CRÍTICA: Fings Aint What They Used T'Be, Theatre Royal Stratford East ✭✭✭✭

Fings Aint What They Used T'Be. Foto: Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

Theatre Royal, Stratford

21 de maio de 2014

4 estrelas

Fings Ain't Wot They Used T'Be, de Lionel Bart (música e letras) e Frank Norman (texto), agora regressa ao local onde nasceu, o Theatre Royal Stratford East, numa nova produção encenada por Terry Johnson, e apresenta ao habitual público britânico de teatro uma série de enigmas desconcertantes — alguns, francamente perturbadores.

O que é que Ryan Molloy está a fazer a perder tempo nisto? Jessie Wallace — WTF? De certeza que o Bart não escreveu aquela canção para isto? Porque é que se haveria de repor isto — não se veria nada assim no National? Onde está uma linha de coro a sério? Dá para usar aquela linguagem em palco? O que é que eu acabei de ver?

É importante pensar devidamente nestas perguntas difíceis.

Primeiro: Ryan Molloy. Conhecido pelo seu papel de Frankie Valli no fenómeno de sucesso Jersey Boys, Molloy passa grande parte do primeiro acto a fazer muito pouco — é um elemento do ensemble, a cantar e a dançar com toda a gente — apenas mais um membro daquela trupe heterogénea de falsos vilões que passa tempo no bar do Fred e se dedica a pequenos crimes e manigâncias malandras, além de algum trabalho sexual.

Molloy é excelente em tudo isto. Não há dúvida. Mas porque é que ele se havia de dar ao trabalho?

Porque, a meio do Acto Um, ele faz uma entrada como Horace, o decorador de interiores bem-disposto a quem o Fred recorre para modernizar o visual do seu bar. Horace é um papel de sonho: vistoso, dinâmico, com um número arrebatador, Contempery, um camp descarado e um vestido no Acto Dois. Molloy é um Horace maravilhoso em todos os sentidos — elegante, efervescente, grande dançarino, excelente cantor, dicção perfeita e um sentido de comédia sem falhas. Isto é verdadeira composição de personagem num musical, e Molloy revela talentos com uma profundidade e amplitude pouco comuns num protagonista. É uma prestação de bravura em todos os aspectos.

Jessie Wallace é muito conhecida como Kat Slater em EastEnders e, embora existam algumas semelhanças superficiais entre essa personagem e a Lil aqui, o mais surpreendente é que, na verdade, Lil é uma interpretação totalmente diferente. A aspereza, o movimento incessante, o rosnar, a beligerância a ferver em lume brando da Kat desapareceram — Lil é dura, mas bondosa, justa e romântica no fundo. Nos silêncios, Wallace brilha — e também não fica atrás a cantar e a dançar. Tanto Do You Mind como Polka Dots são deliciosas nas suas mãos, e ela dá à canção-título um verdadeiro ímpeto, com estilo de diva.

Ela é absolutamente maravilhosa em todos os sentidos. É espantoso ver alguém que, como Kat, pode oscilar entre o acerto e o falhanço, aqui tão irrepreensível. Muitas vezes faz-nos lembrar Barbara Windsor — o que, francamente, é o cenário ideal.

A equipa criativa inseriu no texto revisto algumas canções que Bart escreveu, mas que não faziam parte do espectáculo original. Do You Mind e Living Doll, ambos êxitos pop no seu tempo, encaixam-se com facilidade nesta partitura e, embora alguns se surpreendam por Bart ter escrito essas melodias, a verdade é que escreveu — e elas assentam perfeitamente no estilo do espectáculo. Where Do Little Birds Go? e Big Time estão entre as outras adições e também funcionam muito bem, reforçando a caracterização e a empatia. A partitura ampliada resulta num deleite musical.

Sob a direcção perspicaz e habilidosa de Hands, e com o trabalho adicional no texto de Elliot Davis, a peça revela-se uma raridade: um revival, uma peça de época e uma alegoria sobre questões que ainda inquietam a sociedade — a distância entre classes, o apelo do crime, a forma atroz como os homens tratam as mulheres, o verdadeiro significado da amizade, distinguir o bem real do mal real. Refeito, ampliado e remodelado, este musical de 1959 tem muito para oferecer à Grã-Bretanha de hoje: um vislumbre do seu passado, presente e futuro — tudo ao mesmo tempo.

