RESENHA: Labor's Lost, Royal Shakespeare Company ✭✭✭✭

Love's Labour Lost. Foto: Alastair Muir Love's Labour's Lost

Royal Shakespeare Theatre

15 de novembro de 2014

4 Estrelas

Acho que é seguro dizer que o design delicioso e supremamente belo de Simon Higlett para a produção de Christopher Luscombe de Love's Labour's Lost de Shakespeare, agora em cartaz no Royal Shakespeare Theatre em Stratford Upon Avon, é a combinação mais ambiciosa, evocativa e bem-sucedida de cenário e figurinos vista desde que o teatro reformado reabriu. É um triunfo visual e fornece o ambiente perfeito para o texto.

Baseado no real Charlecote Park (onde tanto Dame Judi Dench quanto Shakespeare, em séculos diferentes, estiveram envolvidos em acusações de caça ilegal de cervos), o cenário faz uso de um enorme caminhão móvel, uma porta subterrânea que permite que surja debaixo do palco um deslumbrante telhado decorativo e duas imponentes torres de portaria; há uma maravilhosa biblioteca e um lindo gramado inglês, além de outras surpresas. Juntamente com os deliciosos figurinos, o efeito inteiro é glorioso - um verão inglês desvanecido de um tempo distante.

Parte do truque aqui é que este cenário também é usado na produção de Luscombe de Much Ado About Nothing, que Gregory Doran rebatizou de Love's Labour's Won para o propósito desta temporada da RSC, então, presumivelmente, tem o dobro do orçamento de uma produção única. No entanto, é um triunfo absoluto do design; habilidade, engenhosidade e praticidade em perfeita harmonia.

Love's Labour's Lost é muitas vezes comparada desfavoravelmente com Much Ado About Nothing, mas nunca foi fácil entender por quê. Ambas apresentam dois conjuntos centrais de casais que flertam e brigam, ambas apresentam um diálogo verbal afiado entre um desses casais, ambas estão cheias de mal-entendidos e envolvem votos sendo quebrados e ambas apresentam um subenredo envolvendo um personagem masculino peculiar perseguindo seus próprios objetivos. Uma termina mais felizmente, no sentido convencional, do que a outra, mas então a dica está no título - Love's Labour's Lost. Mesmo assim, os esforços não são perdidos, apenas adiados, pelo menos em teoria.

Visto desta forma, a decisão de Doran de rebatizar Much Ado About Nothing faz sentido. Ambas as peças têm grandes semelhanças, mas resultados diferentes. Parece uma junção natural. E se esse fosse o limite da "interferência", haveria pouco do que reclamar.

Mas Luscombe parece relutante em deixar o texto fazer o trabalho, impondo uma sensibilidade de opereta à peça que, a princípio, parece estranha, mas encantadora, mas que depois, no segundo ato, torna-se excessivamente exigente, ligeiramente autodestrutiva e totalmente incongruente. E então, sem arte e verdadeiramente contrária ao espírito do próprio final de Shakespeare, os quatro homens sedutores (o Rei de Navarra e seus colegas estudantes) aparecem uniformizados, saúdam suas damas e amigos e partem para a Primeira Guerra Mundial - e a provável morte. Obviamente, a inserção do motivo da guerra serve para auxiliar a temporada como um todo, com uma peça ambientada antes da guerra e a outra depois, mas parecia mais desajeitada e mais chocante do que um dos trocadilhos mal compostos de Don Armado.

Felizmente, na maioria dos outros aspectos, a produção é abençoada com boas atuações, tempo impecável e um senso de estilo, travessura e arrojo que acentua seus pontos altos. Much Ado About Nothing é frequentemente descrita como o auge do duelo verbal de Shakespeare, mas, na verdade, Love's Labour's Lost detém essa honra. Praticamente todos estão tentando superar todos os outros com uma armadura de piadas, refutações e apartes inquisidores e, felizmente, Luscombe busca tirar o máximo proveito disso.

De longe, a mais gloriosa nesse reparte afiado é Michelle Terry, cuja Rosaline brilha e corta como o diamante multifacetado que ela deve ser. Terry é talentosa e realizada, cada golpe verbal perfeitamente entregue e uma alegria de ouvir. Ela lida com as passagens rápidas com facilidade consumada, é a companheira perfeita para suas irmãs em cortejar e, impecavelmente, faz Berowne, seu ardente admirador, tropeçar e falhar quando sua língua o atrapalha. Terry é uma alegria absoluta de assistir.

