CRÍTICA: Cabaret, Studio 54 ✭✭✭✭✭

Alan Cumming em Cabaret no Studio 54. Foto: Joan Marcus Cabaret

Studio 54

17 de abril de 2014

5 Estrelas

Para muitas pessoas, algumas das grandes atuações marcantes do teatro musical são aquelas nas versões cinematográficas dos musicais de palco. No caso de Rex Harrison em My Fair Lady, Yul Brynner em The King and I e Julie Andrews em The Sound of Music, essas pessoas têm um bom argumento - embora La Andrews não tenha criado o papel de Maria Von Trapp no palco nem o tenha interpretado posteriormente. Ela foi, como outras estrelas, escolhida das possibilidades para desempenhar um papel principal em uma adaptação cinematográfica.

Claro, The Sound of Music não foi, como adaptações cinematográficas vão, tão diferente do espetáculo de palco. Outros musicais de filmes foram adaptados com menos consideração pela versão de palco que permitiu sua existência. Hello Dolly, estrelado por La Streisand, e Cabaret, estrelado por Liza Minelli, se enquadram nessa categoria: filmes bem-sucedidos e memoráveis com atuações centrais de estrelas que têm pouca semelhança com os parâmetros, necessidades fundamentais, altos e baixos do show original de palco.

A dificuldade é que esses filmes foram gravados na consciência coletiva e, portanto, talvez compreensivelmente, as pessoas que vão ver esses espetáculos no teatro esperam uma experiência semelhante. Mas no caso de ambos, Dolly Levi e Sally Bowles, o simples fato é que as personas teatrais têm pouca, às vezes nenhuma, semelhança com essas interpretações de estrelas do cinema.

Ao mesmo tempo, as músicas associadas a esses grandes personagens se tornaram clássicos e o mundo está bem acostumado a ouvir números como Maybe This Time, Cabaret e Before The Parade Passes By como grandes, entusiasmadas, performances de bravura.

Portanto, as expectativas podem atrapalhar performances impecáveis.

Mas, de fato, seria uma pessoa tola quem permitisse que tais expectativas prejudicassem seu prazer com a revigorante e simplesmente magnífica produção de Cabaret que está agora em cartaz no Studio 54 na Broadway. Dirigido por Sam Mendes e Rob Marshall, que também assume as funções coreográficas, este é um revival da produção vencedora do Tony que eles montaram em 1998. É possível que a produção original fosse melhor do que este revival, mas, exceto em um pequeno aspecto, parece incompreensível para mim que pudesse ter sido.

Pois este é delicioso, deslumbrante, delicado e deliciosamente desviante em todos os sentidos - é um Cabaret em título, forma e coração. É hilário em um momento e dolorosamente trágico no próximo. Algumas coisas são exageradas, com razão, outras são subestimadas, também com razão, mas talvez surpreendentemente, e a alegria das maravilhosas músicas de Kander e Ebb é constantemente justaposta contra o sórdido, terrível e de partir o coração destino dos personagens principais.

A encenação é compacta e precisa. Muitas vezes, o palco de madeira está vazio. A iluminação (Peggy Eisenhauer e Mike Baldassari) desempenha um grande papel em evocar respostas emocionais e as vinhetas no palco nunca são acidentais e estão sempre perfeitamente feitas. O simples holofote quase se torna um personagem no drama.

A direção não é nada menos que brilhante. O ritmo nunca diminui, mesmo nas pausas o coração da peça bate resolutamente para a frente. E a coreografia é suja, notável, fina e completamente emocionante. William Ivey Long se destaca na área do figurino: elegante e lascivo, cada traje está exatamente certo para o conceito diretorial aqui.

O conjunto parece inteiramente composto por ameaças quádruplas: talentosos atores, cantores, dançarinos e membros da banda. Eles desempenham papéis menores, seduzem o público, dançam evocativamente e tocam toda a música. Eles são fenomenais. E quando o MC diz "a orquestra é bonita", ele não está embelezando a verdade; a orquestra é fervente.

A direção musical (Patrick Vaccariello) é impecável, o equilíbrio e o tom são excelentes, a ênfase nas letras claras. O canto ao longo de todo o show é formidável, as harmonias são limpas e fortes.

Alan Cumming interpreta o MC com uma ferocidade deslumbrante. Ele está em ótima forma física e pronto para todas as exigências deste papel mais eclético. Ele improvisa maravilhosamente quando a ocasião permite e, enquanto é muito sexual e muito engraçado, ele também é capaz de grande profundidade: sua interpretação de I Don't Care, em plena performance em modo torch song e vestido com lantejoulas brilhantes, é assustadora em sua intensidade. Ao ouvi-lo, você entende o que a frase "cantar com a alma" realmente significa.

Igualmente comovente e belamente executado foi If You Could See Her Through My Eyes, entregue aqui por Cumming como se tivesse sido escrita ontem. E Two Ladies foi uma overdose sensorial cômica enquanto Cumming e uma garota e um garoto-menina brincavam e cavalgavam em pura e irrestrita malícia prazerosa.

O MC aqui está constantemente viajando pelo palco, aparecendo do escuro para criar caos ou fazer um ponto ou se juntar a uma linha de dança ou expor uma suástica tatuada em um traseiro nu ou iluminar uma questão importante. Cumming nunca para, nunca hesita, ataca o papel com entusiasmo inflexível. Ele é incrível em todos os aspectos possíveis.

