhy Wiedeman usa iluminação que é estranhamente reflexiva, cintilante e intangível, como as memórias são. É incrivelmente eficaz. Os figurinos de Constance Hoffman acentuam os aspectos inefáveis dos personagens, destacando seus apetites sexuais e suas características caprichosas.

Onde Hodge opta pela diferença é na maneira de interpretar. Nada de fervura lenta, silenciosa, discreta aqui. Não, as partes são interpretadas com vigor, mais audaciosas do que você esperaria ver em um palco inglês ou em um que pensasse que Pinter estava envolto em naftalina. O resultado é que a borda sexy é mais angular, os riscos são maiores, a comédia bastante mais engraçada. Tudo isso deliberadamente. Ganho recompensas frequentemente, mas talvez o melhor de tudo seja nas sequências onde o roubo de roupas de baixo é discutido, ou o corpo na cama é lembrado, ou as canções de show são tão mal servidas. Isso é corajoso da parte de Hodge, olhado de uma maneira; olhado de outra, é simplesmente apenas fazer.

Não há nada a reclamar sobre o elenco. Eve Best, sensual, magnética, a passear, é puro deleite como a enigmática Anna. Ela aprecia imensamente a linguagem, não tem medo do poder que o silêncio pode gerar e exala calor e frieza em quantidades iguais. Ela está ótima, soa ótima e é, de fato, ótima. Hipnotizante de assistir.

Kelly Reilly ocupa todos os espaços femininos que Best escolhe não ocupar, e é especialmente boa no olhar conhecedor e vazio, na virada de frase fria, e no olhar penetrante e silencioso. Ela toma o caminho coquete e emburrado mais vezes do que não, mas o reveste com botões perfumados; ela parece familiar, mas é constantemente surpreendente e colorida. Depois do banho, seu vestido noturno sedutor adiciona uma camada sensual às suas inclinações. Ela parece constantemente uma quase-fogueira prestes a alcançar o ponto em que as chamas subirão alto. Borbulhante, mas clássica.

Complementando o curioso trio está Clive Owen, vestido de terno, com botas e cheio de masculinidade. Muito bem, ele posiciona seu personagem, Deeley, pouco ao sul de realmente carismático e envolvente; Owen, acertadamente, mantém os defeitos de Deeley dentro da visão. Ele fica a espreitar, rosna e entrega uma linha fina em indiferença arrogante, seus olhos são de aço, seu corpo tenso e pronto. Ele equilibra bem tanto com Best quanto com Reilly, seus olhos piscando chance e lembrança, e você realmente acredita que ele foi íntimo de ambos, perdido com qualquer um e preso por cada um. Complexo e encorpado.

É quase um French 75 em aparência, esta produção: o champanhe de Reilly, o gin de Best e o amargor de limão de Owen. Um verdadeiro coquetel