CRÍTICA: Encounter, Above The Stag ✭✭✭✭✭

Da esquerda para a direita: Penelope Day, Alexander Huetson, Adam Lilley. Crédito da foto: Scott Rylander Encontro

Above The Stag, Vauxhall

25/10/15

5 Estrelas

Compre Ingressos Above the Stag, sob os arcos da ferrovia de Vauxhall, é bem conhecido por sua programação cuidadosa de repertório com temática gay, mas tão importante para sua crescente reputação e sucesso é o fato de Peter Bull e sua equipe produzirem todos os shows internamente. Isso garante valores de produção consistentes, que priorizam uma mistura de novas e marcantes autorias, revivals estratégicos de espetáculos injustamente negligenciados, e musicais ou pantomimas leves e divertidos. Restrições de espaço, orçamento e tempo de ensaio são regularmente transformadas em oportunidades criativas que proporcionam uma experiência continuamente recompensadora, instigante, engraçada e ao mesmo tempo íntima para o público. Todas essas qualidades estão claramente em exibição no magnífico novo espetáculo, Encontro, que toma o filme pós-guerra de Noel Coward e David Lean, Brief Encounter, como inspiração, e apresenta um excelente roteiro e algumas atuações emocionantes. Muitas vezes é argumentado que as peças de Coward, Rattigan e Tennessee Williams oferecem estudos de caso de sexualidade deslocada, nas quais o dramaturgo submerge sua própria homossexualidade nas experiências de casais heterossexuais para explorar encontros indiretamente, que nunca poderiam ter sido encenados diretamente naquela época. Embora haja algo a ser dito sobre essa interpretação (especialmente no caso de The Deep Blue Sea de Rattigan), geralmente é muito mais complicado do que isso.

Alexander Huetson, Adam Lilley, Christopher Hines Crédito da foto: PicsByGaz.com Certamente, neste caso, os personagens de Coward foram completamente formados, primeiro como veículos para ele mesmo e Gertrude Lawrence, na peça curta Still Life, e mais tarde nos papéis famosos no filme por Celia Johnson e Trevor Howard. Mas isso não significa que transformar os personagens em dois homens gays é, de alguma forma, alheio à estética do original, que é fielmente recriada aqui.

Pois o drama é tanto um relato das pressões impossíveis que pessoas comuns enfrentaram no final da guerra em 1947, quanto é uma simples história de amor frustrado. Racionamento, austeridade forçada, saúde pública precária, enormes desigualdades de classe e riqueza e oportunidades educacionais são todos temas que percorriam o original e retornam aqui na sutil reelaboração de Phil Willmott. A vitória parecia pouco melhor do que a derrota. Adicione a isso o colete de forças dos casamentos infelizes dos quais o novo amor oferece uma súbita esperança de fuga alegre e você tem exatamente as circunstâncias tentadoras necessárias para apresentar uma relação gay transgressora e redentora em um contexto contemporâneo plausível.

É muito o mesmo mundo e conjunto de questões que J.B.Priestley explora em An Inspector Calls, e a direção (também por Phil Willmott) evoca em alguns aspectos o estilo da famosa produção de Stephen Daldry. Embora não tenha sido o que Coward escreveu, certamente era fiel à textura da vida que foi vivida e experimentada em mais de algumas estações pós-guerra, parques e sacristias... e agora pode ser evocado e documentado...

Willmott marca o fato de que é uma homenagem de época ao colocar um motivo moderno envolvendo a história principal, assim observamos um casal gay contemporâneo reagindo ao material preservado em um diário que de repente apareceu abandonado em um quiosque. A partir daí somos levados de volta à Estação Vauxhall em 1947 em nuvens de vapor, iluminação expressionista marcante e um cenário exemplarmente evocativo que se esvai em tons de sépia que evocam o filme. O designer David Shields (que é entrevistado no programa) tem um grande histórico neste teatro onde o desafio é fazer pleno uso da largura da área do palco enquanto cria uma ilusão de profundidade.

Alexander Huetson e Adam Lilley Crédito da foto: PicsByGaz.com

Esse cenário é um dos seus melhores – muito está comprimido em um pequeno espaço – um quiosque de vendedor, a estrutura de ferro e a arquitrave com corte de biscoito de uma estação vitoriana, avisos de época, uma sala de espera gótica que também serve como sacristia da igreja, e uma lareira de uma casa de família em Surbiton. No entanto, as linhas de visão são claras, e os atores parecem muito à vontade com isso. O público tem tanto proximidade real quanto a ilusão de distância da ação, e a sensação de época está perfeita. O mesmo vale para os trajes também.

