CRÍTICA: Fings Aint What They Used T'Be, Theatre Royal Stratford East ✭✭✭✭

Fings Aint What They Used T'Be. Foto: Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

Theatre Royal, Stratford

21 de maio de 2014

4 Estrelas

Fings Ain't Wot They Used T'Be, Lionel Bart (Música e Letras) e Frank Norman (Roteiro), agora sendo revivido no lugar onde nasceu, Theatre Royal Stratford East, em uma nova produção dirigida por Terry Johnson, apresenta ao público regular do teatro britânico uma série de quebra-cabeças inquietantes e, em alguns casos, perturbadores.

O que Ryan Molloy está fazendo desperdiçando seu tempo nisso? Jessie Wallace - WTF? Com certeza Bart não escreveu essa canção para isso? Por que reviver isso - você não veria algo assim no National? Onde está a linha de coro adequada? Você pode usar essa linguagem no palco? O que acabei de assistir?

É importante pensar nessas perguntas difíceis corretamente.

Primeiro, Ryan Molloy. Famoso por seu papel como Frankie Valli no fenomenalmente bem-sucedido Jersey Boys, Molloy passa grande parte do primeiro Ato do espetáculo fazendo muito pouco, sendo um membro do conjunto, cantando e dançando com todos os outros - apenas um dos vários falsos vilões que frequentam o bar do Fred e se envolvem em pequenos crimes e trapaças, bem como um pouco de prostituição.

Molloy é excelente em tudo isso. Sem dúvida. Mas por que ele se importaria?

Porque no meio do Ato Um ele tem a chance de entrar como Horace, o feliz decorador de interiores que Fred chama para atualizar o visual de seu bar. Horace é um papel dos sonhos: chamativo, dinâmico, um número fabuloso que rouba a cena, Contempery, extravagância escandalosa e um vestido no Ato Dois. Molloy é um maravilhoso Horace em todos os sentidos – estiloso, efervescente, ótimo dançarino, maravilhoso cantor, dicção perfeita e não comete erros com o tempo cômico. Esta é uma atuação de personagem propriamente dita em um musical e Molloy mostra talentos com uma profundidade e amplitude incomuns para um protagonista. É uma performance de bravura em todos os sentidos.

Jessie Wallace é conhecida como Kat Slater de Eastenders e, embora existam algumas semelhanças superficiais entre aquele personagem e Lil aqui, a coisa mais surpreendente é que, na verdade, Lil é uma performance completamente diferente. A dureza, o movimento incessante, o rosnado, a beligerância fervente de Kat são todos removidos – Lil é dura, mas gentil, justa e romântica de coração. Em seus silêncios, Wallace brilha – e ela não fica atrás quando se trata de cantar e dançar também. Tanto Do You Mind quanto Polka Dots são deliciosas em suas mãos e ela traz à canção-título real entusiasmo e estilo de diva.

Ela é absolutamente maravilhosa em todos os sentidos. É impressionante ver alguém que pode ser inconstante como Kat tão impecável em todos os sentidos. Muitas vezes ela te faz lembrar de Barbara Windsor, o que, francamente, é ideal.

A equipe de produção aqui interpolou no roteiro revisado algumas canções que Bart escreveu, mas que não estavam no show original. Do You Mind e Living Doll, ambos sucessos Pop em sua época, se encaixam facilmente neste repertório e, embora alguns possam se surpreender que Bart tenha escrito essas canções, fato é que ele escreveu e elas combinam perfeitamente com o estilo deste show. Where Do Little Birds Go? e Big Time estão entre as outras adições e também funcionam bem, ampliando o caráter e a empatia. O repertório aumentado proporciona um delicioso deleite musical.

Com a direção astuta e habilidosa de Hands, e com o trabalho extra no roteiro de Elliot Davis, a peça prova ser aquela raridade: um revival, uma peça de época e uma alegoria sobre questões que ainda preocupam a sociedade: a distância entre as classes, o atrativo do crime, a maneira terrível como os homens tratam as mulheres, o verdadeiro significado da amizade, identificar o verdadeiro bem e o verdadeiro mal. Reimaginado, ampliado e remodelado, este musical de 1959 tem muito a oferecer à Grã-Bretanha moderna: um vislumbre do seu passado, presente e futuro – tudo de uma vez.

