CRÍTICA: No Villain, Old Red Lion Theatre ✭✭✭✭✭

George Turvey e Helen Cole em No Villain. Foto: Cameron Harle No Villain

Old Red Lion Theatre

10/12/15

5 Estrelas

O centenário do nascimento de Arthur Miller trouxe muitas revivals notáveis da longa sequência de peças famosas que ele escreveu no final dos anos 1940 e 1950. Também lançou uma luz bem-vinda, oportuna e reveladora sobre as obras negligenciadas de seus primeiros anos, notadamente The Man Who Had All The Luck, que o King’s Head Theatre encenou há alguns meses. Dado o volume da literatura acadêmica ao seu respeito e os próprios escritos autobiográficos de Miller, você pensaria que há pouco mais a dizer sobre a formação e desenvolvimento de sua carreira. No entanto, é o feito do diretor Sean Turner aqui ter feito algo que ninguém poderia ter antecipado – nos dar a estreia mundial da primeira peça de Miller, No Villain, em uma produção superlativa que já mostra o estilo do escritor em ação. A noite de imprensa, realizada na frente de algumas pessoas criativas muito distintas, foi uma noite triunfante no teatro para todos os envolvidos. Em suas memórias Timebends, Miller menciona esta peça de passagem como a mais autobiográfica de seus escritos, mas diz pouco mais. Foi escrita em 1936, quando ele tinha apenas 21 anos e estava frequentando a Universidade de Michigan. O negócio de confecção do seu pai falira e ele precisava ganhar um prêmio de escrita para poder pagar suas despesas. Ele o fez, mas, cumprido o propósito, a peça nunca foi encenada e se perdeu no tempo. Não era conhecida pela Miller Estate e o diretor Sean Turner só a encontrou finalmente nos arquivos da universidade e então obteve permissão para montar uma produção.

Adam Harley em No Villain. Foto: Cameron Harle Muitas peças são revividas por causa da reputação posterior do autor, mas No Villain não está nesta categoria. Embora não seja uma obra-prima perdida, é um belo texto, totalmente envolvente como drama e notável pelo fato de que o estilo característico do autor já está em grande parte desenvolvido, tanto em termos de temas quanto de técnica.

A ação se desenrola sem interrupção por noventa minutos e, para quem conhece o trabalho de Miller nos dez anos seguintes, vai se sentir imediatamente em casa no cenário. Tensões dentro da família e no local de trabalho estão em destaque: pais contra filhos, irmãos contra irmãos. O conflito entre o que é certo para o indivíduo e o que é bom para a comunidade está lá desde o início, mostrando a visão distintiva de Miller sobre um ramo do drama que nos acompanha desde os gregos, revelando aqui mais de um traço de Ibsen. O papel da ideologia – Comunismo, neste caso – é explorado e a linha de falha que isso cria quando colocada contra o impulso concorrente de lealdades pessoais e familiares é o foco.

A voz já está totalmente formada também. O diálogo mostra uma maturidade e equilíbrio notáveis. É vívido e imagístico às vezes, mas convincentemente naturalista, e não autoconscientemente literário. Os personagens, mesmo os menores, são bem contrastados, com muitas oportunidades para humor naturalista, bem como grandiosos tableaux dramáticos. Acima de tudo, vemos em operação a habilidade característica de Miller em criar uma sequência intolerável de pressões e fardos sobre os seres humanos para ver se o carbono se transforma em diamante ou se rompe sob a tensão.

A ação alterna entre um apartamento de gentileza desbotada ocupado pela família Barnett, em descenso social, e um escritório de fábrica de confecções presidido pelo pai Abe Barnett (David Bromley). Dois designs atmosféricos, detalhados, mas também de simplicidade sem esforço, de Max Dorey, realizam maravilhas dentro do espaço confinado do Old Red Lion, de modo que as transições de cena são sem esforço. As fortunas da família já estão declinando na Depressão. A mãe Esther (Nesba Crenshaw) já mostra sinais de histeria, e Abe oscila entre a ansiedade e a desinvoltura ao tentar garantir que sua fábrica possa continuar em funcionamento durante uma greve que impede o envio de mercadorias. O filho mais velho, Ben (George Turvey), desistiu de seus próprios estudos para ajudar o pai a administrar os negócios; o filho mais novo, Arny (Adam Hartley), está na universidade e abraçou o marxismo, e a irmã mais nova Maxine (Helen Coles), um papel algo subestimado, está desfrutando da vida adolescente, ignorando amplamente a pressão familiar. Mais infeliz de todos é o vovô Barnett, (Kenneth Jay) menos capaz de se ajustar a viver em circunstâncias restritas.

Todos enfrentam escolhas morais difíceis: Abe e Ben usam todos os meios possíveis para levar seus produtos adiante, mesmo que isso coloque seus trabalhadores em risco? Arny ajuda os negócios da família ou cumpre seus princípios comunistas? Ben realiza um casamento sem amor que resgataria as fortunas da família? Esther consegue manter a família unida e em harmonia ou deve escolher entre o marido e o pai? E conectando todos eles está a questão de como manter um fino fio vermelho de integridade pessoal quando as lealdades competindo entre princípios e pessoas apontam para caminhos diferentes e contraditórios….

