CRÍTICA: Brincando de Lado, Theatre Royal Windsor ✭✭✭✭

Joking Apart- Theatre Royal Windsor. Foto: John Walmsley Joking Apart

Theatre Royal, Windsor

23 Junho 2015

4 Estrelas

‘A tragédia de um homem muitas vezes não é que ele falha, mas que quase vence.’

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Abrigando-se bem embaixo da cortina do Castelo de Windsor está o adorável Edwardian Theatre Royal, cujo elegante creme, dourado e veludo é atualmente o lar de uma breve sequência de peças de alta qualidade que recriam valentemente por um breve período o espírito do teatro de repertório colaborativo. Um dos elementos dessa curta temporada é o muito bem-vindo revival de Joking Apart de Alan Ayckbourn, uma peça que teve relativamente poucas produções desde uma estreia em Londres sem sucesso no final dos anos 70.

Esta é uma das comédias mais sombrias de Ayckbourn, focada no impacto destrutivo e corrosivo do ciúme e da inveja. No centro de tudo estão um casal, Richard (Chris Casey) e Anthea (Stephanie Willson), que são a personificação da bondade, talento, boa aparência, realização profissional, alegria e espírito comunitário. Ao redor deles gravitam seus amigos, todos cada vez mais infelizes e cujos relacionamentos se tornam cada vez mais disfuncionais, enquanto Richard e Anthea permanecem radiantemente inalterados. Há dois atos e quatro cenas, com a ação ambientada no jardim dos fundos da casa de Richard e Anthea, abrangendo um total de doze anos, alternando entre as estações de inverno e verão.

Como o próprio Ayckbourn observa no programa, sempre houve um problema sobre como tornar a bondade indiferenciada dramaticamente interessante. Assim como o Deus de Milton é entediante em comparação com a caracterização angustiada e multifacetada de Satanás, é difícil criar uma peça atraente a partir dos casamentos felizes de pessoas belas e bem-sucedidas. Sua maneira de resolver esse problema é focar a atenção não em Richard e Anthea, mas nas ações e reações e nos ressentimentos acumulados de seus amigos. Assim, o foco emocional da peça se desloca intrigantemente para os vizinhos, o vigário local e sua esposa, Hugh (Anton Tweedale) e Louise (Natalie Douglas), um parceiro de negócios, Sven, (Alec Fellows-Bennett) e sua esposa Olive (Lou Lou Mason), e um velho amigo de Anthea, Brian (Gary Roe), que aparece com uma sucessão de namoradas identikit, todas interpretadas por Grace K. Miller. Passamos por uma sequência familiar de rituais sociais de classe média acumulando informações sobre as vidas passadas e as preocupações atuais dos personagens, enquanto as correntes emocionais correm mais fortes e as tensões entre os personagens se tornam mais desesperadas antes de se romperem em confrontos que são criados para serem intensamente cômicos e pungentes ao mesmo tempo.

O timing e o ritmo são vitais nas peças de Ayckbourn. Quando estão corretos, a peça funciona como um mecanismo de relojoaria requintado, mas quando não estão, os resultados podem correr o risco de parecerem inconsequentes e sem sentido. A linha entre o sucesso intoxicante nesse repertório e o fracasso desajeitado é perigosamente estreita. Na primeira metade da noite, fiquei preocupado em alguns momentos que cairíamos ao lado errado da linha, e comecei a pensar, como faço frequentemente, que as noites de imprensa ficariam melhor colocadas mais tarde na execução da peça, uma vez que as coisas tenham se estabelecido em um ritmo. No início, as coisas aconteciam devagar demais e o elenco estava apenas um pouco complacente em seus movimentos e em suas atuações fora do discurso. Claramente, eu não era o único a pensar isso, a julgar por esta troca que ouvi no intervalo entre dois membros da plateia que poderiam ter passado por personagens de Ayckbourn:

Marido: ‘Já estamos aqui há uma hora, querida, e nada aconteceu!’

Esposa: ‘Nada nunca acontece nas peças dele até que alguém fique bêbado!’

