CRÍTICA: Blood Knot, Orange Tree Theatre ✭✭✭

Tim Hochstrasser analisa a peça Blood Knot de Athol Fugard, agora em exibição no Orange Tree Theatre, Richmond.

Kalungi Ssebandeke e Nathan McMullen em Blood Knot. Foto: Richard Hubert Smith Blood Knot

Orange Tree Theatre

13 de março de 2019

3 Estrelas

Reserve Ingressos Esta é uma das várias reposições de Athol Fugard destinadas a comemorar vinte e cinco anos desde o fim do regime de apartheid na África do Sul. Blood Knot é, efetivamente, a primeira peça de Fugard datando de 1960, e um marco pelo fato de ser a primeira vez em que atores negros e brancos subiram ao mesmo palco. Pode-se facilmente ver as origens de temas e tropos que foram desenvolvidos mais tarde no trabalho de Fugard, e como documento histórico, esta peça é sem dúvida importante. No entanto, como drama, ela é desajeitada e datada com diálogos demasiadamente soltos e uma política racial que teria sido ousada e corajosa nos anos 60, mas que hoje soa um tanto grosseiramente desenhada. Um sinal de quanto esse ponto de vista progrediu é a polêmica que recentemente ocorreu nos EUA sobre a escolha de um ator branco para um papel que, nesta peça, é escrito como mestiço. O que foi inovador para o próprio Fugard agora é considerado inaceitável.

Kalungi Ssebandeke e Nathan McMullen em Blood Knot. Foto: Richard Hubert-Smith

A ação se passa em uma miserável favela fora de Port Elizabeth, recriada pela designer Basia Binkowska com tiras de ferro ondulado ao redor do teatro em formato de arena que é o Orange Tree. Duas camas, um fogão primus e alguns pertences simples revelam ser esta a casa de dois irmãos, Morrie e Zach, ambos membros da comunidade mestiça do Cabo – compartilhando a mesma mãe, mas com dois pais diferentes. Morrie pode passar por branco, enquanto a aparência de Zach é visivelmente negra. A peça parte e finaliza pelo ponto incontornável dos julgamentos da sociedade do apartheid com base nas origens raciais e seu efeito corrosivo em todos os envolvidos, mesmo aqueles que não estão entre os piores colocados na sociedade.

Zach financia suas vidas com um trabalho cansativo e degradante como carregador e segurança, enquanto Morrie mantém a casa de forma meticulosa, tentando economizar seus escassos recursos para que possam deixar a favela e comprar um terreno em outro lugar. Zach busca escape através da bebida e mulheres e eles chegam a um compromisso de encontrar uma correspondente para Zach, proporcionando-lhe uma saída romântica. No entanto, é Morrie, como o educado, quem escreve as cartas românticas. Os eventos começam a se descontrolar quando fica claro que a destinatária não está apenas interessada em correspondência, mas também é branca e, portanto, perigosamente – para eles – fora de alcance. Eles decidem que Morrie será quem a encontrará, usando um terno novo e elegante no qual gastaram suas economias.

Kalungi Ssebandeke em Blood Knot. Foto: Richard Hubert-Smith

Até esse ponto, a ação, embora muitas vezes um pouco lenta, exibe um realismo envolvente salpicado de humor, habilmente interpretado pelos dois talentosos atores. Os sotaques sul-africanos são plausíveis, há muita movimentação e fluxo pelo palco e um bom senso de ritmo. Você percebe o excelente trabalho do diretor Matthew Xia, que possui vasta experiência em dirigir este autor. Acredite nos personagens como irmãos. Nathan McMullen convence totalmente como o meticuloso e organizado Morrie, desesperado pela aprovação do irmão e com suas energias focadas em um sonho de outra vida. Kalungi Ssebandeke interpreta Zach com um charme indiferente, recusando-se a ser abatido pela rotina de sua vida diária e com uma linha autoconfiante em possibilidades escapistas. Há também alguns toques encantadores da equipe criativa, acima de tudo na magnífica paisagem sonora criada por Xana, que gera um conjunto muito plausível de ruídos para o exterior africano ao lado de ruídos sintetizados para adicionar tensão e atmosfera.

Nathan McMullen em Blood Knot. Foto: Richard Hubert-Smith Mas, na meia hora final, o tom muda marcadamente e somos levados a uma jornada que, por mais verdadeira que possa ser para a época, não convence de forma adequada como uma transição dramática. Envolvendo-se em papéis que começaram originalmente como parte de suas experiências infantis, a repulsa dos irmãos um pelo outro é revelada. Morrie não pode perdoar seu irmão por lembrá-lo de suas origens mestiças, e uma vez vestido como um homem branco, gera uma prepotência de superioridade racial. Zach também tem pouco tempo para o irmão uma vez que as aparências são desfeitas. Agora, o papel insidioso da ideologia racista ao criar diferentes camadas das estruturas sociais uns contra os outros e corrompendo aqueles que são, eles mesmos, vítimas do sistema, é bem conhecido. Mas este longo papel final ultrapassa seu tempo de boas-vindas e parece essencialmente inautêntico, colado a um drama naturalista desenvolvido até então em um ritmo tranquilo e pausado. Parecia que Fugard havia passado tempo demais lendo Samuel Beckett antes de escrever a peça e nunca a digeriu completamente. A energia e a intensidade emocional criadas nas primeiras cenas do segundo ato dissipam-se apesar dos heroicos esforços técnicos dos dois performers. Um exemplo muito melhor controlado e plausível de como a questão racial torceu e distorceu a vida das pessoas comuns, fazendo de todos um tipo de vítima, está atualmente em exibição em A Lesson from Aloes no Finborough.

Em última análise, esta é apenas uma escolha estranha de peça. Em toda a vasta produção de Fugard, há muitos dramas excelentes esperando para serem revividos que teriam proporcionado uma comemoração igualmente boa ou mais apropriada dos vinte e cinco anos desde o fim do apartheid. Não se pode culpar a qualidade dos atores e da produção que os exibe, mas se fica imaginando o que eles poderiam ter alcançado com material mais maduro e cuidadosamente elaborado pelo mesmo autor.

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