CRÍTICA: Nell Gwynn, Teatro Globe ✭✭✭

Nell Gwynn

Teatro Globe

24/09/15

3 Estrelas

Quando você se encontra na Long Gallery de alguma casa de campo inglesa, na maioria das vezes estará passando por um conjunto de Belas da Restauração pintadas por Lely ou Kneller. É uma experiência entorpecente e deprimente ver essas mulheres desprovidas de personalidade e vivacidade, todas reduzidas a versões identikit do que o olhar itinerante do rei Charles II desejava ver. Até que, de repente, você encontra um retrato de Nell Gwynn. Por mais que tentassem, os pintores não conseguiram sufocar sua individualidade. Com a cabeça inclinada para um lado, decote deliberadamente exposto, atrevida e claramente argumentativa, ela se destaca da multidão, pronta para responder com uma réplica espirituosa mais do que à altura de qualquer crítica ou desdém prestes a ser oferecido.

No último espetáculo da temporada majoritariamente severa 'Justiça e Misericórdia', o Globe agora oferece o que em termos gregos pode ser considerado uma peça Sátira, que tenta recapturar o espírito travesso de Nell, enquanto oferece um pouco mais do que uma festiva celebração dos ‘Dias Dourados do Bom Rei Charles’. Há um propósito sério aqui também: nomeadamente fornecer um relato do nascimento e desenvolvimento inicial da Comédia da Restauração, apresentando Nell como sua madrinha espirituosa e parcialmente ciente.

Em todos os sentidos ‘Austeridade’ é banida – de fato, quando o rei Charles (David Sturzaker) proclama explicitamente seu fim, ele desencadeia o maior (ainda que mais previsível) aplauso da noite. A exuberância é a ordem do dia e vemos isso desde o início na forma como o palco do Globe é decorado com cortinas suntuosas e cordamentas de seda, tudo focado em uma caixa real no nível da varanda que ostenta todo o aparato das Armas Reais. Roupas e perucas também são de época, até o último vestido franzido, arabescos e chapéu exageradamente grande, uma bela exibição do departamento de figurinos do Globe, supervisionado por Binnie Bowerman.

A peça é da premiada Jessica Swale e essencialmente persegue dois temas de cada lado do intervalo. A primeira metade está acima de tudo preocupada com a ascensão de Gwynn desde uma infância obscura em um bordel de Covent Garden, trabalhando nos arredores do teatro como vendedora de laranjas em Drury Lane. De lá, sua pura vivacidade de personalidade chama a atenção de Charles Hart, um dos principais atores da época, e lhe dá entrada em uma das duas companhias de teatro rivais que estavam testando o público após a Restauração e o fim da proscrição puritana do teatro.

A grande oportunidade de Gwynn - e de outras mulheres de baixa origem em ascensão - decorreu do fato de que Charles foi além de simplesmente restaurar o teatro - ele permitiu que mulheres atuassem no palco, assim como era o caso em Paris durante seus anos de exílio. Ela explorou o apetite por comédias mitologias leves e efervescentes, especialmente aquelas escritas por Dryden, que privilegiavam as mulheres que podiam cantar, mover-se e dançar bem, ao invés de simplesmente adotar ‘atitudes’ estilizadas para encapsular os sentimentos do texto.

Claro que as plateias contemporâneas também buscavam mulheres que se vestissem como homens em papéis ajustados de ‘breeches’ antes de serem reveladas com mais do que uma pequena revelação carnal ao longo do caminho. Gwynn, nessa narrativa (um tanto quanto como Gypsy Rose Lee, atualmente em outra peça), era hábil em dar ao público algo do que eles queriam e não muito, ou muito cedo. Ela então aplicou a mesma estratégia com Charles II, depois que ele a notou uma noite em uma apresentação.

A segunda metade da peça busca explorar como essa estratégia saiu-se entre os recifes e traições da política da corte. Uma vez que Nell se retira do palco, como ela lida com a celebridade, o ciúme de outras amantes, as armadilhas dos políticos de Charles, notadamente Arlington - uma figura composta para propósitos dramáticos? Acima de tudo, como ela consegue manter a atenção do próprio Charles, uma vez que a novidade e a primeira faísca do relacionamento deles passou? A peça sugere que ela se saiu melhor que muitas de suas rivais ao perceber sua solidão essencial por trás da fachada repleta de maneirismos e espirituosa, procurando estimulá-lo intelectualmente através de seu talento natural e apoiando-o emocionalmente, ao invés de como outras através apenas do sexo.