Sam Alexander é maravilhoso como o ligeiramente pomposo, ligeiramente bobo, mas totalmente encantador Rei de Navarra. Ele tem uma expressão encantadora de cachorrinho perdido na neblina que é sedutora e, ao mesmo tempo, pode produzir uma determinação de aço num instante. É uma interpretação real convincente e um deleite de assistir e ouvir, tão cheia de alegria e espírito é sua interpretação. Ele se jogou na rotina de dança moscovita (quando ele e seus colegas estão tentando brincar com seus amores) com uma plenitude irresistível. Realmente impressionante.

Como a Princesa da França, Leah Whitaker é a elegância e a realeza personificadas. Uma certa altivez, leve e efêmera, impregna todos os seus gestos e frases e você sente que ela é tanto mimada quanto precisa. Ela entra no espírito feminino das maquinações com um tipo de entusiasmo de mocinha do hóquei, mas constantemente mantém uma distância de seus súditos, exatamente como o Rei de Alexander faz. Eles parecem um par perfeito. Quando chega a notícia da morte de seu pai, Whitaker é impecável - ela transmite perfeitamente o sentido de sua perda pessoal, seu dever para com seu país e seu falecido pai e, gentil mas firmemente, recusa a mão de Alexander até que o período de luto de 12 meses tenha passado. É um momento devastador, lindamente julgado.

Berowne é o papel que as pessoas suspeitam que Shakespeare escreveu para si mesmo e é um presente; uma combinação maravilhosa de trocas rápidas e espirituosas, alguma bufonaria aberta, frases de impacto gloriosas, monólogos encantadores e poéticos e momentos de clareza sem fôlego sobre a condição humana. Edward Bennett faz um bom Berowne - sua clareza e segurança fazem as passagens rápidas girarem de diversão e sua compreensão da linguagem e técnica garante que seus discursos, especialmente aquele destinado a inspirar seus colegas no final do Ato Um, sejam arrebatadores, inspiradores e muito belos. Mas ele poderia ser mais travesso, mais seguro, mais determinado sobre suas próprias habilidades e proeza, pois é dessa autoconfiança que muito riso pode ser extraído.

Don Armado pode ser um papel cansativo; requer um verdadeiro ator cômico com técnica precisa e um espírito de autodepreciação. Há muitas linhas bobas e piadas a serem trabalhadas, e John Hodgkinson faz um trabalho soberbo como este palhaço com sotaque ridículo. Ele tem uma assistência especialmente maravilhosa de Peter McGovern's Moth, um mensageiro brilhante como um botão com um raciocínio rápido, uma disposição alegre e uma boa voz para canto. McGovern energiza cada cena que entra e seu Moth é perfeito, circulando em torno da chama do doteiro Don Armado.

David Horovitch é bastante maravilhoso como o austero, loquaz e pretensioso mestre-escola, Holofernes; Jamie Newall faz de Boyet um embaixador viciado em champanhe de imensa graça e estilo; Tunji Kasim é um deleite como o obsessivo por ursos de pelúcia Dumaine (numa divertida referência a Retorno a Brideshead) que pode gritar tão bem quanto pode cortejar; e Roderick Smith entrega as más notícias sobre o pai da Princesa com precisão sombria.

Nick Haverson (Costard) e Emma Manton (Jacquenetta) estavam esforçando-se um pouco demais com seus personagens rústicos de estoque; nenhum foi ajudado pela falsa loucura à Gilbert e Sullivan que Luscombe colou ao procedimento. Caso contrário, o restante do elenco aqui reunido está em boa forma e ajuda o procedimento a alcançar um sentido geral de alegria consistente.

Nigel Hess fornece algumas músicas incidentais agradáveis, mas nenhuma das configurações das canções que Shakespeare escreveu como parte da peça são mais do que deleites triviais. Oliver Fenwick ilumina tudo com maestria, fazendo o cenário e os figurinos cintilarem, e há tableaux bastante fascinantes envolvendo os quatro conjuntos de amantes. Há um excesso de talento envolvido em fazer esta produção parecer tão boa quanto parece.

Há muito para gostar e aproveitar aqui. Luscombe montou um elenco e equipe exemplares para este projeto. Concentração no texto, no entanto, em vez de desvio para opereta, teria rendido melhores resultados. Mas, sem dúvida, quando os aplausos finais terminam aqui, você quer ver esta companhia na peça companheira, Love's Labour's Won.