CRÍTICA: Judy!, Arts Theatre ✭✭✭

Judy!

Teatro Arts

27 de maio de 2017

3 Estrelas

Reservar Ingressos

Se alguma vez houve um caso de uma peça ser completamente transformada pela escolha do local, este é o exemplo. Esta biografia original de Judy Garland, um trabalho apaixonado do fundador e diretor do teatro, Ray Rackham, começou como uma peça de teatro de pequeno porte no antigo espaço do London Theatre Workshop, com 60 lugares, acima do pub The Eel Brook na New King's Road; lá, era envolvente e surpreendente, com sua narrativa cruzada contando três diferentes histórias, cada uma representada por uma atriz diferente no papel principal, e com atores-músicos acompanhando a si mesmos e uns aos outros em um cenário feito de parafernália e miudezas do showbiz. Então, encorajado pelo seu sucesso, a produção vigorosamente reformulada foi transferida para o grande espaço de 240 lugares no Southwark Playhouse, onde foi realizada em configuração de palco em forma de 'thrust', novamente com o público se sentindo envolvido e emocionalmente conectado com os destinos centrais da figura titular. A produção atraiu amplo interesse e críticas extasiadas. Parecia que nada poderia impedir seu caminho.

E agora, embora poucas produções vistas no Southwark Playhouse - mesmo as muito bem-sucedidas - sigam esse caminho, o espetáculo faz uma nova transferência para o West End, estabelecendo residência no Teatro Arts, com 350 lugares. Rackham também produz, com Michelle Hutchings, e em colaboração com Julie Clare, que também é

gerente geral. O show passou por mais uma reformulação, graças à dramaturga Carolyn Scott Jeffs, e obteve um novo design de Tom Paris, que, no entanto, preserva muito da intenção original da encenação, oferecendo um espaço de estúdio genérico no qual os diferentes períodos de tempo e lugares exigidos pelo roteiro podem ser evocados com rapidez e flexibilidade. Quase todo o elenco original foi mantido ao longo desta longa jornada, e aqui eles reprisam performances que lhes renderam abundantes elogios em Newington Causeway. O show ainda deve estar funcionando a todo vapor: as performances, especialmente os números musicais, encorajam o público a acreditar nisso. Helen Sheals, Belinda Wollaston e Lucy Penrose (e, no dia em que assisti, a substituta Millie Hobday, promovida às pressas de seu papel como designer de figurino e supervisora pela indisposição de Miss Wollaston) entregam belamente observadas e habilmente elaboradas interpretações de músicas de sucesso do repertório de Garland. Mas algo, ao que parece, interferiu na antiga magia. Eu vi o show duas vezes, e acho que posso saber o que é.

É o arco do proscênio. O efeito na recepção da peça pela reposicionamento físico da performance em relação ao público é dramático e definitivo. Do ponto de vista do público, agora estamos sentados em um espaço escurecido, removidos da ação iluminada; agora, 'observamos' friamente os eventos acontecendo do outro lado do proscênio, sem nos sentirmos tão envolvidos por eles quanto nos sentíamos quando compartilhávamos o mesmo espaço em Chelsea, ou cercávamos o elenco como no Southwark. Por quê? Há talvez três razões principais: o estilo de atuação; a natureza da direção; e a estrutura do roteiro.

Muito da atuação permanece muito semelhante ao que era nos locais anteriores. Não 'dispara' em direção a nós, ao contrário da entrega dos grandes números musicais, que ainda são realizados com a energia e vitalidade características de Garland, seu sentido inato de showmanship e sua necessidade urgente de agradar seu público. Em vez disso, parecemos estar escutando conversas, em vez de sermos atraídos por elas. Alguns podem argumentar que isso não deveria importar - deveria ser possível ter uma produção em que o roteiro faz uma coisa, e os números musicais fazem outra: bem, a prova do pudim está no comer, e agora mesmo as passagens de diálogo estão muito mais silenciadas em efeito do que costumavam ser. Isso é um fato. As piadas não têm o mesmo impacto de antes, porque parecem ser compartilhadas com os atores no palco e não com o público, e não conseguimos nos importar com os personagens da mesma maneira emocional direta que os números musicais ainda proclamam. Em outras palavras, perdemos o contato com a razão central pela qual ainda sentimos que Judy Garland importa hoje. O apelo emocional direto era sua razão de ser. É a razão pela qual a peça foi escrita e está sendo produzida, e é a razão pela qual viemos ao teatro.

Então, há a natureza da direção. Aqui, como anteriormente, por Rackham mesmo, a direção é outro fator que pode estar restringindo o 'alcance' da produção. Para ultrapassar a barreira de um arco de proscênio, você tem que ajudar muito os atores, organizando marcações, movimentos, luzes e todos os outros acessórios da produção, com uma seleção incrivelmente cuidadosa e precisão de execução. Quando o olhar do público está tão focado em uma perspectiva, vendo toda a ação 'de frente', cada elemento da performance é entendido e respondido de uma maneira completamente diferente do que seria 'em círculo'. Rackham, tenho certeza, sente que fez tudo ao seu alcance para fazer essa adaptação, mas, nesta ocasião, não posso deixar de pensar que, talvez, as coisas poderiam ter sido diferentes se um par completamente novo de olhos, mais experiente em apresentar peças musicais no West End, tivesse sido envolvido para efetuar a reinterpretação total do show para essas circunstâncias totalmente diferentes.

