CRÍTICA: Henrique V, Igreja Temple ✭✭✭✭

Andrew Hodges e Greddie Stewart. Foto: Scott Rylander Henry V

Igreja do Templo

24/08/15

Imagino que a maioria dos frequentadores de teatro tenha lembranças nítidas da primeira vez que testemunharam uma produção de Henry V. Sempre que ouço um ator iniciar com ‘Ó por uma musa de fogo!’ Sou imediatamente levado de volta àquele momento de infância encantada quando vi pela primeira vez o filme de Olivier.. a cena panorâmica sobre Londres Tudor, a música animada de Walton em um pastiche cavaleiresco, e a primeira visão do ‘O de madeira’. Para outros, pode ser a versão cinematográfica mais sombria, mas ainda heroica, de Kenneth Branagh, ou a produção pacifista de Hytner-Lester de uma década ou mais atrás. Poucos de nós podemos abordar esta peça sem um conjunto completo de preconceitos, e corajoso é o diretor que se propõe a encontrar uma maneira de dizer algo novo sobre esta peça que todos nós achamos conhecer muito bem. No entanto, é isso que Antic Disposition e os diretores Ben Horslen e John Risebero conseguiram realizar em uma das mais impressionantes revisões de uma peça de Shakespeare que vi nos últimos anos. Eles fazem isso acima de tudo reconhecendo e acomodando em sua visão as ambiguidades que estão no cerne da peça, de modo que não é nem uma celebração simplista nem uma repudia de guerra, mas um reconhecimento de que a guerra é parte inextricável da condição humana. É crucial para a generosidade da mente de Shakespeare que a peça abranja o fascínio e o encanto da alta política, ao mesmo tempo que mostra as consequências dessas decisões para o homem e a mulher comuns tanto quanto para o rei – o pompa e a pena, a linha tênue de medo entre fracasso e triunfo, sobrevivência ou morte.

Andrew Hodges, Alex Hooper, Freddie Stewart e James Murfitt. Foto: Scott Rylander

O cenário na Igreja do Templo não poderia ser mais propício em suas camadas ressonantes da história inglesa. Ao lado dos túmulos dos cavaleiros templários e dos barões que impuseram a Magna Carta, o palco é montado em travessia entre os bancos da igreja. Em uma plataforma elevada aberta em ambos os lados, são colocadas uma dispersão de caixas de munição e suprimentos médicos. Dois soldados entram vestindo uniformes da Primeira Guerra Mundial, um francês e um inglês. Em seguida, uma enfermeira francesa. Lutas familiares de comunicação seguem-se, terminando com o soldado inglês dando ao seu colega francês uma cópia da peça de Shakespeare. Estamos em um hospital de campanha aliado em Azincourt, atrás das linhas, e ambos os contingentes concordam em apresentar uma performance para passar o tempo. Mas antes de chegarmos ao prólogo, um acordeão e piano introduzem a adaptação de George Butterworth da canção de A.E Housman ‘Os rapazes em suas centenas’, e além da retórica inspirada de Shakespeare, temos também outra camada ressonante de arrependimento cavalheiresco, escrita pouco antes da Primeira Guerra Mundial. Isso foi tão adequado em tantos aspectos, tanto dramático, estético quanto histórico, que me deu a mesma sacudida de experiência que abre a mente que me lembro do filme de Olivier todos aqueles anos atrás. Não posso fazer elogio maior ao trato da sequência de abertura.

E assim entramos na peça em si, mas antes de discutir as qualidades da produção, vale a pena enfatizar que o cenário da Primeira Guerra Mundial sempre permanece como um ponto de referência. Outras adaptações de Housman, usando o estilo musical da era eduardiana, interrompem a ação para destilar emoção em pontos-chave, e a experiência de conflito recente interfere de maneira comovente e apropriada na performance em momentos significativos – como o momento em que Bardolph é executado por saquear e o ator no papel colapsa em um ataque. É muito raro que uma companhia integre um novo conceito tão completamente em uma peça de Shakespeare – muitas vezes é meramente gestual – mas aqui o nível de atenção aos detalhes é extremamente impressionante e imaginativo, mantendo-se confortavelmente com o espírito do original.

