CRÍTICA: Farinelli e o Rei, Sam Wanamaker Playhouse ✭✭✭✭

Melody Grove e Sam Crane em Farinelli And The King. Foto: Marc Brenner Farinelli And The King

Teatro Sam Wanamaker

4 de março de 2015

4 estrelas

O rei está na cama, pescando. Não por elogios, mas por peixes. Bem, um peixe. Em um aquário. Ele está sonhando? Está insano? É bipolar? A rainha tenta acalmá-lo, alcançar além de suas barreiras, amá-lo, com carinho, paciência e compreensão, para que ele possa sair de sua escuridão e governar a Espanha novamente, sendo novamente o neto do Rei Sol francês. Mas ela não consegue chegar até ele. Tampouco seu Conselho, que tenta usar intimidação e ameaças de destroná-lo, em vez de amor, respeito ou compreensão, para tirá-lo de sua letargia. Nenhuma tática funciona.

Em desespero, a rainha vai embora. Enquanto se preocupa fora da Espanha, ela ouve o famoso astro da Ópera, Farinelli, cantar. Sua voz celestial, etérea, calmante e incrivelmente musical, toca-a de maneiras que ela mal compreende. Ela elabora um plano. Poderia a extraordinária voz de Farinelli proporcionar alívio para a mente perturbada de seu marido, seu rei?

A resposta pode ser encontrada no Teatro Sam Wanamaker, onde a nova peça de Claire van Kampen, Farinelli And The King, está tendo sua temporada de estreia, em uma produção dirigida por John Dove. É uma peça leve, mas bastante bela, perfeitamente adequada à grandiosidade íntima do espaço, e bastante intoxicante, tão perfeitamente julgada é cada parte dela.

As velas que fornecem a iluminação do palco envolvem os acontecimentos em um brilho âmbar quente que está perfeitamente sintonizado com o coração da narrativa. A música é sumptuosamente executada, com talentosos músicos tocando (Robert Howarth, John Crockett, Arngeir Hauksson e Jonathan Byers) e William Purefoy com uma voz encantadora como o Castrato para Todas as Estações, o titular Farinelli. (Purefoy divide o papel com Iestyn Davies).

Um conceito inteligente é empregado com o papel de Farinelli. O talentoso Sam Crane assume o fardo da atuação, mas quando chega a hora de cantar, ele é ou acompanhado no palco ou substituído ali por Purefoy, vestido exatamente para combinar com Crane. Inteligentemente, este conceito separa a voz do homem, replicando a dolorosa castração de Farinelli quando menino de dez anos. O homem não poderia ter aquela voz; a voz é antinatural; a voz é de outro mundo. Tanto em termos dos temas que a peça aborda quanto na teatralidade da atuação, essa dualidade na representação de Farinelli é inspirada. Permite a melhor atuação e o melhor canto.

Purefoy tem um contratenor forte, rico e ágil. É um deleite ouvi-lo. O timbre de sua voz é sedutor; cheio de tons expressivos e enfumaçados, bem como notas de graça ágil e floreios impressionantes. As passagens sustentadas são propriamente apoiadas e energizadas e não há indiferença preguiçosa à produção de som que pode ser encontrada em vozes menos proficientes deste tipo. O que é muito bom, pois nada poderia salvar este trabalho se o canto do contratenor não fosse magnífico.

Sam Crane está em ótima forma como o superstar da Ópera tímido. Inseguro de si mesmo quando não está em traje, no palco e na frente de uma orquestra, o Farinelli de Crane é uma alma gentil, amável e problemática. É claro que ele teria seus testículos de volta em um instante. As armadilhas da fama e da riqueza não lhe atraem tanto quanto ser normal, fazer parte de uma família, fazer algo bom.

Crane traz todo esse pano de fundo à tona com uma performance vencedora que é tanto sobre como ele se coloca ou a maneira como seu rosto está composto quanto sobre seu domínio da linguagem. É uma performance complexa e estruturada, cheia de nuances e charme; engraçada tanto quanto comovente. Seu discurso sobre sua estreia operística em Londres é o ponto alto da peça. Crane retrata claramente a dor e a solidão da fama esmagadora.

Como Isabella, a segunda esposa de Philippe V, Melody Grove é encantadora em todos os sentidos. Ela demonstra sua dedicação e devoção ao marido sem esforço, e você apostaria nela contra o Conselho do Rei a qualquer dia: ela pode parecer bela e recatada, mas as chamas de sua paixão queimam profundamente. Seu discurso sobre a glória do trabalho vocal de Farinelli é entregue de maneira experta e empolgante. O delicado e intricado relacionamento entre Isabella e Farinelli é emocionantemente iluminado por Grove e Crane, que estão perfeitamente sincronizados. Performances generosas, detalhadas e elegantes.

