CRÍTICA: Carousel, Teatro Arcola ✭✭✭✭✭

Gemma Sutton e Tim Rogers em Carousel no Arcola Theatre Carousel

Arcola Theatre

2 de julho de 2014

✭✭✭✭✭

Rodgers e Hammerstein eram uma dupla romântica, mas também tinham outros interesses. Estes surgem de diferentes formas em suas famosas colaborações. The Sound Of Music lida com o amor puro, quase casto; Cinderella lida com o amor caçado; The King and I e South Pacific tratam ambos do amor proibido; Flower Drum Song fala sobre amor tradicional e inesperado; Oklahoma trata do jovem amor fogoso assim como State Fair; Pipe Dream trata do sexo sem amor.

Frequentemente considerado o mais belo e romântico do repertório da dupla, Carousel lida com luxúria e abuso. Sob aquele hino de Carousel sedutor e melódico, o sangue circula, a febre aumenta e os apetites são saciados.

O diretor Luke Fredericks, cuja interpretação reveladora de Carousel está agora em cartaz no íntimo Arcola Theatre numa produção da Morphic Graffitti, claramente entende isso e o espetáculo está repleto de sexo, luxúria e raiva. Já vi dezenas de produções de Carousel, mas nunca fez tanto sentido ou pareceu tão coerente e mágico como nas mãos de Fredericks.

Em parte, isso se deve às restrições orçamentárias que tornaram necessária uma abordagem em pequena escala. O público está tão próximo que a atuação precisa funcionar, ser verdadeira, especialmente nas cenas mais íntimas e difíceis. Fredericks consegue enfrentar esse desafio e surpreender constantemente o público com toques arriscados dignos de qualquer filme da turma Carry On, mas como se fossem escritos por Alan Bennett: uma travessura respeitável, ligeiramente emocionante, genuinamente engraçada, atraente e sexy.

Os cenários de Stewart Chalesworth são tudo o que esta produção necessita, garantindo uma fluidez de movimento entre as cenas e uma verdadeira sensação da pobreza em que os personagens vivem e da qual aspiram escapar. Evocações inteligentes de cenas domésticas, uma impressão verdadeiramente adorável de um balanço preso a uma árvore, um estaleiro, uma ilha, uma casa, os terrenos do carnaval e depois o domínio do Guardião das Estrelas, as portas dos fundos para o céu - Charlesworth cria todos eles, pontuados com figurinos realistas e eficazes, deixando amplo espaço para a coreografia energética e emocionante proporcionada por Lee Proud.

Andrew Corcoran brilha no modo Maestro: a partitura é bem tocada e cantada fabulosamente, embora às vezes de maneira bastante diferente do que se esperaria das gravações e de outras produções. Não há tempi autoindulgentes aqui; a partitura é tocada e cantada com um gosto quase ofegante e intoxicante. A pequena banda toca com precisão e brio (um pequeno erro orquestral no Soliloquy foi a única mancha perceptível) e as orquestrações com ênfase em harpa e sopros são astutas, perfeitas.

Frequentemente, os públicos querem papéis cantados de uma maneira específica, associando um som particular ao seu 'propriamente' desfrute da partitura. Pessoalmente, sempre preferi um Billy que pudesse fazer os grandes papéis de barítono de Mozart, um homem grande com uma voz retumbante e encorpada, toda de chocolate e força. Sempre preferi uma Nettie que também pudesse fazer justiça a Mama Rose: uma voz forte e robusta, com um poder belting.

Mas como Angela Lansbury (Gypsy) e Whoopi Goldberg (A Funny Thing Happened On The Way To The Forum) mostraram na Broadway, estilos e vozes diferentes podem ser tão eficazes ou mais eficazes em revivals de obras que antes se pensava que tinham que ser feitas de uma certa maneira. Em Sweeney Todd, você não poderia ter desvios vocais e dramáticos mais diferentes do que os dados nos tempos recentes por Caroline O'Connor, Imelda Staunton ou Emma Thompson - mas cada um foi triunfante à sua maneira.

Às vezes, porém, ter a voz certa significa perder tudo o que o personagem precisa alcançar no palco durante a performance. Aqui, eles podem não ser sempre o ideal vocal percebido para o papel, mas o elenco inteiro canta tão bem quanto representa e dança: com precisão infalível de caráter.

