CRÍTICA: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman e Stephen Wight em McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

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‘O amor não vê com os olhos, mas com a mente.’

Shakespeare, Sonho de uma Noite de Verão McQueen estreou este ano no St James Theatre e agora transfere-se para uma temporada limitada no West End no Theatre Royal Haymarket, após algumas mudanças de elenco e um certo grau de reescrita pelo dramaturgo James Phillips. A peça é dirigida por John Caird, com coreografia de Christopher Marney, e estrelada por Stephen Wight no papel do próprio McQueen, quem vemos enquanto tomamos nossos assentos, andando pelo palco, já no papel, indomável e imprevisível, torcendo e contemplando o cinto com o qual pode estar prestes a tirar a própria vida…. Alexander/Lee McQueen - sua vida, obra, associados, trágica morte e legado - fornece um tesouro quase excessivo de material para tratamento dramático. Na recente e extraordinária retrospectiva do V&A, Savage Beauty, havia um notável casaco de fraque de penas douradas, com colarinho alto e apertado na cintura, que reaparece de forma modificada para desempenhar um papel aqui na segunda metade como um símbolo de como as roupas podem transformar o usuário. Para mim, contudo, foi também um símbolo da complexidade deste tema – aparentemente um de superfícies cintilantes e um excesso de glamour – semelhante ao brilho Regency do Haymarket onde todos nós estávamos reunidos na noite de imprensa; mas onde o cerne da questão está na evocação da psique de um homem que, de acordo com aqueles que trabalharam com ele, transbordava de ideias e humores em um dia tanto quanto há penas naquele glorioso casaco.

Stephen Wight, Laura Rees em McQueen Com uma vida e morte vividas sob os holofotes da publicidade, onde há muitas pessoas que conheceram bem McQueen, e a maioria de nós que agora acha que sabe alguma coisa, o desafio de capturar a essência do gênio vertiginoso e das múltiplas contradições do homem e dar-lhe nova vida dramática é uma tarefa muito difícil. Sabemos, a partir de suas Histórias da Cidade, revisadas aqui há alguns meses, que James Phillips tem uma visão inovadora para a estrutura, uma maneira poeticamente sugestiva com diálogos, uma apreciação aguçada da interpenetração de palavras e música, e um dom comprovado para escrever sobre a vida londrina, todos eles partes necessárias da equação. Ele se elevaria a este novo desafio?

O que nos é oferecido é uma história de fadas que elabora a trama de um dos próprios cenários elaborados de passarela, semi-operísticos, de McQueen. Dahlia (Carly Bawden), após observar McQueen de uma árvore em seu jardim, entra na casa dele para roubar um vestido, e encontra o próprio designer entre seus manequins no porão. Ele liga para o colaborador de longa data Philip Treacy para pedir conselhos sobre chamar a polícia, mas a teimosa Dahlia o encanta com um acordo: ela desaparecerá ao fim da noite se, em troca, ele a transformar em uma princesa fazendo-lhe um vestido e mostrando-lhe diferentes visões de Londres. Ele concorda na esperança de também encontrar inspiração para cumprir o prazo para sua próxima coleção.

O que se segue é uma sequência de cenas fantasmagóricas que exploram relações-chave, experiências e questões na vida de McQueen – seu treinamento em Savile Row, sua amizade com Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), uma festa no V&A onde a jornalista Arabella (Laura Rees) desafia a autenticidade de seu talento, e sua relação próxima com sua mãe e raízes em Stratford. Em quase todas elas, Dahlia é ou uma observadora, uma participante teimosa ou uma expressão do próprio lado ‘feminino’ de McQueen; mas no final fica claro que ela sempre quis mais do que simplesmente um vestido deste encontro. Cada cena é ligada à próxima com um episódio coreografado em que nove dançarinos canalizam os temas através da imagem visual de uma de suas aberturas clássicas, usando a mesma música que tocava nessas ocasiões. Finalmente, voltamos ao porão de onde começamos, quando a noite termina, Dahlia parte e Lee tem seu conceito para sua próxima coleção….

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (sentado), Jordan Kennedy, Amber Doyle e Sophie Apollonia em McQueen Esta peça, portanto, não é um documentário biográfico direto, o que é certamente uma decisão correta; pois seria difícil evitar uma exposição factual desajeitada e pouco dramática, por um lado, ou um sensacionalismo tablóide grosseiro, por outro. Phillips está muito mais interessado em capturar a natureza mercurial de McQueen, sua personalidade angustiada e, ao mesmo tempo, bem-humorada e tenaz, e em explorar a natureza e as fontes de sua criatividade. Ele atinge ambos os objetivos, sendo o primeiro auxiliado por uma performance excepcionalmente detalhada e hipnotizante de Wight, que é muito mais do que uma mera imitação. E o segundo é bem-sucedido porque ele consegue, grande parte do tempo, encontrar uma fórmula dramática tanto para descrever os dons de McQueen quanto para mostrar eles em ação. Um exemplo disso vem na forma de uma série de monólogos notáveis espalhados pela peça, nos quais o designer analisa suas intenções forenses e estéticas. Isso facilmente poderia não funcionar. Poderia se tornar didático demais ou simplesmente muito astuto – ‘Seis Trajes em Busca de um Costureiro’ etc.. Que não é, é um tributo ao ator e à forma como a escrita força você a olhar e imaginar com o olho de um designer. É como na história de Conan Doyle em que Holmes conta tudo sobre a vida de uma pessoa a partir de alguns detalhes de suas roupas, e as vê completamente. A qualidade brilhante, mas também desestabilizadora, implacável e isolante desse nível de percepção é tornada palpável; tanto que houve um silêncio extra de intensa concentração em todo o público sofisticado e fashionista. Eles sabiam que também estavam sob o microscópio naquele momento…. Conseguimos uma sensação dramática palpável do porquê McQueen era tanto um homem cativante quanto alarmante de se estar por perto.

