RESENHA: Jane Eyre, National Theatre ✭✭✭✭

Jane Eyre

17/09/15

Teatro Lyttelton, Teatro Nacional

4 Estrelas

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Esta peça começou como duas noites completas no Bristol Old Vic, que apresentou o trabalho pela primeira vez em 2014. Agora chega ao Nacional em uma versão condensada, que ainda funciona como uma longa noite – 3 horas e 30 minutos incluindo intervalo. A peça foi criada pela Companhia a partir do famoso romance de 1847 de Charlotte Brontë sob a direção de Sally Cookson: em alguns pontos faz desvios interessantes do original, mas textualmente, em muitos aspectos, é surpreendentemente fiel.

O que mais te impressiona ao se sentar no Lyttelton é o cenário – o trabalho de Michael Vale. O palco está aberto e emoldurado por cortinas brancas que se erguem até a altura total. Elas envolvem um complexo conjunto de passarelas de madeira, rampas e escadas, aproximadamente em forma de U e todas acessadas por uma variedade de escadas. Ocasionalmente, adereços e móveis de época são introduzidos, mas apenas momentaneamente. No geral, este é um cenário abstrato projetado para gerar uma impressionante sensação de movimento e evocar uma variedade de locais.

Desde o início da ação, quando a adulta Jane (Madeleine Worrall) grita e uiva para simular seu nascimento, os personagens correm e se espalham, sobem, seguram e escalam essas estruturas. Cada ator – são sete, além de músicos – deve percorrer literalmente milhas ao longo de uma noite em que devemos sentir a enorme jornada emocional de Jane – desde a miséria e o abandono de sua infância com seus parentes cruéis, passando pelas diferentes opressões e disciplinas punitivas da Escola Lowood, até seu tempo marcante e decisivo como governanta em Thornfield Hall e sua fuga para o santuário com St John Rivers e sua irmã.

O que, então, a produção nos oferece que poderia mudar nossa percepção de um romance familiar do cânone? A resposta mais óbvia é que é uma versão fortemente feminista da história que foca tanto, se não mais, nas lutas da criação de Jane quanto no melodrama de Thornfield. Vemos Jane enfrentando sua família vil, afirmando-se contra o bullying e a mesquinhez do regime da escola de caridade e defendendo os direitos dos desfavorecidos. Esses aspectos sempre estiveram presentes na história, mas o dramaturgo Mike Akers prestou um serviço ao livro aqui removendo a reticência vitoriana e a ansiedade sobre a autoafirmação feminina.

Temos a história livre de verniz e pátina e é totalmente uma melhoria. Também temos uma paleta mais ampla e rica de personagens menores – o Sr. Brocklehurst, santimonioso e cruel, Helen Burns, débil e santa, e a tia megera, Sra. Reed. Este é um conceito refrescante, oportuno e bem pensado que confere dureza à história e um pleno florescer aos personagens, que deve pôr fim às nossas memórias das muitas versões mais sentimentais que dominaram no palco e na tela até agora.

Realmente ajuda a entender que, quando Jane chega a Thornfield Hall como governanta da pupila do Sr. Rochester, ela é uma professora experiente e uma pessoa completamente formada, não uma ingénua tímida e impressionável. Como resultado, o relacionamento com Rochester é igual e animado desde o início, o que torna sua interação muito mais viva e interessante em geral.

Com exceção de Jane e Rochester, o elenco desempenha múltiplos papéis e se sai extremamente bem ao diferenciá-los. Craig Edwards quase rouba totalmente a cena como o cão de Rochester, Pilot, uma imitação canina tão incomum e convincente quanto já vi no teatro – tudo baseado na intuição aguçada de que um cachorro pode expressar as emoções que Rochester está demasiado enredado em ansiedade e culpa para articular. Laura Elphinstone traz um estoicismo pálido a Helen Burns, uma vivacidade contrastante e charme energético a Adele e um rigor santimonioso a St John Rivers – realmente não se acreditaria que a mesma pessoa habita cada um desses papéis. Simone Saunders aproveita as oportunidades disponíveis nos papéis mais limitados de Bessie, Blanche Ingram e Diana Rivers, e Maggie Tagney contrasta bem a acolhedora governanta Sra. Fairfax com a tia ciumenta, Sra. Reed.

