CRÍTICA: Cidade dos Anjos, Donmar Warehouse ✭✭✭✭

Cidade dos Anjos

Donmar Warehouse

19 de dezembro de 2014

4 Estrelas

O que é isso? É um palco giratório no Donmar? Sim, é isso mesmo. Um palco giratório embutido em um piso de época antigo. Há também uma escada em espiral, que leva do nível inferior a um nível mais alto onde, claramente, a ação ocorre. A seção superior tem um fundo de pilhas e pilhas de papéis, roteiros - é o domínio de um escritor. A seção inferior tem um fundo de latas de filme; uma biblioteca de estúdio de sucessos passados, com os títulos chamativos meticulosamente escritos na lateral de cada lata fina. E tudo é em preto, branco e cinza.

Com um único e hábil golpe, Robert Jones fornece ao público que entra no Donmar Warehouse uma compreensão clara do que eles estão prestes a explorar na produção de Josie Rourke do negligenciado mestre de obra Cidade dos Anjos: dois mundos relacionados, o mundo real do escritor e o mundo da ficção que ele produz; dois mundos onde haverá cruzamentos e onde haverá reviravoltas, voltas e revólveres. Só de olhar para o cenário, o público pode ver que este não é um musical comum - eles devem prestar atenção. Eles podem sentir o que está por vir.

Jones os ajuda - o mundo do escritor é colorido; o mundo do filme ficcional é todo em preto e branco, refletindo o espírito dos grandes clássicos do filme noir que, em seu coração, esta peça celebra e satiriza. O design de iluminação exemplar e inspirador de Howard Harrison contribui significativamente para a compreensão dos dois mundos. O Donmar raramente esteve tão bonito quanto aqui, graças a Jones e Harrison.

Cidade dos Anjos tem uma pedigree impecável - um livro de Larry Gelbart, letras de David Zippel e uma rica e vibrante trilha sonora de Cy Coleman. Oferece grande escopo para sensualidade, diversão, emoções e surpresas. E um canto tremendo.

Existem duas histórias paralelas que se entrelaçam. Stine é um escritor, casado mas infiel, que está constantemente lutando com o Estúdio para preservar a integridade artística de seu livro, que está adaptando para o cinema. Ele tem que lidar com suas próprias inadequações, bem como com as demandas ridículas de seu produtor/diretor filisteu, Buddy Fidler, e as promessas que esse homem faz a várias atrizes com quem é íntimo. Vemos o mundo vívido que ele cria para seus personagens, principalmente Stone, o ex-policial transformado em detetive, a equação musical de Humphrey Bogart, e assistimos enquanto escreve e reescreve seus destinos.

É bastante óbvio que Stone é o herói macho interno de Stine, o nome é um pouco revelador. Há muita diversão com as reescritas de Stine e o melhor aspecto da direção desta produção é a forma como o elenco lida com essas revisões - eles atuam ao contrário até o ponto onde Stone começa a reescrever. Isso nunca deixa de ser engraçado. Vale a pena ver esta produção só por essas sequências.

Em muitos outros aspectos, no entanto, a direção de Rourke deixa muito a desejar. Esta é uma das trilhas sonoras mais sexy e sensuais do repertório da Broadway, mas Rourke produz uma versão quase estéril, celibatária. Não tem nada a ver com a música, que é tocada com imenso entusiasmo e estilo pela orquestra quente liderada pelo talentoso Gareth Valentine; nem com a encenação dos números musicais, todos em que Stephen Mear se destaca de forma deslumbrante, espirituosa, surpreendente e alegre.

Não, os problemas aqui estão na escolha do elenco e na direção. Simplesmente não há calor suficiente nesta Cidade, os Anjos não são angélicos o suficiente, o sexo não é suficientemente ousado, e os personagens, particularmente os personagens fictícios, não são suficientemente extremos. Há um oceano de oportunidades perdidas.

A atuação da noite vem de Marc Elliott, que tem o papel relativamente pequeno de Munoz (o parceiro policial fictício de Stone que está determinado, de uma forma meio cômica de história em quadrinhos, a fazer com que Stone enfrente a justiça por um crime que Munoz pensa erroneamente que ele cometeu) e Pancho, o flamboyant ídolo das matinês que desempenhará o papel de Munoz no filme. Elliott é incrivelmente bom; ele não desperdiça nenhum segundo que o papel oferece e tira muito proveito do material. De fato, o primeiro ato realmente não ganha vida, em termos de atuação e canto, até ele apresentar sua impressionante performance, com canto, dança e tour de force, completa com dançarinos de apoio estilosos, All Ya Have To Do Is Wait. Mear oferece uma coreografia espetacular e Elliott aproveita a oportunidade oferecida e aproveita ao máximo. O show nunca é melhor do que nesse número.

O que é notável, porque não é, de longe, o melhor número da trilha. As opiniões diferem sobre qual pode ser o melhor número, mas o que segue o de Elliott, You're Nothing Without Me, está certamente entre os cinco melhores. Aqui, é a encenação que o torna eletrizante. Stone e Stine têm o equivalente a um duelo musical, cada um buscando dominação sobre o outro.