Há quatro atores, dois dos quais desempenham papéis duplos. Adam Lilley interpreta o Dr. Lawrence Marsh, que está em destacamento em uma clínica em Vauxhall um dia por semana. Alexander Huetson é Arthur Hollis, o chefe da estação, que encontra o Dr. Marsh primeiro como paciente. Penelope Day interpreta tanto a esposa de Marsh, Sarah, quanto uma vendedora de jornais, Mavis Madden. O elenco é completado por Chris Hines, que retrata tanto um policial quanto o vigário local, e é listado como diretor assistente.

Embora haja alguns momentos de melodrama aqui, assim como no original, eles estão confinados ao enredo em vez da interpretação que se destaca em sua sutileza e contenção. O que não é dito ou o que é dito em linguagem corporal em vez de palavras produz uma demonstração eloqüente de que menos é geralmente mais, certamente nos personagens britânicos super-reservados e contidos deste período. Os dois homens gays, em particular, estão enrolados como molas sob tensão, e a menos que você sinta isso, a peça não pode funcionar.

O relacionamento entre Marsh e Hollis é desenvolvido com muito cuidado. Faz referências ao filme – uma matinê de cinema, uma música recorrente de melancolia e desejo – Schubert, não Rachmaninoff desta vez, interrupções dissonantes de outros em momentos chave – mas traça seu próprio percurso em termos totalmente plausíveis. Marsh é tanto o mais eloquente quanto o mais conflitante dos dois, e é aquele que é muito mais o prisioneiro das ansiedades morais e de classe convencionais. Esse contraste angustiado é muito bem retratado por Lilley, oscilando entre o medo e a imposição arrogante, e relutante em admitir o poder do amor e da atração sexual. Em última análise, é um estudo de autoabsorção, e como sob pressão isso levará a crueldade involuntária e ao sacrifício da autorrealização. Marsh tem mais a perder, como a sociedade julga, mas no processo desiste da melhor chance que ele teria de ser fiel a si mesmo. Lilley nos dá a contracorrente do arrependimento e da perda, bem como a confiança externa.

Da esquerda para a direita: Christopher Hines, Adam Lilley, Alexander Huetson Crédito da foto: Scott Rylander

Arthur Hollis é um papel tecnicamente exigente de realizar, porque ele é muito menos articulado que Marsh. Ainda assim, Huetson faz um trabalho magistral e comovente ao transformá-lo no barômetro emocional da peça, passando do otimismo vibrante ao estoicismo abatido. Parte pela linguagem corporal, e parte pela atuação detalhada fora do discurso, Huetson encontra uma eloquência, ternura e dignidade para seu personagem que é muito comovente. E quando ele encontra sua voz – em um monólogo sobre a realidade do preconceito e da perseguição, e em uma declaração poderosa do poder transformador do amor – os resultados são verdadeiramente convincentes.

Os papéis de Penelope Day são uma parte importante da ancoragem estrutural e emocional da peça. A esposa que fica em casa, como no filme, é uma parte bastante ingrata, mas precisa ser uma representação perfeita de bondade comum e sem rodeios para funcionar, e isso é difícil de realizar. Ela precisa ser uma boa pessoa por seus próprios méritos para tornar o enredo mais pungente – Marsh não deveria ter qualquer boa razão além do amor para deixar sua esposa. Mavis Madden é uma criação mais caricata, parte Sra. Pike de Dad’s Army, parte Sra. Malaprop de The Rivals. Ela serve para aliviar e baixar o tom, enquanto também oferece uma compreensão discreta e conhecedora do caso amoroso e uma espécie de coro.

Da mesma forma, o personagem do policial é mais um estereótipo cômico do que um papel principal, mas a interpretação de Chris Hines mostrou bem as contradições e paradoxos entre sua vida pessoal como um Lothario itinerante e seu papel oficial como guardião moral. O vigário, por outro lado, é uma criação muito mais incômoda e sinistra: uma demonstração do poder malévolo do ódio interno gay e do ciúme sexual, envernizado com uma empatia falsa, oleosa e enganosa.

Evocações de filmes famosos podem facilmente cair na paródia ou na comédia não intencional, mas graças à habilidade da escrita e à atuação cuidadosamente medida e plenamente imersa, esta produção é um triunfo em todos os aspectos e merece uma temporada muito bem-sucedida. Encontro investiga profundamente o dano das distinções de classe e expõe os efeitos da privação, seja sexual, emocional ou social, em um drama tocante e não dogmático que pode alcançar qualquer um preso entre a realidade comprometida e a aspiração desejada. Também há muito humor, tanto amplo quanto sutil.

É uma das duas ou três peças que mais me impressionaram este ano. Não perca.

Encontro decorre no Theatre Above The Stage, Vauxhall até 15 de novembro de 2015