A lição da história e desta peça é que ela conseguiu em grande parte. Ela foi a única amante de longa data que sobreviveu sem recursos independentes e patrocínio. Nenhuma outra amante conseguiu saltar tão alto na hierarquia a partir de começos tão baixos, e ela fez isso principalmente percebendo que se não reivindicasse um título para si mesma, mas apenas para seus filhos, ela diminuiria o ciúme. Foi um triunfo tanto da astúcia quanto de calor pessoal genuíno, uma combinação vencedora no palco e na vida.

No geral, a primeira metade é mais bem-sucedida do que a segunda – há uma história para contar e uma trajetória para descrever, e Swale mantém tanto a narrativa pessoal quanto a história do teatro em tandem elegante. Após o intervalo, a ação é necessariamente mais calma e estática, dependendo de discussões um tanto artificiais e argumentos planejados cujos resultados parecem bastante pre-determinados e inconsequentes.

O controle do tom funciona em termos gerais. Esta não é uma paródia da Comédia da Restauração, mas ainda assim, o diálogo é afiado e às vezes espirituoso, e auxiliado por algumas canções realmente excelentes compostas por Nigel Hess, que novamente atingem as notas certas da época sem soar afetado ou fútil ou obscenamente desprovido de charme. Dito isso, o mundo conhecedor e afetado de Blackadder às vezes não está distante, e os atores às vezes exageram - ou subestimam - isso de forma bastante descarada. O público adorou, e talvez isso tenha que ser assim, já que esta série deve ser agora o ponto de referência e entrada na cultura popular para a maioria de nós neste gênero.

Dado o tom geral de comédia de larga escala e a necessidade de grande projeção do palco do Globe, as interpretações foram necessariamente generalizadas, mas ainda assim altamente eficazes. O diretor Christopher Luscombe manteve as coisas em ritmo muito acelerado e as cenas se mesclavam de forma fluida com muita coreografia animada ao longo do caminho.

No papel-título, Gugu Mbatha-Raw possui a mistura certa de charme atrevido e feisty, canta e dança bem, mas não tão bem. A cena inicial em que o bonachão Hart (Jay Taylor) a ensina a entregar um diálogo é um muito bom exercício em mostrar tanto como o Teatro de Restauração funcionava, quanto que o envolvimento animado do público importava bastante mais do que a nuança sofisticada de interpretação. Entre os atores da ‘Companhia do Rei’, os destaques foram Greg Haiste como o indignado e escandaloso imitador feminino, Edward Kynaston, e a camareira e factotum geral, Nancy, que praticamente roubou a cena repetidamente no que poderíamos chamar de papel ‘Baldrick’. Graham Butler também se agitou e resmungou como um jovem John Dryden, um papel algo subdesenvolvido.

Na corte, o Charles de Sturzaker preservou o ar certo de perigo e reserva para preservar sua dignidade e autoridade acima do tumulto, e David Rintoul demonstrou cinquenta tons de desaprovação em relação aos eventos ao seu redor, enquanto perseguia sua própria marca de perfídia política. Houve participações vibrantes de Sasha Waddell como duas amantes contrastantes de Charles - a venenosa Castlemaine e a altivamente superior e facilmente zombada Louise de Keroualle; e Sarah Woodward conseguiu ser irreconhecivelmente diferente como a biliosa rainha Catherine e a mãe cafetina de Nell, Ma Gwynn. Anneika Rose interpretou a irmã de Nell, agindo como a consciência e contraponto em momentos chave.

Embora haja momentos mais sérios a serem encontrados nesta peça, especialmente focados nas oportunidades para mulheres no novo teatro dos anos 1660, não há ponto em pressionar muito por camadas de significado profundo nesta confeição leve. O mistério de Nell Gwynn permanece tão inescrutável quanto o sorriso nas pinturas contemporâneas. Mas certamente fornece um encantador final para o que tem sido uma temporada principalmente muito séria e instigante no Globe, e representa uma maneira divertida de passar uma das nossas atualmente douradas noites de outono.

Nell Gwynn em cartaz no Teatro Globe até 17 de outubro de 2015