Isto se revelou verdadeiro – como quase sempre em Ayckbourn, é de fato o álcool que na segunda metade solta línguas de forma destrutiva e permite que os ressentimentos acumulados ao longo dos anos transbordem de maneira devastadora. Mas agora o ritmo estava perfeito e a peça avançou com força e intensidade para sua delineação clara da verdade da linha que destaquei no início desta crítica. Sob a superfície da simples passagem da juventude à meia-idade, reside muitas vezes uma aceitação sombria de compromisso e fracasso, tanto mais escuro porque os fracassos profissionais e pessoais foram, de fato, quase acertos.

Quando você vê o texto na página, ele parece plano e fino – assim como é o caso com Coward. Há pouco humor de superfície ou jogo de palavras. Mas o texto é apenas o ponto de partida – um esboço a ser completado e dado vida pelos atores. Esta deve ser uma das razões pelas quais os atores adoram interpretar esses papéis – porque há tanto espaço para invenção e interpretação criativas. Você pode ver imediatamente que Ayckbourn começou como ator. Ele dá ao ator uma estrutura de estereótipo e a partir disso uma chance de criar um indivíduo único e nuançado. A escrita colocou em movimento o jogo de personagens com grande precisão e precisa ser tratada com cuidado e respeito, confiança e precisão; mas dentro dessa estrutura, há também liberdade real. O elenco está de parabéns por aproveitar essas oportunidades ao máximo.

Como Richard e Anthea, Casey e Willson têm, de certa forma, a tarefa mais difícil. Eles são encantadores, bonitos, irritantemente bem-sucedidos em tudo o que tentam, os anfitriões generosos de todas as festas que enquadram a ação. Mas eles também têm que ser o centro imóvel em torno do qual a ação acontece. Eles transmitem com sucesso uma sensação de desprezo despreocupado pelos problemas, reações e sensibilidades dos outros, que é bastante reconhecível como uma das consequências das vitórias ininterruptas desde cedo e da capacidade de obter o que se quer sem se esforçar muito. Nesse sentido, eles não são tão perfeitos quanto Ayckbourn supõe, mas são perfeitamente plausíveis.

Como o clérigo desajeitado e desengonçado, Tweedale é muito eficaz. Ele aproveita ao máximo a retórica anglicana emocionalmente contida e cheia de clichês em sua parte e se torna muito comovente quando canaliza emoção crua através dela. Douglas traça a desintegração mental de sua esposa, Louise, com uma excelente exibição de desajeitamento físico que encarna adequadamente seu crescente senso de impotência social diante da eficiente boa vontade implacável de seus vizinhos. Fellows-Bennett desenvolve um ótimo estudo de personagem na inveja reprimida de um macho alfa, e leva seu personagem de um tolo escandinavo cômico a uma descrição detalhada de primeiro ressentimento de um rival, e depois a uma fúria contra a derrota digna de Marco Antônio. Mason tem menos a fazer como sua esposa, mas ainda transmite bem sua própria inveja ansiosa de Anthea e suas tentativas patéticas de apoiar seu marido, endossando sua crítica a Richard. O papel de Roe é menos desenvolvido que os outros, mas ele aproveita ao máximo um discurso em particular que revela tocantemente seu amor ao longo da vida por Anthea: como frequentemente ocorre em Ayckbourn, o dano retratado no palco já foi feito há muito tempo, e vemos as reações atrasadas. Miller tem a tarefa complicada de interpretar loiras jovens semelhantes ao longo da peça; mas ela distingue-as habilmente, além de fornecer a voz de uma geração mais jovem no final, onde, como filha da casa, recusa simbolicamente a se envolver nas batalhas e alianças que cercaram seus pais nos últimos doze anos.

Como em tantos teatros de certa idade, o bar do Theatre Royal é orgulhosamente adornado com fotos de produções passadas da era dourada do teatro de repertório; e lá, sem dúvida, estavam as fotos de uma produção de 1986 desta mesma peça, Joking Apart – todos casacos duffle, gravatas e jaquetas de tweed, vestidos de estampas florais e grandes penteados encaracolados, transportando você diretamente de volta aos anos 1970. Mas a lição desta excelente produção é que esta é uma peça atemporal que mantém um espelho fiel às nossas fraquezas agora como sempre o fez antes. Para mais informações sobre a temporada do Theatre Royal Rep, visite o site deles.