Fredericks prova em sua produção que uma mente inventiva e engenhosa pode fazer novas interpretações de papéis de teatro musical funcionarem, mesmo que vão contra o tipo. E graças a Deus por isso. Encontrar nova vida em velhas obras é uma das grandes alegrias do teatro.

Como sempre, o segredo do bom trabalho é o elenco - e Fredericks não cometeu erros aqui. Embora talvez inesperado e incomum em alguns aspectos, este é um grupo sólido e notável de artistas que oferecem performances soberbas, pensadas e ricamente detalhadas. Enquanto evocam o período, são todos modernos na abordagem e isso ajuda significativamente na alquimia.

Tim Rogers é facilmente o melhor Billy Bigelow que já vi. Impossivelmente másculo, brutal, sensual, lânguido, ostensivamente autoconfiante mas interiormente autodepreciador, sedutor e desesperado: ele é o epítome do diamante bruto, com todas as facetas abertas para inspeção. Ele faz este personagem difícil totalmente compreensível, completamente real. Ele canta lindamente, seu rico barítono/tenor alto sempre afinado, sempre em sincronia com sua caracterização e muitas vezes surpreendente em sua ternura e alcance. Seu Soliloquy foi julgado sensacionalmente, incrivelmente eficaz e, com razão, parou o show. E os duetos com Julie de Gemma Sutton mostraram Rogers em seu estado mais lírico.

Rogers recebe um apoio de seu Billy de duas fontes inesperadas: Jigger e o Sr. Snow. Nesta produção, Jigger é um elegante, um malandro que se veste para efeito e pretensão e é a personificação do safado, do gosmento e da sedução. Este Jigger claramente desfrutaria de suas delícias em qualquer lugar com qualquer um. Interpretado por Richard Kent, Jigger não tem nada em comum com Billy, é uma criatura muito pior que Billy e oferece calafrios e sorrisos em quase igual medida. Como um rato sofisticado, ele percorre os acontecimentos, ou fica quieto e em silêncio nas sombras, sempre avaliando as oportunidades. Sua tentativa quase bem-sucedida de seduzir Carrie e sua elegante destruição da fortuna não merecida de Billy ao trapacear no carteado demonstram amplamente a habilidade e importância de Kent para a narrativa.

Porque o ponto-chave da turnê incrível de Kent é que você vê claramente um homem a quem Billy se sente inferior e, tola e futilmente, procura imitar pelo menos em sua fortuna. A clareza do caráter de Jigger ajuda a iluminar as partes mais sombrias do de Billy. E sua voz adiciona brilho toda vez que ele canta.

Igualmente, e de maneira bastante incomum, os aspectos mais escuros do Sr. Snow também são elaborados aqui. Joel Montague proporciona um pescador robusto e ambicioso (com uma força vocal impressionante e tom) que simplesmente passa por cima da deliciosa Carrie de Vicki Lee Taylor. Ele impõe seus desejos sobre ela de todas as formas, decidindo seu futuro, forçando infinitas crianças sobre ela, independentemente dos seus próprios desejos, cortando-a, assumindo o controle de seu destino e mostrando nenhum interesse no que ela pensa ou sente. Esse Sr. Snow abusa de sua esposa muito mais do que Billy faz com a dele.

Visto sob esta luz, a violência de Billy vem de seus próprios problemas de auto-ódio e, diante da devassidão de Jigger e do regime totalitário do Sr. Snow, é compreensível que Julie escolha ficar com ele e defendê-lo. Não é que esta produção busque diminuir ou aprovar o elemento de espancamento da esposa; mas contextualiza-o. Todos os personagens masculinos principais se comportam mal com as mulheres que amam ou dizem amar - mas o ponto é que as mulheres os amam, os desejam e suportarão bastante. Um único tapa é um destino pior do que uma vida inteira sem consulta e interminável labuta? Julie Jordan, identificada como uma "estranha" (significando estranha, não-conformista), diz Não. Mas ela está errada?