Esta produção demonstra como a contribuição de Bart para o teatro musical britânico foi — e continua a ser — importante. E lança luz sobre as insuficiências da abordagem do National Theatre. A obra de Bart é fundamental para o repertório: devia ser apresentada com todos os recursos do National Theatre. É tão importante quanto Hare, Bennett, O’Casey, Stoppard ou tantos outros dramaturgos; em certos aspectos, ainda mais, porque Bart reflectia sempre a vida das pessoas comuns.

Uma das melhores coisas desta produção é que ela rejeita a sabedoria convencional e as falsas certezas sobre o teatro musical. Aqui não há uma linha de coro “glamorosa”, masculina ou feminina. Em vez disso, há mulheres muito, muito boas e muito, muito sensuais de todas as formas e tamanhos (desde a silhueta escaldante e esguia de Vivien Carter até à voluptuosa e maravilhosamente generosa Suzie Chard — cujos magníficos seios parecem desafiar as teorias de Einstein sobre a gravidade) que impregnaram cada momento de alegria sensual, um deleite lânguido e uma expectativa irónica, desleixada e já esbatida. Cada uma é uma triple threat. São para lá de extraordinárias.

O mesmo se pode dizer da encantadora Sarah Middleton, que interpreta Rosie, a ingénua que tropeça no mundo do Tosher, sofre por ele e depois tem o seu momento ao sol. É frágil e delicada; seda a brilhar sobre aço.

Outra grande qualidade aqui é que a linguagem da peça se mantém muito firmemente em 1959. Toda a cor, brilho, indignação e charme do falar do East End da época permanece intacto, sem ser adulterado pelos tentáculos problemáticos do politicamente correcto. Onde mais se ouviria uma canção chamada The Student Ponce? A riqueza que esta linguagem traz a todo o espectáculo é imensamente satisfatória.

E não é só a linguagem falada que é rica. Os cenários e figurinos de William Dudley estabelecem lindamente a época, a classe e o estilo da peça. É um casamento feliz entre o texto e a visão criativa. Ben Omerod ilumina tudo de forma magnífica e há um uso inteligente de enormes ecrãs de vídeo para acrescentar atmosfera e intensificar o ambiente, seja tenso ou alegre.

Mas a cereja no topo do bolo — o entusiasmo inesperado, a dose mais pura de fogo divino — chega com a coreografia musculada, sensual, charmosa e absolutamente sedutora de Nathan M Wright. É muito raro que os passos de dança contribuam para compreender a personagem — mas é exactamente isso que acontece aqui. O público aprende mais sobre a Lil da Wallace pela forma como ela executa os passos do que em várias cenas. O mesmo sucede com o Horace de Molloy e com o Tosher maduro e inesperado de Stefan Booth. Aliás, com todo o elenco. Ao longo do espectáculo, Gary Watson e Stevie Hutchinson fazem um trabalho de pés extraordinário, tecnicamente impressionante e com um detalhe de fundo maravilhoso.

O trabalho mais inteligente de Wright surge no tratamento de Where It's Hot, que dá a Christopher Ryan — em esplêndida forma cómica do princípio ao fim — a oportunidade de roubar a cena como Red Hot. Mas os grandes números são igualmente impressionantes e, embora o palco seja pequeno, as rotinas nunca parecem confusas ou apertadas: cintilam sem cessar.

É verdade que Gary Kemp e Mark Arden não são tão extraordinários quanto alguns dos restantes, mas isso mal importa. Com tantas interpretações cómicas deliciosas — o par Myrtle e Percy, de Carter e Will Barton, é pura inspiração — a ligeira contenção dos dois protagonistas masculinos quase nem se nota.

Hands criou um revival maravilhoso, jubiloso e francamente triunfante de uma peça que tantas vezes é ignorada e descartada como “antiquada”. A vida, a beleza e o prazer puro que pulsam do palco merecem uma longa, longa temporada.

Quem dera que mais Fings fossem assim; como antigamente.