Como é habitual com esta companhia, há um padrão uniformemente alto de desempenho individual e conjunto da companhia. As transições entre as cenas são muito bem gerenciadas e, mesmo que o espaço seja limitado, os diretores o utilizaram de maneira muito flexível e com uso mínimo, mas imaginativo, de adereços (por exemplo, uma caixa de ataduras para bolas de tênis, latas de bolo para coroas etc.). Fiquei me perguntando como eles iam gerenciar a grande cena de batalha, mas novamente o cenário de enquadramento deu a solução na forma de uma súbita barragem de artilharia fora do palco, outra canção de Housman e um toque de clarim.. o momento foi capturado e registrado sem precisar ser mostrado.

Freddie Stewart e Louise Templeton. Foto: Scott Rylander

As limitações de uma crítica me impedem de fazer justiça à gama de performances excelentes oferecidas aqui, com vários atores assumindo vários papéis. Basta dizer que tanto as cenas políticas quanto as cômicas saíram igualmente bem, o que nem sempre acontece necessariamente nesta peça. Nem mesmo as disputas nacionalistas entre os soldados foram enfadonhas, como às vezes acontece. O texto foi bem projetado e reforçado com bastante movimento de palco fluido, especialmente nas cenas na noite anterior à batalha, quando a camaradagem masculina e a nervosidade jocosa do original e dos cenários modernos se mesclaram particularmente bem.

Foi um verdadeiro prazer ter falantes genuínos de francês interpretando os papéis reais franceses para variar: havia um contrapeso político genuíno e plausível para as forças inglesas, e a rivalidade entre o Delfim e o Condestável foi projetada de uma forma que normalmente não acontece. Katherine de Floriane Andersen interpretou deliciosamente os jogos linguísticos que Shakespeare reserva para ela, e foi mais do que um par para Henry V de Freddie Stewart em sua cena de cortejo.

A performance de Stewart possuía muitas das qualidades necessárias para o sucesso neste papel. Ele era naturalmente autoritário nas cenas políticas e públicas, e na cena de cortejo combinou galanteio, humor e constrangimento em medida igual e encantadora – ele tem o toque ‘doce’, com certeza. Na discussão incógnita com Williams (Alex Hooper), crucial para qualquer produção desta peça, ele controlou o tom com segurança e diante das tropas plausivelmente dispensou mais do que ‘um pequeno toque de Harry à noite.’

No entanto, tenho uma reserva sobre seu tratamento dos famosos solilóquios, uma reserva que se estende mais amplamente à maneira como os conjuntos de peças shakesperianas são geralmente entregues no presente. Enquanto o naturalismo no palco o levará muito longe, ele não funciona nestas peças altamente elaboradas de retórica, que são cristalizações explícitas de emoções particulares, não descrições delas. Uma abordagem naturalista acaba sendo apenas gritos e monótona, e não cativante de maneira alguma. O ator realmente precisa interpretar e moldar esses discursos estilizados como se fossem peças de música onde você atrai o público para sua confiança. Embora eu possa entender a relutância de atores mais jovens em abraçar a ‘voz bela’ autoconsciente à maneira de Olivier e Gielgud, ainda é possível sem jogar falso com o resto de sua caracterização. Os atores mais velhos da companhia – por exemplo Geoffrey Towers (Exeter) e Louise Templeton (Senhora Quickly) mostraram o caminho, e em particular a evocação da morte de Falstaff por Templeton foi realizada de forma hábil e comovente simplesmente seguindo e não forçando o ritmo natural do texto. Às vezes, como disse Jonathan Bate, ‘A chave para a arte dramática é a insinceridade.’ A artifício pode se tornar arte, e o público felizmente habitará esse espaço especial no momento com você….

Esta é apenas uma reclamação menor em uma noite teatral totalmente envolvente que fez tantos de nós na plateia pensarem novamente sobre esta peça aparentemente mais familiar. Espero sinceramente que eles tenham a oportunidade aqui ou em outro lugar de reviver esta excelente reinterpretação de uma das maiores realizações de Shakespeare. Enquanto o elenco marchava em formação para as recâmaras escuras da Igreja do Templo em direção aos cavaleiros tombados, não se poderia mais separá-los da longa tradição de cavalaria que vai do Conto do Cavaleiro de Chaucer, passando pelas peças históricas de Shakespeare e chegando aos soldados de infantaria condenados de Housman:

‘Eles trazem de volta brilhante ao cunhador a moeda do homem.

Os rapazes que morrerão em sua glória e nunca envelhecerão.’

Henry V em cartaz até 5 de setembro na Igreja do Templo