CRÍTICA: La Bohème, Arcola Theatre ✭✭✭✭

La Bohème

Arcola Studio 1

05/08/15

4 Estrelas

O que mais pode ser feito com La Bohème? Com o Royal Opera House finalmente aposentando sua venerável produção de John Copley após quarenta anos, e com enquetes revelando regularmente La Bohème como a ópera 'favorita' ou 'mais amada' do mundo, há realmente algo novo a ser dito sobre a história de Puccini sobre artistas azarados no Quartier Latin de Paris? Não deveríamos simplesmente oferecer ao público a tradicional performance convencional a que estão acostumados? Este foi o desafio enfrentado pela Opera 24 e Darker Purpose Theatre Company na abertura do Grimeborn Festival deste ano em Dalston. Nesta produção, o sótão parisiense e o Café Momus são relocados para 'os vastos campos de Hackney', como o libreto coloca sarcasticamente. Com a orquestra acomodada sob a marquise da varanda, o restante do Arcola Studio 1 é destinado a dois cenários contemporâneos: primeiro a um apartamento frio e pouco mobiliado – com uma variedade de televisões em prateleiras, sacos de dormir, um violão e um único laptop compartilhado; algumas placas antigas amontoadas nos fundos e equipamentos de pintura espalhados ao redor de um braseiro ineficaz. E, em segundo lugar, as cadeiras e mesas de uma lanchonete cujo símbolo é o dispensador de ketchup em forma de tomate espremível que tem seu próprio momento satírico grand guignol no Ato Dois. Rodolfo (James Scarlett) é ainda um poeta que precisa queimar suas letras para se aquecer, Marcel (Ian Helm) continua sendo um artista frustrado aguardando seu grande momento, e Mimi (Heather Caddick) é uma excelente costureira, mas aqui uma imigrante ucraniana cuja situação incerta significa que ela não pode qualificar-se para cuidados de saúde adequados. A orquestra é reduzida a dez músicos, além de piano, mas cordas e sopros são - crucialmente - totalmente representados.

Ouvir a ópera nesta escala de câmara faz você perceber novamente quão bem ela é feita como peça de artesanato musical. Assim como na melhor música de cinema, Puccini é um mestre da arte da transição rápida e aparentemente sem costura: em cada cena há muitos momentos solo e em conjunto que definem o caráter individual e movimentam a trama com talento teatral, mas é realizado sem esforço, sem que se veja as junções. Com forças orquestrais menores, você pode ouvir e ver mais facilmente como isso é feito de maneira mais clara e lúcida, pois as várias linhas entrelaçam-se e fragmentos de melodia são compartilhados e reassembling; mas isso não diminui a admiração pelo resultado. Com as duas maiores árias no início do Ato Um, era de se esperar que não funcionasse. No entanto, o compositor adapta e reconfigura o material dessas maravilhosas declarações românticas longamente suspiradas ao longo da ópera, de modo que o todo é unificado e infundido com a mesma linguagem harmônica de anseio, onde quer que o fluxo da ação nos leve.

Crucial para qualquer nova abordagem desta ópera é o que fazer com o antigo libreto, e aqui a produção marca um acerto palpável com a tradução contemporânea espirituosa, ligeiramente conhecedora, mas inteiramente plausível de John Farndon, que dá aos cantores e atores muito material rico com o qual trabalhar. Ela fornece a base para a credibilidade das principais performances e acentua corretamente os muitos momentos de comédia (de situação e linguagem) que ocorrem naturalmente na ópera. Há alguns episódios muito engraçados nesta produção, especialmente nas cenas de camaradagem e brincadeiras masculinas que dominam nas partes dos Atos Um e Dois, e eles têm sua origem no brio e pura qualidade da escrita. Ocasionalmente, a pura verbosidade da escrita lírica cria alguns cantos complicados para os cantores enquanto eles desenvolvem as longas linhas melódicas naturalmente respiradas de Puccini, mas na maior parte há um ajuste soberbo entre palavras e música. Os arranjos orquestrais, de John Jansson, são igualmente de bom gosto, de modo que a orquestra fornece uma subtração eficaz sem dominar as vozes. Eu senti falta da orquestração original apenas no burburinho das cenas do café parisiense, onde Puccini desfruta de uma paleta impressionista completa de pintura de cena urbana.

As performances são na maioria muito fortes e convincentes. Scarlett e Helm como Rodolfo e Marcel são, de certa forma, o par crucial nesta ópera – eles passam mais tempo juntos do que Rodolfo passa com Mimi. Como atores e cantores, eles combinaram bem juntos com um rapport muito natural. Helm, em particular, representou de forma mais convincente a amizade leal e a petulância artística e autoabsorção de Marcel, e se mostrou um amante ciumento eficaz em suas cenas com Musetta (Danae Eleni). A entrega de Scarlett de sua principal ária foi adequadamente ressonante e nobre, apesar de alguma forçação de tom nas demandas mais altas do registro, e sua desintegração nos dois atos finais foi ao mesmo tempo comovente e coerentemente e convincentemente representada, o que certamente nem sempre é o caso.

Os verdadeiros louvores vocais da noite foram para Caddick, que cantou com uma maravilhosa pureza de linha e tom que comandou nossa atenção durante toda a obra. O papel de Mimi é difícil de ser executado: a cantora-atriz precisa transmitir fragilidade, evitando o papel de vítima de autopromoção; e o canto precisa ser inteiramente autoritário enquanto – se possível – transmite menos do que uma saúde robusta. Caddick conseguiu habitar todos esses aspectos de sua performance com uma caracterização refinada de 'graça sob pressão' – definição de coragem de Hemingway. Eu não esperava ser emocionado mais uma vez pela cena final, mas sua performance me permitiu experimentá-la novamente.

Entre os papéis menores, houve muitas contribuições excelentes, o que é em si um tributo à maneira como Puccini democráticamente dá a todos os seus personagens pequenos episódios em forma de joias onde eles podem brilhar no drama. Cheyney Kent, por exemplo, fez pleno uso de sua cena de venda de casacos no ato final; Leon Berger aproveitou ao máximo os papéis de senhorio e amante idoso de Musetta, onde tem que ser alvo de todas as piadas; e Andrew McIntosh proporcionou apoio animado como Schaunard. Danae Eleni desempenhou muito bem os papéis contrastantes de Musetta tanto como flerte de café quanto como amiga leal de Mimi, mas ela poderia ter feito mais vocalmente de sua ária de destaque no Ato Dois. Nick Fletcher definiu tempos refrescantemente revigorantes do fosso que fizeram a ação avançar sem colocar os cantores em tensão.

Em suma, a produção conseguiu exatamente o que o Grimeborn pretende fazer a cada ano. Ela removeu antigas camadas de verniz de um velho favorito e encontrou um novo e convincentemente pensado cenário para realocá-lo. O diretor Lewis Reynolds tem muita experiência em apresentar ópera no King’s Head Theatre, o que o tornou uma escolha muito boa para alcançar excelentes resultados aqui. Este foi um esforço verdadeiramente comprometido da equipe: e nesta ópera nada mais entregará os resultados.