Crítica: Hellscreen, Festival Vault ✭✭✭✭

Hellscreen

Festival Vaults

4 de Março de 2015

4 Estrelas

Londres é uma cidade de camadas históricas e arquitetônicas, e Vaults 2015 nas últimas três semanas fez uso animado novamente de um dos locais mais ocultos para teatro no centro da cidade – o labirinto de arcos e túneis sob a Estação de Waterloo. É um momento dramático, 'Alice na Cidade de Gotham', em si mesmo, quando você desce por uma escadaria anônima e se encontra em um túnel vitoriano coberto de grafite, com aspirantes a Banksy trabalhando arduamente sobrepondo o trabalho do dia anterior; antes de mergulhar no que parece ser um buraco na parede, mas que de fato é a entrada para um fervilhante centro de espaços flexíveis de performance, exibição e hospitalidade. Para a apresentação de Hellscreen fomos conduzidos a um cofre de tijolos arqueado com formato e cor de um pão de gengibre escuro, preenchido com um conjunto de aparelhos técnicos que me lembrou do sinistro armazém abandonado que aparece em O Arquivo Confidencial de Ipcress. Cada um de nós recebeu um banco do coro, já atuando no personagem para quebrar a quarta parede, e nos organizamos em volta de um palco transversal, finalizado com cortinas de abas de perspex. Nos oitenta minutos seguintes, fomos atraídos para uma ardente meditação sobre a função social e os limites da arte, os papéis malignos e benignos de mecenas e críticos, e o potencial em todas as plateias para voyeurismo crescente e aceitação passiva do intolerável.

Hellscreen tem seu ponto de partida em um clássico conto japonês de Akutagawa publicado há muito tempo, em 1918. No original, um grande pintor é contratado por seu mecenas para criar uma tela que retrate a visão budista do Inferno. Ele descobre que só consegue pintar o que não experimentou na vida torturando seus aprendizes de maneira cada vez mais cruel. Ao lado desse tema, há uma competição entre o mecenas e o pintor pelo afeto da amada filha do pintor, antes que as duas tramas convirjam fatalmente, deixando a filha morta em um último ato de exagero artístico, o pintor tirando sua própria vida, e apenas a tela completa dos horrores permanecendo.

Morgan Lloyd Malcolm e Rachel Parish transferem o núcleo temático e psicológico da história com muito sucesso para o quadro do mundo da arte moderna e uma exploração de seu culto ao excesso. Frank Holt (Jonny Woo) é um artista contemporâneo que busca chocar, mas parece ter chegado aos seus limites e perdido sua audiência. Ele recorre ao seu relacionamento com sua filha Amy (Vanessa Schofield), o único elemento de sua vida que está intocado pelo cinismo. No entanto, ele volta a trabalhar e ganha um novo sucesso sem precedentes após conhecer a colecionadora e mecenas Katherine Bowker (Suzette Llewellyn), que o encoraja a ultrapassar ainda mais os limites da exploração artística ao reencenar, na frente de uma audiência, uma sequência de atrocidades de horror sempre crescente. Esses incidentes, realizados com destreza improvisada por um coro de atores, quebram decisivamente a ‘quarta parede’ ao nos envolver na execução dos crimes. Enquanto isso, Bowker astutamente extrai Amy desses eventos para impedir que ela imponha restrições ao seu pai, e a sequestra em seu refúgio na ilha para seguir seu próprio padrão de contemplação artística. No final, Amy retorna ao pai, e um após o outro, cada um é impiedosamente atraído para uma imolação final e profundamente simbólica.

É muito mérito da equipe de produção, que trabalhou nesta adaptação por vários anos, que conseguiram tocar em tantos temas importantes e justamente perturbadores. Alguns destes se relacionam com a própria arte: ainda existem limites para o que conta como arte? O mecenas é uma figura nobre e incentivadora ou egoísta e manipuladora? Os artistas inevitavelmente sacrificam seus entes queridos pela sua arte? A crítica de arte agora reconhece algum valor além do sensacionalismo? Mas as perguntas mais inquietantes se referem à cada vez mais estética apresentação da violência nos meios de comunicação e nossa exposição a ela. Isso incentivou uma passividade voyeurística e anestesiada que mina nossa capacidade de reagir como cidadãos na vida real? Qual deve ser a resposta adequada às representações cada vez mais extensas de violência? Com lembranças manipulativas diárias do ISIS de que os limites do horror podem, de fato, ser empurrados ainda mais longe, e um registro disseminado ao redor do mundo em nenhum tempo, essas não poderiam ser questões mais pertinentes.

Portanto, não foi surpresa que foram as cenas baseadas em transcrições de tribunal de crimes reais que mais impactaram o público, criando alguns daqueles momentos de concentração total e silêncio quando você sabe que todos estão envolvidos no momento e no coração da questão. Mas isso de forma alguma deve diminuir a qualidade da atuação e dos valores de produção em outras partes. Woo é muito eficaz ao projetar uma intensidade perigosa e imprevisível como o artista perturbado, e Schofield cria um centro tranquilo de valores e beleza alternativos, frequentemente usando o canto para um efeito emocional poderoso. Mas talvez a atuação mais intrigante tenha vindo de Llewellyn, cujas motivações como mecenas artística permanecem elusivas por trás de uma gama fascinante de charme e generosidade de espírito que também se transforma em manipulação oportunista e um desejo por glória refletida. Em torno de e dentro de cada cena curta está envolvida uma gama inventiva de música, projeção de vídeo (nas cortinas de perspex), efeitos sonoros e intervenções energéticas e fluidas do coro, um dos quais também tem uma participação especial, engraçada e bem interpretada, como um crítico de arte que se revela um relativista vazio sem crenças fundamentais.

Meu único comentário negativo sobre este excelente espetáculo é que ele oferece muito material para o tempo disponível. Em apenas oitenta minutos é necessário escolher entre o desenvolvimento de personagens em um fluxo narrativo e diálogos sobre temas abstratos importantes, e não há realmente tempo suficiente para fazer justiça a ambos. Queria-se mais tempo para que as questões fossem debatidas em detalhes, e que os relacionamentos entre os personagens, especialmente aqueles envolvendo Amy, recebessem uma dimensão adicional. Às vezes, havia informações insuficientes para obter o quadro completo e, especialmente no final, o encurtamento da ação e incidente tornou-se confuso. Uma peça de ideias bem-sucedida não precisa ser tão longa nem tão prolixa quanto Homem e Superman, atualmente em exibição no National, mas se houver a oportunidade para outra produção em outro lugar, eu sugeriria outro olhar para o roteiro. A qualidade e a importância das questões levantadas não merecem menos, e o veículo selecionado é muito adequado para uma versão mais longa e mais desenvolvida.

Um cenário transversal permite que você observe seus colegas de público em detalhe e é um testemunho da consistência e reflexão provocativa desta história reimaginada que o tagarelar cosmopolita despreocupado no início havia dado lugar pelo final a uma discussão animada, mas séria, sobre o que testemunhamos, e acima de tudo a um certo desconforto inquietante diante das verdades incômodas observadas no espelho erguido para nós mesmos. Ficamos desconcertados, e com razão.