CRÍTICA: L'Amore Dei Tre Re, Opera Holland Park ✭✭✭✭✭

Aled Hall como Flaminio, Mikhail Svetlov como Archibaldo, Simon Thorpe como Manfredo e Natalya Romaniw como Fiora em L'Amore dei tre Re L'Amore Dei Tre Re (O Amor dos Três Reis)

Holland Park Opera

28/07/15

5 Estrelas

Holland Park Opera tem um histórico distinto em reviver obras do repertório operático italiano que outrora foram renomadas e agora estão mais ou menos esquecidas. Este ano, o foco está em O Amor dos Três Reis de Italo Montemezzi, apresentado pela primeira vez na La Scala em 1913, e muito revivido, não menos no Metropolitan Opera, em Nova York, até depois da Segunda Guerra Mundial. Não é uma obra fácil de situar. A tentação é compará-la com Puccini, dado o mesmo período temporal e o foco no melodrama; mas, na verdade, isso acaba sendo inútil.

Esta obra deve muito mais à recepção tardia de Wagner e Richard Strauss na Itália na primeira década do século XX do que propriamente a Puccini ou Verdi. De fato, qualquer um que venha a esta obra com essas expectativas últimas inevitavelmente se verá desapontado. O foco está na complexidade harmônica elaborada e intrincada e em melodias curtas ou fragmentos que fervem e se contorcem, em torno e sobre si mesmos em complexidade cromática. Não encontramos aqui o tipo de melodia longa e expansiva pela qual Puccini era famoso.

A orquestra é muito mais proeminente, e em vezes, dominante, do que é o caso na maior parte da ópera verismo do período, e de fato há seções em que o compositor parece estar quase citando e elaborando dos compositores alemães. Por exemplo, no início do Ato Três há uma reminiscência específica de Morte e Transfiguração de Strauss, e o duo de amor ardente no centro da obra é inimaginável sem o Ato Dois de Tristão e Isolda como precedente e modelo. No entanto, isto de forma alguma é uma peça derivativa uma vez que a paleta musical é definida contra uma trama melodramática vigorosa com grande impulso narrativo. Há também uma agenda política que é especificamente italiana em vez de alemã, e que é fortemente destacada, e justamente assim, nesta excelente produção.

Simon Thorpe como Manfredo e Mikhail Svetlov como Archibaldo

A ópera é dividida em três atos, mas como cada um dura não mais de meia hora, a equipe criativa decidiu executá-la sem intervalos. Novamente, esta é uma boa decisão. Há prelúdios orquestrais descritivos e poderosos antes de cada ato, e eles podem servir bem como interlúdios para manter a ação contínua. A intensidade da música e as atuações dadas pelos quatro protagonistas são tais que você sai pensando que a ópera durou bem mais (de uma forma boa!) do que meros noventa minutos. O cenário é supostamente a Itália medieval, onde anos antes Archibaldo (Mikhail Svetlov) invadiu do Norte e conquistou Altura/Itália. Ele obrigou a Princesa Fiora (Natalya Romaniw) a casar-se com seu filho Manfredo (Simon Thorpe), apesar de ela já estar comprometida com um italiano nativo, Avito (Joel Montero).

A ação retrata a consequência desta desavença tanto pessoal quanto política. A produção reloca a ação para uma ditadura latina contemporânea, e nada perde no caminho, dado que os principais temas de vingança, amor proibido, cavalheirismo audacioso, assassinato e suicídio desesperado dificilmente são limitados por tempo ou espaço. Na ausência de Manfredo, Fiora retoma sua conexão com Avito, mas incita a inimizade de Archibaldo, que adivinhou a verdade mas, devido à sua cegueira, é impotente para prová-la conclusivamente. As coisas acabam mal com rapidez previsível e os cadáveres gradualmente se acumulam enquanto Archibaldo é punido definitivamente através de sua própria astúcia que deu errado. A ação ganha um tom político enquanto o coro de cidadãos se envolve na vingança de Fiora, e aqui há mais do que um traço das simpatias irredentistas do libretista Sem Benelli, um discípulo de Gabriele D’Annunzio, determinado a arrancar território de volta para a Itália da Áustria.

Natalya Romaniw como Fiora e Joel Montero como Avito

Para que uma produção funcione para este tipo de melodrama íngreme, todos os envolvidos precisam se comprometer totalmente com isso e - assim como na comédia leve - acreditar completamente em suas convenções durante a duração da performance. Não aceitará ironia ou dispositivos de parêntese sem desmoronar toda a bizarra edificação. A força desta produção é que a Opera Holland Park transmite compromisso soberano com a causa, e portanto é um sucesso triunfante em todas as frentes.

O cenário exige uma torre de castelo onde Fiora reside e a partir da qual ela deve exibir um grande estandarte branco para sinalizar adeus a Manfredo. Precisa ser um símbolo ameaçador de poder masculino e real, além de um espaço flexível. Neste ponto, o diretor Martin Lloyd-Evans e sua equipe tiveram sucesso na maioria das vezes. O bloco de concreto que domina o palco é ameaçador e flexível. Suas fendas de flecha se dobram comoventemente como locais para flores de luto, e as escadas externas permitem que algumas das cenas mais importantes sejam elevadas e frontais e centrais – embora eu tenha tido algumas preocupações sobre as implicações de saúde e segurança para os cantores! Todo o elenco está em ótima forma, com honras particulares para Romaniw e Svetlov, cujas cenas juntos tinham um verdadeiro poder, e que individualmente tiveram que se projetar sobre a orquestra em seu auge. Thorpe e Montero têm menos oportunidade de desenvolver nuances de caráter – seus papéis são mais funcionais para a trama do que desenvolvendo uma identidade separada. Mas o compositor dá a ambos alguns momentos vocais muito finos, tanto em duos quentes com Fiora quanto juntos na cena final de imolação. Eles aproveitaram esses momentos com brilho. Os papéis secundários foram preenchidos de forma muito competente, e o coro expressou tanto luto quanto agressão contra um poder ocupante com vigor efetivo e ressentimento fermentando adequadamente.

A estrela refulgente da ópera foi a orquestra: a City of London Sinfonia sob a batuta hábil e precisa de Peter Robinson teve uma noite de destaque. Os momentos concertantes tiveram um verdadeiro entusiasmo e sensação de risco; mas também houve muitos momentos mais tranquilos, particularmente com a madeira, que ofereceram uma base eficaz e delicada de caráter e emoção. Montemezzi pode ter sido um compositor de uma só obra, mas esta performance fez o melhor caso possível para seu masterpiece, e só podemos esperar que a reputação desta revivificação estimule uma onda de futuras performances no país e no exterior. Toda a noite mostrou Opera Holland Park no seu melhor.