Eu vi algumas maravilhosas Fräulein Schneiders no meu tempo, mas, honestamente, o que Linda Emond faz aqui com o papel é pura perfeição. Ela canta suas músicas com surpreendente poder vocal (quem diria que ela tinha uma voz cantada tão forte e treinada?) e é hábil em retratar a tristeza inerente do personagem e a tremenda possibilidade de felicidade que vem e então é cruelmente tirada dela. Sua impecável e desolada interpretação de What Would You Do? é, em todos os aspectos, deslumbrante. Triunfante.

Como Herr Schulz, Danny Burstein é simplesmente maravilhoso. Genial e esperançoso, seu amável judeu alemão é um puro deleite. Ele fornece a espinha dorsal do horror emocional da noite e faz isso sem falhar. O momento no final do Ato Um quando seu mundo desmorona enquanto os nazistas se aproximam e sua herança é revelada é impressionantemente eficaz, sublinhado pela melancólica Tomorrow Belongs To Me.

Os dois papéis mais problemáticos do show são Cliff e Ernst, mas esta versão do roteiro suaviza as arestas desajeitadas do roteiro original e, nas mãos de dois atores talentosos e encantadores, eles se tornam mais do que cifras. Bill Heck é um Cliff bissexual viril, atormentado por sua carreira e sua incapacidade de escrever, mas encantado pelo mundo que o Kit Kat Klub oferece. Ele traz uma segurança sofisticada para seu relacionamento com Sally e, ao mesmo tempo, estabelece um verdadeiro vínculo com o alemão Ernst.

Aaron Krohn é excepcional como Ernst e apresenta de verdade a verdadeira dicotomia da ascensão dos nazistas: ele é um alemão comum, patriótico e sensato, que adere à retórica e ideologia do partido. Porque Krohn faz de Ernst cativante em vez de nojento ou manipulador, o profundo horror de sua afiliação nazista é intensamente sentido. Como Fräulein Schneider sente, assim também o público. E tudo isso nos ajuda a entender Cliff.

Gayle Rankin não acerta todos os pontos como Fräulein Kost, mas acerta a maioria deles. Talvez seja apenas a qualidade dos outros membros do elenco, mas há algo pontiagudo e desconectado em sua performance. No seu ponto mais alto, porém, isso é apenas uma pequena observação.

Do elenco, há um trabalho particularmente bom de Leeds Hill (Bobby), Dylan Paul (Victor), Kristen Olness (Helga), Kayleigh Cronin (Lulu) e Evan D. Siegel como Rudy. Cada um traz uma qualidade especial e luminosa ao seu trabalho - é difícil tirar os olhos deles.

Como Sally Bowles, Michelle Williams brilha com energia incandescente e fragilidade trêmula; ela é impecável em todos os aspectos.

Sally Bowles é uma artista de segundo escalão, uma refugiada inglesa sobrevivendo em Berlim graças a patrocinadores lascivos e companheiros de performance devassos. Como personagem no show de palco, ou do romance original de Isherwood, ela não é a sereia ardente criada na tela por Liza Minelli, falha como personagem mesmo que indubitavelmente fosse.

Não.

Sally Bowles não canta realmente bem, ela não dança realmente bem e ela é uma figura quebrada, perdida, semelhante a uma boneca, acostumada a maus-tratos. Ela tem sonhos, mas ela se sabota. Enquanto ela pode brilhar intensamente, ela sempre se apaga.

Williams captura essa personagem exatamente. Ela é totalmente inglesa, quase uma flapper fugida enlouquecida. Petulante, decadente e escandalosa, ela personifica indulgência consigo mesma e determinação isolada.

Suas voltas em Don't Tell Mama e Mein Herr foram verdadeiramente divertidas - engajamento total com a aspirante a diva. Perspicazmente, e com um imenso efeito dramático, ela transforma Maybe This Time em um lamento introspectivo, cheio de dor, desejo e a expectativa de decepção. Este não é um hino estridente - é um grito do coração, um desejo por envolvimento real, um reconhecimento da loucura que é a vida. É magnífico.

Mas a verdadeira surpresa vem no número das onze horas, a música-título: Cabaret. Williams aborda essa música de uma perspectiva nova e única. Torna-se tão catártica para sua Sally quanto Rose's Turn é para Momma Rose em Gypsy. Foi como se a música nunca tivesse sido ouvida antes: cada nota pulsava com arrependimento e dor e raiva. Uma performance totalmente original. Ouvi-la cantar sua alma nesta canção será uma das grandes experiências já encontradas em um palco da Broadway.

E seus olhos...o olhar angustiante em seus olhos enquanto lembrava de Elsie e então se revoltava contra seu destino...totalmente hipnotizante.

Williams entregou uma performance monumental aqui - uma que é bem pensada, totalmente crível, frágil, decadente e gravada em infortúnio e desespero.

Ela é, sem dúvida, a melhor Sally Bowles que eu já vi ou ouvi.

Desculpe Dame Judi.

Esta é, de longe, a melhor versão de Cabaret que eu já vi. Faça qualquer coisa para vê-la.