CRÍTICA: Marsha - Uma Garota Que Faz Coisas Ruins, Arcola Theatre ✭✭✭

Marsha - Uma Garota que Faz Coisas Ruins

Arcola Studios 2

13/08/15

3 Estrelas

Ao chegarmos para este último episódio do Grimeborn Festival, recebemos uma máscara com o desenho de um rosto de garota desenhado de maneira rudimentar e somos convidados a usá-la durante a apresentação, e também a dizer 'Olá para Marsha' se ela se aproximar de nós. Dentro do estúdio de teatro, vários atores já estão espalhados em assentos usando máscaras diferentes, e a parede de trás está coberta de retratos ingênuos idênticos da mesma garotinha. O ator que a interpreta, de costas para nós, está ocupado com lápis de cera colorindo-os. Estamos em uma representação direta da infância, a versão de uma garota de Adrian Mole, ou algo muito diferente de ambos?

As luzes se apagam, colocamos nossas máscaras e Marsha (Tilly Gaunt) desenrola um gramado artificial. Ela se apresenta com um sotaque rural (Devon?) e o que se segue na primeira meia hora ou mais é uma sequência de aparentes encontros narrativos em um cenário de vila idealizado - até mesmo de desenho animado – primeiro com a Sra. Hoare (Victoria Gray), a lojista local, depois com um fazendeiro rabugento, Sr. MadDonald (Jessica Gillingwater), em seguida com uma mãe, Susan (Kerri-Lynne Dietz), que não quer que Tilly se aproxime muito do bebê em seu carrinho, e finalmente com Susan, seu marido Jonny (Sarah Baillie), e a Sra. Hoare enquanto os primeiros se preparam para sair da cidade para férias, deixando seu filho sob os cuidados da Sra. Hoare. Durante grande parte da ação, um unicórnio - ou pelo menos um ator (Rachel Baynton) em um traje branco usando uma cabeça de unicórnio de aparência muito benevolente - senta-se placidamente em um lado do palco, como se cuidasse da segurança de Tilly.

No entanto, nem tudo é o que parece neste idílio bucólico deliberadamente banal e ingênuo. Uma variedade de efeitos de distanciamento estão presentes desde o início. Apenas Marsha fala – todos os seus interlocutores cantam em uma forma de récita elevada que às vezes desborda em arioso sem nunca desenvolver-se completamente em invenção melódica. Uma trilha sonora de fundo fornece uma variedade de ruídos adequados como acompanhamento para cada episódio, e uma série de projeções visuais, no mesmo estilo faux-naif do cenário, fornecem uma declaração literal útil das ações que estão em jogo através da fala e vocalização. Finalmente, as máscaras proporcionam uma reversão dos padrões do teatro grego – em vez de nos informar sobre a natureza dos personagens representados, elas oferecem a Marsha uma imagem confrontante de um mundo que se transformou inteiramente em sua própria imagem.

Rachaduras aparecem neste mundo perfeito demais. O Sr. MadDonald certamente não é o arquétipo alegre Sr. MacDonald que conhecemos do mundo da rima infantil, o unicórnio pode ou não estar morto, Susan teme que Tilly tenha um interesse obsessivo em seu bebê, e a Sra. Hoare pode ter causado o desaparecimento de crianças. Gradualmente, nossa confiança é minada em quem e no que acreditar. Onde está o narrador confiável a ser encontrado? Todo mundo na peça (e por implicação na vida) simplesmente se esconde atrás do tipo de máscaras que estamos usando?

O tom de repente escurece consideravelmente ao entrarmos nos últimos vinte minutos da peça. No escuro, os outros personagens de repente mudam de marcha e revelam seus medos de Marsha como uma figura maligna, não uma encarnação de inocência ingênua. Quando as luzes reacendem, Marsha está fisicamente diferente de antes, e pelo restante do espetáculo somos convidados a repensar tudo o que vimos até então. A primeira metade era uma projeção ou fantasia ou memória embaralhada? Marsha está em liberdade ou em confinamento como resultado de um crime? Algum dos marcadores de história de que precisamos para nos localizar em uma narrativa é o que parecia ser? E, se não, tudo o que sabemos está sujeito a questionamento, sem qualquer resolução final? Que ‘mensagem’ ou conteúdo devemos levar do show como um todo?

Essas são águas profundas em que navegar, e assim como Marsha relata um episódio em que está nadando pacificamente em um lago antes que o tempo e os peixes ao seu redor se tornem desagradáveis, assim também o público se encontra em estado de confusão no final. Aplaudimos uma performance central de bravura sem saber exatamente o que mais estávamos aplaudindo. De fato, o formulário de ‘feedback’ com o qual fomos enviados embora sugeria que isso ainda é muito um ‘trabalho em andamento’ que ainda precisa tomar a forma final, e que possivelmente precisa de mais tempo no workshop antes de ser exposto a uma audiência.

Não há dúvida de que este show de uma hora nos fez pensar muito sobre questões importantes na ópera contemporânea, tanto técnicas quanto filosóficas. Em primeiro lugar, há a questão de saber se isso é uma ópera, e portanto o que ópera significa agora. Os personagens que cantam para Marsha soam como se tivessem escapado de Peter Grimes ou Turn of the Screw de Britten. As configurações hieráticas, melismáticas e desacompanhadas sugerem um subcorrente de estranheza e vício não especificado por trás de um idílio rural benevolente em primeiro plano, mas estamos falando aqui muito mais de um sublinhado do que de uma partitura, um aumento de humor como na música de cinema, em vez do inevitável, necessário movimento das palavras para a música que me parece essencial em qualquer definição de ópera, tanto quanto é vital em qualquer forma de teatro musical. No momento, ainda estamos falando sobre uma ‘história com música’. Em seguida, há a questão do significado. O diretor Martin Constantine e o escritor Alan Harris apresentam esta noite como uma meditação sobre o significado de beleza e inocência com a sugestão de que caímos muito facilmente no preconceito contra aqueles que a sociedade convencionalmente define como feios ou culpados; enquanto a beleza e a verdade podem ser encontradas em muitos lugares inesperados, mesmo – e às vezes tanto quanto – nas perspectivas embaralhadas de pessoas com distúrbios mentais ou deficiências físicas. Este é um trabalho importante e desafiador contra-intuitivo – de fato, exatamente o tipo de território que a ópera contemporânea deveria explorar. Mas não está claro para mim que Marsha em sua forma atual seja suficientemente tridimensional para nos levar longe por essa estrada de (auto)-descoberta. Os efeitos de distanciamento, por mais inteligentes e estimulantes que sejam, deixam o produto final muito bidimensional, literalmente um jogo de máscaras. Para pensar sobre esses assuntos difíceis, precisamos sentir também: esse momento dinâmico e transformador é a contribuição única do teatro e a justificativa para reunir todas as formas de arte em colaboração na ópera – o que Wagner chamou de sua ‘obra de arte total’. Em última análise, não tivemos complexidade suficiente de caráter e detalhe para nos importarmos o suficiente com Marsha e sua história como história, em vez de como conceito.

Então, embora seja uma noite desafiadora no teatro no melhor sentido, permanece incompleta e inacabada e convida a revisões e reflexões adicionais por parte dos atores muito capazes e criadores altamente pensativos.

Saiba mais sobre o Grimeborn Opera Festival no Arcola Theatre