Outro exemplo de mostrar e contar trabalhando bem em conjunto ocorreu na cena ambientada em Anderson & Sheppard, onde McQueen foi treinado. Seu corte do vestido feito para Dahlia na própria pessoa dela demonstrou da forma mais direta possível as habilidades de alfaiataria tradicional que ele aprendeu lá, e o diálogo com seu mentor Sr. Hitchcock (Michael Bertenshaw) revelou o equilíbrio entre um senso de história e subversão que ele sempre tentou manter em seu trabalho: se você vai ser um iconoclasta, precisa ser um tradicionalista primeiro!

Stephen Wight, Laura Rees e Carly Bawden em McQueen

Nem tudo tem sucesso. A cena com Isabella Blow é um elaborado dueto Barroco entre duas divas naturais, mas carece de um golpe dramático como resultado disso, especialmente quando há um bom tanto de preenchimento desajeitado de ‘fatos que você precisa saber primeiro’. Se fosse uma ópera, você poderia acobertar essa apresentação do passado, mas não aqui. Mais seriamente, há uma confusão em torno do personagem de Dahlia que nem sempre é útil, e às vezes prejudica a coerência dramática. Qual é exatamente a contribuição de Dahlia? Musa, mero dispositivo teatral ou projeção de parte da própria personalidade de Lee? Isso importa particularmente na segunda metade do show, onde ela é muito mais proeminente e não é suficiente deixar essa questão flutuando sem resolução. Não nos importamos o suficiente com ela como personagem por direito próprio neste estágio para que a estrutura dramática aguente o peso, e isso é apenas parcialmente remediado pelo resumo memorável que Lee tem que dar nos minutos finais.

Não tenho certeza de que inserir um intervalo para o West End tenha realmente ajudado a peça. Ela funcionaria melhor em sequência contínua, sem colocar peso igual no material mais fraco do que é agora a segunda metade, preservando o delicado ambiente de fantasia ininterruptamente.

Os valores de produção são excelentes. A direção é fluente e com um olhar pictórico para os quadros visuais tanto quanto para a energia cinética. A coreografia é excepcionalmente variada e imaginativa: os dançarinos limpam o cenário, posam como manequins e, de fato, atuam mais como um coro não vocal oferecendo um comentário visual em conjunto com a ação. A equipe de figurino executou a tarefa complicada de referenciar o trabalho do designer sem copiá-lo como um escravo, e as projeções de vídeo dão uma sensação vívida das localizações de Londres quando necessário.

Stephen Wight como Lee em McQueen

A personificação de McQueen por Wight é incomparável. Os maneirismos, a combinação de arrogância e vulnerabilidade no discurso e movimento, os extremos de sensibilidade e vulgaridade, consideração e egoísmo implacável, estavam todos presentes, juntamente com uma autopercepção sobre depressão, medo da morte e a natureza alarmante de seu próprio talento que foi observada com precisão. Bawden se sai muito bem com Dahlia, garantindo que ela se mantenha firme em relação ao personagem de Wight quando necessário, sem perder seu charme desajeitado: mas o papel em si ainda está realmente inacabado. Oberman e Rees aproveitam suas oportunidades ao máximo, e o alfaiate de cavalheiros discretos de Bertenshaw oferece um ponto de repouso bem-vindo e uma contenção cuidadosamente contrastada.

A noite é continuamente instigante, visualmente espetacular e altamente engenhosa ao integrar design, música, dança e caracterização para oferecer um retrato tão detalhado das fontes da criatividade de McQueen quanto provavelmente teremos. Partes são inesperadamente engraçadas e genuinamente comoventes também. Colocar o processo criativo de um artista em cena é uma tarefa complicada – nos tempos recentes, talvez Sunday in the Park with George seja o único exemplo totalmente bem-sucedido. Além de um tratamento musical ou operático da vida de McQueen – algo que ainda pode valer a pena fazer, dado o escopo que o tema oferece a todas as artes teatrais – esta peça se destaca como um retrato artístico audacioso e amplamente bem-sucedido.

A peça recupera e reafirma triunfantemente o credo de McQueen de que o design é, em sua melhor forma, um ato de amor pela pessoa – um resumo de quem aquele homem ou mulher foi, é e pode se tornar – e, portanto, reside, paradoxalmente, na mente tanto quanto puramente no sentido visual. Foi por essa razão que Alexander McQueen escolheu a linha de Shakespeare que abre esta crítica para usar como uma tatuagem – um emblema de seu tempo, e – certamente – para todos os nossos tempos.

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