Edward Peel é adequadamente arrogante e irritante como o exigente dignitário da Espanha, De la Cuarda, o funcionário que desconfia de seu monarca confuso. Como Doutor Cervi e Metastasio, Huss Garbiya e Colin Hurley têm pouco com que trabalhar, mas ambos se saem bem, proporcionando algum interesse extra como insiders idiossincráticos na narrativa leve em trama.

A peça de van Kampen é uma bela confeição e toca em temas interessantes: o poder curativo da música; a questão da “alta arte” e o acesso da comunidade a ela; a beleza em forma antinatural; a relação entre dor e grandeza. Estas são todas facetas interessantes da joia central na coroa de van Kampen: a relação única e peculiar entre Farinelli e Philippe. Ambos os homens se consideram onde estão por razões antinaturais: Farinelli por causa de sua castração, Philippe porque o avô Rei Sol o escolheu para seu cargo. Ambos os homens sofrem por causa do fardo antinatural que carregam.

Da mesma forma, ambos passam a apreciar e serem curados pelas virtudes, realizações e habilidades do outro. Há uma sequência deliciosa no segundo ato onde Philippe trama para fazer Farinelli se apresentar para as comunidades locais à floresta onde eles têm vivido, comungando com a natureza e a musicalidade das esferas nos céus. É um momento importante para ambos os homens: Philippe significando que ele apoiará o interesse de sua esposa na Ópera e a disponibilizará para as massas; Philippe sugerindo que Farinelli deveria se apresentar em público novamente e entender por que seu dom deveria ser apreciado por muitos; e Farinelli entendendo que seu trabalho em curar o Rei foi até onde provavelmente iria.

No programa, van Kampen diz: “O papel do Rei é muito particular, pois o ator precisa habitar a mente e o corpo de um homem que está gravemente perturbado, mas que é muito amado. Eu teria que dizer que lembrar de Mark interpretando Hamlet em 1988 e novamente em 2000 foi seminal para mim ao criar este papel; Hamlet se comporta horrivelmente com todos no play (exceto Horácio), mas o público se importa com ele todo o tempo. Essa é a genialidade de Shakespeare, é claro, mas a habilidade de Mark em interpretar esse tipo de papel (assim como Johnny 'Rooster' Byron em Jerusalém em 2011) o colocou firmemente em minha mente no coração desta peça.”

Sem dúvida. Rylance é casado com van Kampen e ela teve muitos anos para considerar e refletir sobre seus muitos atributos como ator. Tudo isso está claramente refletido na escrita: o papel de Philippe é para um ator mercurial e gracioso, alguém que pode lamuriar como uma criança de dois anos e rugir como um tirano invasor, tudo dentro de um retrato completo, complexo e constantemente mudando de disfunção.

Rylance está excelente em todos os sentidos, especialmente no senso de tolerância humilde que sustenta os aspectos mais racionais de seu Philippe. Ele é muito engraçado, mas também a dor e a dificuldade da depressão são agudamente transmitidas. Há momentos em que Philippe se vira contra Isabella e a fere, quase quebrando seu pulso ou mordendo seu lábio; esses são momentos puramente selvagens, impulsionados pela raiva incandescente nascida da loucura e Rylance os executa magnificamente.

Com um toque leve e um olhar aberto para as possibilidades cômicas, Rylance mostra claramente a luta do Rei com a sanidade e o dever. Ele quebra a quarta parede frequentemente, sempre com bom efeito, e sua resposta arrebatadora à música que Farinelli faz é bastante inspiradora. É bom vê-lo pisando no palco (finalmente) no palco do Sam Wanamaker.

Jonathan Fensom proporciona um design inteligente, e bastante suntuoso, para a produção. Sua solução para as cenas da floresta no segundo ato foi especialmente boa. Os figurinos são maravilhosamente detalhados e coloridos – o vestido de Isabella nas cenas da floresta é de uma beleza estonteante.

A produção de Dove é delicada e deslumbrante. A peça não mudará o mundo e nem necessariamente representa fielmente o verdadeiro quadro histórico, mas é amável e irradia calor e alegria. Boa narração, atuação soberba e musicalidade tremenda – um coquetel poderoso e um momento muito feliz no teatro.

Farinelli And The King será transferida para o Teatro Duke Of York em 14 de setembro de 2015