Finalmente, o roteiro. Todo o objetivo do livro deste show é que ele não é linear. Isso é fascinante quando o público está no mesmo espaço em que ele está acontecendo ou envolto nele. Aqui, no entanto, quando estamos acompanhando seu desenrolar à distância, não podemos deixar de notar o imenso abismo estilístico que existe entre o roteiro e os números musicais que formam seu coração. Essas músicas, os sucessos famosos que criaram a lenda do título, são quase sem exceção mini-narrativas altamente lineares da 'era de ouro' da comédia musical americana. No mundo cortado e colado do roteiro, eles se encaixam de forma um pouco estranha, e parecem puxar o público em uma direção totalmente oposta de onde o próprio roteiro está. Temos momentos ocasionais de mash-up ou montagem, mas em grande parte, o roteiro e a partitura trabalham em contraposição estética um ao outro, e isso é colocado em destaque pelo ponto de vista inflexível que os espectadores são obrigados a adotar.

Assim, através de uma combinação de estilo de performance, direção e roteiro, o público, relutantemente, é forçado a 'julgar' esta peça, mesmo quando todos os seus instintos querem se entregar ao envolvimento emocional com o amor e a humanidade da figura central. Podemos apreciar - intelectualmente - a história que está sendo contada, mas é difícil deixar o coração se abrir para ela. Pessoas que estão assistindo a peça pela primeira vez estão relatando respostas semelhantes; nossa cabeça é atraída aqui, não tanto nossos sentimentos. É verdade, algumas pessoas ainda se emocionam - pelas músicas - mas não ouvi pessoas fazendo declarações semelhantes sobre o 'personagem' ou o que acontece com ela, muito menos pelo que ela realmente faz por si mesma. Se essa é a intenção deliberada dos criadores deste show, tudo o que posso dizer é que isso parece surpreendente, dada a extremamente emocional bravura de Garland em cantar, tão vividamente recriada aqui.

O proscênio nos lembra que isso é, mais do que qualquer outra coisa, uma peça. Há algumas cenas longas de diálogo sem música, e quando acontece, todo o canto das músicas é feito apenas pelas três protagonistas. Bem, isso não é inteiramente verdade: de vez em quando, o restante do elenco é chamado para fornecer harmonias. O elenco também fornece música, de um conjunto de instrumentos sempre visíveis no palco; isso não parecia importar nas apresentações anteriores do show, mas aqui pode parecer um pouco estranho, especialmente nas vezes em que não são necessários para este propósito e têm que sentar ou ficar de pé pelos instrumentos, às vezes por longos períodos de tempo. Não está muito claro por que fazem isso. Os arranjos de Simon Holt ainda soam maravilhosos, então não devemos nos sentir desconcertados por isso.

No entanto, a 'linguagem' da produção continua bastante misteriosa, quase hermética: por exemplo, por que há três diferentes Judys e por que às vezes ocupam o mesmo espaço e - em ocasiões - até cantam juntas? Antes, não parecia requerer explicação, mas agora, de alguma forma, precisamos que seja explicado. E então por que um ator - Harry Anton - interpreta tanto o jovem quanto o velho Sid Luft, quase como duas pessoas completamente diferentes, enquanto Amanda Bailey e Joe Shefer interpretam os pais de Garland, Ethel e Frank Gumm, estão presos em um único fuso horário? Essas inconsistências temporais, que antes pareciam tão encantadoras, agora têm a tendência de causar confusão. Por quê? A coreografia de Chris Whittaker dá um 'impulso' muito bem-vindo a um punhado dos números musicais, mas a vasta maioria dos que estão no palco são intocados por ela, permanecendo parados ou caminhando enquanto uma, duas ou três atrizes fazem a dança, o que - para um espetáculo do West End negociando com o nome de um dos maiores atos de música e dança do século passado - pode parecer um tanto excêntrico. Há um grande elenco, que também inclui Tom Elliot Reade como Roger Edens, Don Cotter como L B Mayer, Perry Meadowcroft como George Schlatter e Chris McGuigan como Norman Jewison, e até uma banda adicional de quatro integrantes, mantida principalmente nos bastidores. Mas todos esses recursos parecem subutilizados. Novamente, nos perguntamos por quê? O olhar escrutinador do proscênio força, em vez disso, essas perguntas, às quais a produção não fornece quaisquer respostas prontamente disponíveis. Diante de um mistério, perigosamente, o público começa a tentar resolvê-lo por si mesmo.

Assim, quando Hunt Stromberg Júnior de Christopher Dickens tenta tão energicamente fazer com que Judy cumpra as exigências da rede CBS para seu programa de TV, o público começa a montar em sua mente uma trajetória para o show: esse é o 'objetivo' que a protagonista deve alcançar? Ou, quando Judith Kramer de Carmella Brown declara que uma estrada de tijolos amarelos foi pintada do lado de fora do trailer de Judy no estúdio, devemos esperar que o show nos leve por essa estrada, para que voltemos para Oz? Em certo sentido, é isso que o roteiro faz - finalmente nos depositando em uma interpretação cheia de alma de 'Over the Rainbow', com até mesmo as famosas nuvens ondulantes e o céu aberto da sequência de abertura de 'O Mágico de Oz' (a única filmagem 'real' de todo o filme, que de outra forma - como esta peça - é uma construção inteiramente em estúdio). Mas, ao longo dessa estrada, muitas das outras coisas que acontecem no show são muito difíceis de racionalizar. E há tanta pressão naturalista no show (classificações de TV, pesquisas de opinião, relatórios de grupos de foco, análise científica, e assim por diante) que inevitavelmente sentimos a obrigação de ser racionais.

Bem, resta saber o que isso faz ou não faz para o público no Arts. Eu acho que vale a pena dar uma olhada, mas parou de exalar a magia que uma vez teve.

COMPRAR INGRESSOS PARA JUDY! NO ARTS THEATRE