CRÍTICA: Daphne, Teatro Arcola ✭✭

Dafne

Arcola Studio 1

20/08/15

2 Estrelas

Richard Strauss escreveu sua ópera em um ato Dafne no final de sua carreira de compositor, em meados dos anos 1930. Não é apresentada com frequência e está madura para um revival como parte do compromisso do Festival Grimeborn com a redescoberta do repertório. Ela também oferece quase uma noite completa no teatro, pois, mesmo com apenas um ato, dura mais de 90 minutos. É uma obra abstrata e peculiar, cheia de música magnífica e várias cenas dramáticas comoventes, mas seu subtítulo – tragédia bucólica – já indica alguns dos problemas de definição que esperam qualquer equipe criativa. O enredo é notavelmente simples na superfície e permanece bem próximo da mitologia grega conforme contada por Ovídio (Metamorfoses) e Eurípides (As Bacantes). Dafne, (Justine Viani) uma náiade ou ninfa, está em casa no mundo natural, mas alienada das complexidades da vida social e política, e das tentações do amor sexual e romântico. Ela primeiro rejeita um amigo de infância, Leukippos (Panos Ntourntoufis), e depois o deus Apolo (John Upperton), primeiro disfarçado como um pastor e depois como um convidado em um banquete para homenagear Dionísio organizado por seus pais Peneios (James Gower) e Gaea (Violetta Gawara). Isso acaba sendo uma 'festa dos infernos', onde Leukippos se veste com uma roupa de festival que Dafne havia recusado e, após vários mal-entendidos, Apolo atira em Leukippos com uma flecha. O lamento de Dafne faz Apolo se arrepender de suas ações; então ele pede a Zeus que transforme Dafne em um loureiro, um destino que ela abraça com entusiasmo como uma união com a natureza.

O que devemos fazer quanto a isso ou, melhor dizendo, o que os diretores de teatro devem fazer com isso? Será esta uma obra de profundo simbolismo ou simplesmente um encantador conto de uma antiga história? Opera em Casa e o diretor Jose Gandia escolheram relocar a obra para a época em que foi escrita – Alemanha Nazista. Todas as figuras de autoridade são tiradas da Grécia e se tornam comandantes militares e civis; Dafne e sua mãe vestem trajes de gala da moda, e um trio de refugiados judeus aparece para sofrer abusos físicos em intervalos ao longo do drama, antes que a cena de transformação os envolve, junto com a própria Dafne, em um buquê de arame farpado que supostamente representa um campo de concentração.

Não posso afirmar que acho essa abordagem do drama convincente.

Essas adições são gestos em vez de uma reinterpretação bem trabalhada e integrada, e a cena final vai contra as intenções do compositor e do livreto. A transformação é uma vindicação e um retorno para Dafne, e converter isso em confinamento farpado com outras vítimas não favorece ninguém. É verdade que há muito a ser dito sobre as fascinantes variedades de colaboração e resistência que Strauss encenou nos anos 1930; mas isso já foi bem abordado por Ronald Harwood em sua peça Colaboração. Além disso, essas preocupações não transbordam para esta obra em particular, onde o principal contraste é entre a inocência e a pureza do mundo natural e a corrupção geral da sociedade mais ampla. Se há uma crítica dos tempos aqui oferecida, é muito mais oblíqua e parte da tentativa de Strauss de se retirar da vida pública, que ele cada vez mais via com desgosto, para temas mais íntimos e atemporais. Poderia funcionar melhor na produção um cenário ambientalista, em vez de um retrocesso à Alemanha dos anos 1930, algo que já é um clichê operístico.

Existe outro problema sério com esta produção, que é a falta de uma orquestra ou pelo menos um pequeno conjunto para dar corpo às texturas. Entendo que não é culpa da Opera em Casa, que foi negada permissão pelo Espólio de Strauss para usar mais que um piano. Dito isso, em óperas pós-wagnerianas desse tipo as texturas instrumentais são atores-chave no drama, não apenas um apoio harmônico reconfortante. Nos três ou quatro momentos-chave deste drama, a vida esvaiu-se do que deveriam ser clímax magnificamente alcançados porque a orquestra não estava lá.

Isso não é uma crítica à excelente atuação de Marta Lopez, mas um reconhecimento de que, ao contrário da maioria das óperas Grimeborn que utilizaram forças reduzidas este ano, muito da essência da peça se foi, e não apenas a decoração. Strauss compôs suas partituras com um ouvido para a intrincada sonoridade projetada para efeitos simples. Remova o detalhe intricadamente tecido e pouco sobra. Se rosas luxuosamente perfumadas, linhas interminavelmente entrelaçadas, forem removidas da parede de um jardim de chalé, o que resta ainda é apenas uma parede, por mais bonita que seja a alvenaria.

Há algumas performances excelentes e outras em que o desafio técnico da escrita impõe tensões audíveis. Como Dafne, Viani atuou com a graça e serenidade apropriadas e certamente possui o peso certo de voz para esse tipo de papel de soprano. Sua execução dos intercâmbios rápidos, em um libreto que muitas vezes é verborrágico, também foi excelente. Contudo, nas linhas longas e ascendentes de seu hino à natureza, na sua resposta a Apolo e na transformação final, sua entonação foi mais insegura e o tom um tanto forçado.

Os papéis de tenor heróico de Strauss são impossivelmente difíceis, requerendo peso de voz junto ao domínio do alto tessitura, a um grau que raramente ocorre na natureza. Dito isso, tanto Upperton quanto Ntourntoufis pareceram estar sob pressão vocal durante partes consideráveis da noite, o que prejudicou sua atuação convincente e forte presença física no palco. Gower e Gawara cantaram excelentemente nos papéis menores dos pais de Dafne, totalmente à altura dos seus papéis, e os papéis menores dos pastores e donzelas foram mais do que competentemente cantados por jovens cantores, de quem certamente ouviremos mais em breve. Jose Gandia, além de dirigir, também definiu os tempos apropriados com o tipo certo de flexibilidade nas cenas principais, onde há várias reviravoltas embaraçosas na partitura.

Nem tudo no Grimeborn pode funcionar, e embora o compromisso de todos os envolvidos mereça reconhecimento, esta adaptação não pode ser considerada totalmente bem-sucedida. Como um melhor teste de seu valor, porém, espero que mais performances possam ser organizadas com um conjunto completo de cordas, sopros e metais. Se todas as principais linhas estiverem presentes, o núcleo deste delicado trabalho poderá ainda gerar o tipo certo de brilho prateado.

Uma última reclamação: alguém no Arcola pode, por favor, reposicionar as legendas projetadas para um lugar onde todo o público possa vê-las? Isso já foi feito em anos anteriores – qual é o problema em 2015?

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