E Jane e Sr. Rochester? Worrall faz uma interpretação de grande energia, resistência e variedade sem revelar muito de um lado mais vulnerável. Ela se destaca como solucionadora de problemas energética, ao invés de reveladora de suas próprias emoções. Felix Hayes é surpreendentemente engraçado como Rochester... consciente ironicamente de suas próprias contradições e dilemas ao mesmo tempo que os habita. E ele certamente tem o comportamento audacioso e ursino adequado para atender às expectativas físicas do papel.

Tão impressionante quanto a maioria das atuações é o mérito da grande equipe criativa cujos nomes ocupam mais espaço no programa do que a equipe de palco. Cookson merece muitos elogios por idealizar um conceito excelente e aplicá-lo em detalhes rigorosos ao longo da noite. Vez após vez, o esquema de iluminação de Aideen Malone transforma um momento mundano em algo especial, e os figurinos de Katie Sykes afirmam claramente o período enquanto deixam flexibilidade para mudanças rápidas e adaptações.

Eu ainda não falei da música nesta produção, que em alguns aspectos é o aspecto mais notável do trabalho. No centro do cenário está instalado um piano, um conjunto de percussão e espaço para um violinista e acordeonista. Benji Bower e alguns outros músicos proporcionam uma mistura sutil de jazz, folk e um minimalismo cativante que acrescenta com habilidade à atmosfera e ao ritmo de todo o espetáculo. Mais especificamente, eles acompanham Melanie Marshall, vestida com um impressionante vestido escarlate e perambulando pela ação. Sua voz sumptuosa nos leva por várias canções, familiares e desconhecidas, até que ela é gradualmente revelada como a própria Bertha Mason.

É uma verdadeira proeza oferecer uma voz própria a Bertha, quando ela geralmente é simplesmente retratada como a louca inarticulada no sótão. Embora esta não seja a personagem como concebida no famoso prelúdio Wide Sargasso Sea de Jean Rhys, é ainda uma interpolação muito convincente no drama, e sua interpretação de 'Mad about the Boy' provou ser um verdadeiro destaque do espetáculo.

O que então priva esta ótima produção da distinção de uma última estrela? A resposta é simplesmente que a competição técnica às vezes atrapalha a ocupação imaginativa completa do personagem. Os atores estão tão focados em oferecer um tour de force que alguns dos pontos de repouso, em particular para a criação de química romântica entre Jane e Rochester, são rapidamente superados. Sentimos a animação e o espírito da conexão entre os dois, e a atração sexual também; mas, mesmo no final, perdi o romance completo e a ternura que este romance realmente exige.

Parece acontecer com bastante frequência no Nacional nos dias de hoje que, quando a Companhia está tão focada em mostrar toda a gama de habilidades técnicas à sua disposição, pode falhar nos aspectos mais tradicionais de caracterização que não deveriam ser considerados garantidos. Precisamos ver não apenas a força total do caráter independente de Jane e do humor rabugento de Rochester, mas também dois personagens atraídos um pelo outro inevitavelmente, apesar de seus melhores esforços para se afastar. Às vezes, os atores acham que é óbvio demais agir em cenas românticas de maneira plena e aberta. Não basta inferir ou adicionar ironia ou dar por garantido – o sentimento às vezes ainda precisa ser interpretado de maneira grandiosa nos momentos culminantes. Quando o texto original foi usado em detalhe, os freios foram aplicados naturalmente e os ritmos do autor se reafirmaram – isso precisou acontecer com mais frequência.

Esta é uma noite totalmente envolvente no teatro. Você não sente o tempo arrastar e só pode se impressionar com a forma como o elenco encontra novos significados em material que todos pensamos conhecer de trás para frente. Esta é uma produção verdadeiramente em conjunto, com espaço para indivíduos brilharem e o todo ressoar com algo maior do que suas contribuições individuais também. Impressionou bastante, me fez rir muitas vezes, mas na segunda metade raramente me emocionou como deveria.

Jane Eyre está em cartaz no Teatro Nacional até 10 de janeiro de 2016.