Nesba Crenshaw e David Bromley em No Villain. Foto: Cameron Harle. Essas dicotomias geram intensos debates e trocas poderosas que dão a emoção do verdadeiro Arthur Miller em ação. As trocas entre os dois irmãos, afetuosas e rivais, são absolutamente cativantes e fornecem o verdadeiro motor para o desenvolvimento da peça; e as tensões no local de trabalho entre Abe e Ben são bem fundamentadas em momentos paralelos em All My Sons e Death of a Salesman. Há também momentos ternos entre pai e filha, mãe e filhos, que também dão uma impressionante sensação da amplitude e maturidade de Miller, mesmo como um jovem escritor.

Há alguns problemas na peça que precisam ser observados, problemas que você pode esperar de um dramaturgo inexperiente. Há alguns discursos desajeitados, incluindo um resumo das doutrinas comunistas, que o Miller mais velho teria cortado, e a direção da escrita muda de forma um tanto desestruturada que o Miller mais velho não teria permitido. O foco no início, enquanto a família espera que Arny volte da faculdade, é preparar um potencial choque entre seus valores e os do negócio da família – comunismo versus capitalismo. No entanto, isso nunca realmente se concretiza. Enquanto Arny realmente se recusa a ajudar durante a greve, o choque antecipado com seu pai nunca realmente acontece, e Arny se torna marginalizado no desenlace da peça.

Em vez disso, Miller se interessa muito mais pelo irmão mais velho Ben, cujas escolhas e personalidade se tornam mais complicadas à medida que a ação se desenvolve. Ben, na verdade, também é simpático à causa dos trabalhadores enquanto tenta conciliar seu compromisso com a família e construir um futuro independente para si mesmo. No confronto mais poderoso da peça entre os dois irmãos, Ben oferece uma crítica mordaz das escolhas ideológicas simplistas e somos convidados a considerar o homem que pelo menos tenta conciliar os elementos irreconciliáveis da vida cotidiana como o verdadeiro herói. É Ben, não Arny ou Abe, quem faz o ato final de afirmação existencial ao final da ação.

Esse final me deixou com sentimentos mistos. É melodramático, mas esse não é realmente o problema, pois sempre fez parte da arte de Miller mesclar um naturalismo cru com momentos de melodrama intenso que parecem exatamente corretos, de fato inevitáveis, quando acontecem. É mais que esse final parece mais um novo começo que levanta uma série de novas perguntas. Em uma peça desse comprimento, naturalmente se esperaria que haveria então um retorno para uma segunda parte onde essas novas direções seriam exploradas. Senti que a maioria das pessoas na plateia ficaram surpresas, portanto, que a peça tenha terminado assim em vez de um confronto entre pai e filho para o qual parecia se dirigir por grande parte de seu curso. Se Miller revisasse esse texto, suspeito que ele poderia ter estendido essas possibilidades ainda mais para uma noite completa.

As atuações são uniformemente excelentes nesta produção. Turvey tem o papel mais desafiador para desenvolver em termos de desenvolvimento e complexidade do personagem, e ele o faz com excelência. Sua interpretação de Ben tem uma gama emocional exemplar e generosidade de espírito que responde plenamente aos desafios que lhe são apresentados. Da mesma forma, Bromley faz um trabalho muito bom ao mostrar as habilidades empresariais desbotadas de Abe e perda de autoconfiança ao lado de uma teimosa resistência diante da contradição. Sua é um belo retrato de um homem vivendo no limite do que consegue lidar e processar. Seria fácil para Crenshaw exagerar Esther, mas as gradações de seu colapso emocional são bem calibradas e controladas e é uma performance mais marcante como resultado. Hartley aproveita bem seus momentos em um papel que perde algum foco na escrita para o final, mas ele também torna Arny mais simpático e humano do que poderia ser em outras mãos. Kenneth Jay, Stephen Omer e Anton Cross modelam alguns momentos detalhados convincentes com os personagens menores.

É difícil ver como o lado da produção poderia ser melhor feito. Realmente é um daqueles casos em que a disciplina de um pequeno espaço de atuação estimula dividendos criativos. Não apenas os sets são um milagre de evocação e praticidade concisa do período, mas são reforçados com um design de iluminação atmosférica e minuciosa de Jack Weir, utilizando uma gama de luminárias do período, e uma sequência evocativa de intervalos jazzísticos do designer de som Richard Melkonian. Turner dirige em um estilo fluente e bem ritmado que faz o espaço parecer maior do que é, enquanto dá foco e intensidade às trocas um a um.

Todos os envolvidos nesta produção merecem os mais altos elogios. A programação do Old Red Lion nas últimas temporadas tem sido louvável em sua combinação de novos trabalhos e recuperação meticulosa de obras negligenciadas ou esquecidas por autores renomados. Se esta peça se transferir, como merece, será outra vindicação do julgamento artístico da administração. O elenco e a equipe criativa estão totalmente comprometidos com esta obra e fazem o melhor caso possível por ela. Acima de tudo, o diretor deve receber todo o crédito por sua determinação empreendedora em rastrear essa obra fugitiva e apresentá-la com tal fervor e bom gosto estilístico. A peça em si receberia quatro estrelas de mim, mas os valores extraordinários de produção e a experiência geral da noite me permitem adicionar uma estrela final no topo da árvore.

No Villain está em cartaz no The Old Red Lion Theatre até 9 de janeiro de 2016