Todos esses detalhes se desenrolam nas performances ricas: a incerteza assombrada que passa pelos olhos de Rogers; a indiferença que Montague continuamente mostra à Carrie de Taylor, apesar do seu desconforto expresso, embora às vezes cômico; o olhar atento constante de Kent enquanto avalia as possibilidades e aproveita as suas chances.

As mulheres são igualmente boas. Julie de Sutton é enigmática de todas as maneiras e isso é tudo para melhor. Suas reações não são previsíveis, mas quando ela escolhe um curso de ação, adere a ele. E tira o máximo proveito disso. Sua profunda necessidade de Billy, a alegria que sua comunhão sexual lhe traz, dá-lhe um brilho e uma alegria que é irresistível. Nada a afasta do que ela quer - ela é uma mulher que faz o que quer com quem quer. É sua fé em Billy que fornece o recado trágico da peça. Sutton canta com facilidade e com verdadeira perspicácia e charme.

A maravilhosa, animada e pressionada Carrie de Taylor é maravilhosa. Ela brilha em cada cena e tem uma energia que envolve cada canto do auditório. Ela combina ou melhora todas as interações com ela. Seu timing cômico é requintado. Ela aproveita ao máximo as oportunidades proporcionadas pelo trabalho seguro de Kent e Montague e canta com uma clareza de dicção e um calor e expressão vocal que transbordam de alegria.

Como Nettie, a figura materna prima de Julie, Amanda Minihan é mais picante, mais conhecedora, mais carnal do que qualquer Nellie que eu já vi, e seu entusiasmo e sua alegria ao abraçar essas características torna o personagem muito menos piegas do que geralmente é o caso. Sua humilhação maliciosa e alegre do Sr. Snow enquanto ele se banha é deliciosa - demonstrando que ela vê o que realmente está acontecendo com os Snows, assim como faz com Julie e Billy. Eu teria preferido um som vocal ligeiramente mais cheio em June Is Busting Out All Over, mas fiquei surpreso e encantado com sua intensamente sentida, incrivelmente sincera interpretação de You'll Never Walk Alone, tão única quanto emocionada.

Paul Hutton exalou pomposidade e moral arrogante como Bascombe, trouxe uma soberba hubris antiquado como Dr. Seldon e se destacou como The Starkeeper, investindo nele uma falta de interesse colorida e despretensiosa que adicionou, ao invés de diminuir, o mistério celestial do homem e do lugar que ele guarda. A austera, quebrada (de coração e espírito) mas altiva Sra. Mullin de Valerie Cutkin foi inspirada; claramente uma mulher outrora bela e ambiciosa, agora uma casca desesperada e bêbada ansiosa por gentileza e afeto.

O conjunto é verdadeiramente de primeira categoria. Impressionante vocalmente e dramaticamente. Suas harmonias ricas e bem cantadas são esmagadoramente boas; o final a cappella de Never Walk Alone é particularmente fino e comovente. De especial destaque está a impressionante respiração de fogo de Charlotte Gale, a graça balética de Joseph Connor e a energia constante e magnética de Anton Fosh.

A coreografia de Proud é incessantemente inventiva e resolve habilmente o "problema" do balé que é a chave para o Segundo Ato, tornando-o mais envolvente e comovente do que eu já vi. Mas a dança ao longo é excelente, os passos são inteligentes e incomuns, muito físicos e constantemente chamando atenção e recompensando pela atenção paga. As rotinas musculares para os homens dão vida nova a peças consagradas.

Não há nada aqui para não gostar e admirar. Ele é, por sua vez, de rir alto engraçado, charmoso e gracioso, cruel e implacável, terno e comovente. É abastecido com frescor, fúria e delicadeza - e apresenta de forma mais experta e precisa os altos, baixos e o cotidiano dessas pessoas cujas vidas são para sempre mudadas pelas luzes e sombras do Carousel do que qualquer produção ou versão gravada que eu tenha visto.

Há quem pensa que Carousel é o maior musical escrito no século XX. A produção de Fredericks, nas mãos e vozes deste elenco fantástico, argumenta poderosamente por que isso pode ser verdade.

Espero que ele mude de casa. Eu o veria repetidamente se pudesse. É uma conquista incrível com um orçamento minúsculo; com apoio adequado, poderia durar séculos. É melhor do que muitas produções de musicais do West End que existem por aí.