Esta produção demonstra o quão importante foi e é a contribuição de Bart para o teatro musical britânico. Ela destaca as deficiências da abordagem do National Theatre. A produção de Bart. é importante para o repertório: deve ser exibido com todos os recursos do National Theatre. É tão importante quanto Hare, Bennett, O’Casey, Stoppard ou qualquer número de escritores de drama; em alguns aspectos, mais ainda, porque Bart sempre refletiu a vida das pessoas comuns.

Uma das melhores coisas sobre esta produção é que ela despreza a sabedoria convencional e as certezas falsas sobre teatro musical. Não há linha de coro “glamourosa” aqui, masculina ou feminina. Em vez disso, há mulheres muito, muito boas e muito, muito sexy de todas as formas e tamanhos (desde a forma esbelta e sensual de Vivien Carter até a voluptuosa e maravilhosamente robusta Suzie Chard – cujos magníficos seios parecem desafiar as teorias de Einstein sobre a gravidade) que imbuem cada momento com alegria sensual, letárgica felicidade e expectativa irônica, desolada e desbotada. Cada uma é uma ameaça tripla. Elas são maravilhosas além da conta.

Assim é a encantadora Sarah Middleton que interpreta Rosie, a ingênua que tropeça no mundo de Tosher, sofre por ele e depois tem seu momento ao sol. Ela é frágil e gentil; seda cintilante sobre aço.

Outra coisa excelente aqui é que a linguagem da peça é mantida firmemente em 1959. Toda a cor, brilho, revolta e charme da linguagem da época do East End estão intactos, imaculados pelos tentáculos problemáticos da correção política. Onde mais você ouviria uma canção chamada The Student Ponce? A riqueza que essa linguagem traz a todo o show é imensuravelmente satisfatória.

E não é apenas a linguagem falada que é rica. Os cenários e figurinos de William Dudley estabelecem lindamente o período, a classe e o estilo da peça. É um feliz casamento de texto e visão criativa. Ben Omerod ilumina tudo maravilhosamente e há um uso inteligente de enormes telas de vídeo para adicionar atmosfera e aumentar o clima, seja tenso ou alegre.

Mas a cereja do bolo, o inesperado entusiasmo, a verdadeira dose de fogo divino vem com a coreografia vigorosa, sexy, charmosa e totalmente encantadora de Nathan M Wright. É raro, de fato, que os passos de dança contribuam para o entendimento do personagem – mas é precisamente isso que acontece aqui. O público aprende mais sobre Lil de Wallace na maneira como ela executa os passos de dança do que em qualquer série de cenas. É o mesmo com Horace de Molloy e Tosher de Stefan Booth, maduro e inesperado. De fato, com todo o elenco. Ao longo de tudo, Gary Watson e Stevie Hutchinson fazem um excelente trabalho de dança, tudo impressionantemente técnico e um maravilhoso detalhe de fundo.

O trabalho mais inteligente de Wright vem em seu tratamento de Where It's Hot, que dá a Christopher Ryan, que está em excelente forma cômica ao longo do espetáculo, uma chance de roubar o palco como Red Hot. Mas os grandes números são tão impressionantes e, embora o palco seja pequeno, as rotinas nunca parecem lotadas ou confinadas: eles brilham incessantemente.

É verdade que Gary Kemp e Mark Arden não são tão incríveis quanto alguns do restante do elenco, mas isso quase não importa. Com tantas voltas cômicas deliciosas – Carter e Will Barton's Myrtle e Percy são simplesmente inspirados – a leve subinterpretação dos dois protagonistas masculinos mal registra.

Hands produziu um revival maravilhoso, alegre e bastante triunfante de uma peça frequentemente negligenciada e descartada como “antiquada”. A vida, beleza e puro prazer que pulsa do palco merece uma longa, longa temporada.

Se ao menos mais Fings fossem assim; como costumavam ser.