A iluminação de Harrison entra em ação aqui, produzindo um emocionante coup de théâtre. É fantástico assistir Stone (Tam Mutu) e Stine (Hadley Fraser) duelarem na zona de guerra de Mear/Harrison, mas os vocais ocupam um terceiro lugar muito definido em relação ao movimento e à iluminação. Assim, onde, musicalmente, isso pode ser extraordinariamente emocionante como um dueto, aqui é emocionante por outras razões. A nota final de Fraser é perfeitamente afinada e cantada, e fecha o Ato Um em alta real, mas, ao contrário do número de Elliott, a música realmente não recebe a atenção que realmente merece.

Alguns números são muito bem servidos. Rosalie Craig entrega It Needs Work com muita classe e estilo; Samantha Barks está soberba em seu grande e rouco número, Lost and Found; Rebecca Trehearn exala a sensualidade e o estilo corretos em You Can Always Count On Me; Mutu, Fraser e Craig encerram o show em alta vocal vibrante com o final, I'm Nothing Without You.

Outro material não se sai tão bem. Tim Walton está completamente errado para Jimmy Powers; o papel exige um crooner suave de voz leve, um tipo Johnny Ray. Stay With Me perde seu encanto porque Walton não consegue, ou não quer, crooner. Peter Polycarpou, que parece ser escalado sempre que um homem mais velho é necessário em um musical (e mesmo quando não é) é simplesmente muito insosso como Buddy e ambos seus números carecem de vitalidade, ameaça e interesse. Craig, surpreendentemente, não traz a sensualidade ou sexualidade ofegante à gloriosa canção apaixonada, With Every Breath I Take, então, embora acerte as notas, a paixão e a glória vibrante da canção estão totalmente ausentes.

Katherine Kelly interpreta seu papel duplo de forma totalmente equivocada; ela é muito delicada demais, falta aquela abordagem Lauren Bacall. Isso priva o Stone de Mutu de muitas possibilidades de ação de galã mau do filme noir. Ele passa pelos movimentos, mas não se sente que seu coração, ou qualquer outra parte de seu corpo, esteja envolvida. Kelly também não é boa nos aspectos cômicos de seu personagem. Ela é uma grande decepção.

O quarteto Angel City Four não harmoniza bem o suficiente para tornar seus momentos vocais juntos encantadores; individualmente, ganham mais pontos - Sandra Marvin, especialmente, se sai muito bem em seu trabalho solo. Cameron Cuffe tem uma excelente voz que usa bem, mas seu papel, o bonito Peter Kingsley, envolve pouco canto. Ele não tem, porém, problemas em ser o membro mais bonito do elenco (quase de forma absurda) e consegue atuar de forma muito convincente. Um para ficar de olho.

Fraser e Craig, embora casados na vida real (ou talvez por causa disso) têm uma surpreendente falta de química no palco. Isso torna difícil entender por que Stine está disposto a desistir de sua carreira por Gabby de Craig. De fato, há muito do nerd na performance de Fraser; Stine nunca me pareceu particularmente nerd. Ele é um escritor - ele bebe, mulheriza e escreve. Fraser pode fazer tudo isso e deveria ser capaz de um Stine mais poderoso e incontrolável do que oferece aqui.

Os dois níveis que Rourke usa no pequeno espaço do Donmar dificultam, pelo menos, para o público da plateia ver toda a ação. Isso é realmente imperdoável; como Diretora Artística, Rourke deveria conhecer as limitações do teatro. Muitas vezes há uma sensação de desordem desnecessária no palco; quase como se a produção fosse destinada a um palco maior. Há momentos em que a direção de Rourke coloca os membros do elenco em perigo de literalmente tropeçar uns nos outros.

No entanto, o puro poder da criatividade que sustenta o livro, a trilha sonora e as letras conduzem a questão. A música de Coleman é intoxicante e, embora não haja dúvidas de que poderia e deveria ter sido melhor servida pela visão de Rourke para a produção e pelo trabalho que extraiu de seu elenco, ela mantém seu charme e poder. Embora não seja tão engraçada ou sexy quanto poderia ser, a versão de Rourke de Cidade dos Anjos ainda é extremamente agradável.

Em grande parte, isso se deve à magia combinada de Robert Jones, Howard Harrison, Gareth Valentine e, especialmente, o incansável Stephen Mear. O movimento, design e suporte musical para a companhia aqui são de tirar o fôlego. Adicione excelentes atuações de Marc Elliott, Samantha Barks, Rebecca Trehearn, Sandra Marvin e Cameron Cuffe e principalmente bom trabalho de Tam Mutu, Hadley Fraser e Rosalie Craig e ignore as deficiências nos outros do elenco e esta é uma produção sólida de Cidade dos Anjos.

O problema é - deveria ter sido sensacional.