CRÍTICA: Bad Jews, St James Theatre ✭✭✭✭

Bad Jews transfere-se para o Theatre Royal Haymarket por 6 semanas de 8 de Fevereiro a 19 de Março. RESERVE AGORA Bad Jews St James Theatre

22 de Janeiro de 2015

4 Estrelas

Três de quatro são judeus. O irmão mais novo parece doce, com cabelo que implora para ser despenteado, e uma visão simples sobre a vida e avesso a confusões ou discórdias. A prima é combativa, impetuosa, argumentativa, cruel, confrontadora, sarcástica e arrogante a ponto de histeria - e não é loira nem convencionalmente atraente. O irmão mais velho é o típico macho alfa, acostumado aos atrativos da riqueza, meticuloso e autoritário, um colecionador de namoradas-troféu. Sua namorada mais recente é bonita, simples e de bom coração - e muito loira.

Ou assim parece.

Um é um fantasista que se esconde atrás do zelo religioso e da tradição para esconder as rachaduras em sua vida e criar uma persona que possa trazer consolo e significado à sua existência infeliz. Outro é um crente em segredo, um adepto da tradição sem ostentar. Outro é de coração generoso e mente aberta, disposto a ver todos os lados. Outro é o tipo de pessoa que usa a religião como uma ferramenta sempre que serve a um propósito particular.

A questão é qual dos quatro personagens, três aparentados e um não, possui qual característica subjacente?

Bad Jews, de Joshua Harmon, agora em cartaz no St James Theatre, após uma temporada bem-sucedida no Ustinov Theatre em Bath, é anunciado como uma nova comédia. Não é nada disso.

O que é, no entanto, é uma peça tensa, esticada e bem escrita, com muitas risadas, algumas muito desconfortáveis, que examina de perto o papel da religião na América moderna - especificamente o Judaísmo, mas há uma universalidade na obra que deve tocar qualquer um que já teve um parente que aderiu a uma fé particular.

O enredo é simples o suficiente. O avô morreu. O filho mais novo e a prima compareceram ao funeral, mas o filho mais velho e sua namorada perderam-no. Eles retornam do exterior na noite do funeral e descobrem que têm que dividir um pequeno estúdio no Upper West Side de Manhattan com o irmão mais novo e a prima, que estão lá há dois dias.

A prima quer o "chai" do avô, um relicário religioso feito de ouro que ele conseguiu manter longe dos nazistas por dois anos enquanto a Segunda Guerra Mundial fervia. O testamento do avô não especifica quem deve recebê-lo, e a mãe dos irmãos sugeriu que eles e a prima resolvessem isso. O irmão mais velho quer o "chai" e é enfático que a prima não deve tê-lo.

Dá-se início a discursos amargos, selvagens e profanos entre a prima e o irmão mais velho sobre um ao outro, a atitude de cada um em relação à religião e o "direito" de cada um ao relicário. O irmão menor e a namorada são arrastados para a disputa e sofrem danos colaterais consideráveis, às vezes em silêncio, às vezes não. Eventualmente, há agressão física real e danos irreparáveis são causados. Nos momentos finais, há uma reviravolta deliciosa que sublinha a total loucura das tiradas áridas e tendenciosas que formaram o grosso da peça.

Harmon escreve diálogos viscerais sem medo e com fervor potente. Os personagens são claramente definidos por seu discurso e cada um parece real, acessível - possivelmente alguém que você possa conhecer. Há várias surpresas reais ao longo do caminho e pouco acaba como parecia inicialmente. É uma peça de escrita perspicaz e inteligente.

É também um exercício de indiferença misógina. Nenhum personagem feminino sai bem desta peça. A avó morta é "uma megera". A mãe invisível dos rapazes é, no mínimo, duvidosa, no pior dos casos uma tia chocante. A namorada se revela tão interesseira e fraca quanto a prima, embora por razões diferentes, e nenhuma delas vive à altura de sua própria publicidade. A prima é revelada como uma completa fraude; uma megera cruel e insensível que grita e esbraveja até conseguir o que quer e depois desmorona em um sopro de covardia. Por que as personagens femininas devem carregar esses fardos?

Especialmente quando o irmão mais novo, embora um pouco covarde em alguns aspectos, é o melhor personagem, o que ama e respeita todos, o que pode oferecer a outra face, o que sente falta de seu avô porque ele era seu avô, não por causa do que sua morte o dá direito de receber. E o irmão mais velho, embora tão vil de língua quanto a prima, é posicionado para ser favorecido pelo público por causa de sua entrada posterior e da maneira como seu "justo" pedido pelo "chai" é imbuído de romance e de seu lugar como neto mais velho.

Na busca de capitalizar a comédia inerente às caricaturas do povo judeu americano, Harmon utiliza noções da sociedade patriarcal para sublinhar seus pontos. A peça poderia ter funcionado igualmente bem com um irmão e uma irmã, um primo masculino e um namorado bobão? - quase certamente.

No entanto, o diretor Michael Longhurst faz o possível para evitar esses problemas com um elenco excelente, e um conjunto energizado e focado de atuações que veem os altos, baixos e longas, longas pausas de desconforto atacadas com entusiasmo. Mesmo quando você está se contorcendo, ou temendo o próximo momento, ou percebendo o que acabou de acontecer e o que isso significará (o que acontece bastante), você nunca deixa de estar na sala com os personagens, sentindo a tensão, a dor e o constrangimento.

A melhor e mais completa atuação é de Joe Coen que interpreta Jonah, o irmão mais novo. Ele tem menos falas do que os outros, mas está constantemente no palco, sempre observando, reagindo, antecipando, tentando manter a paz. Sua disposição gentil contrasta maravilhosamente com os primos em guerra e sua capacidade de comunicar, não verbalmente, seu desgosto, medo ou alarme é exemplar. Seus momentos finais são lindamente julgados.

Como a antagonista e agressiva Daphna, Jenna Augen é uma nuvem de trovão vitriólica de ódio reprimido e escondido, ciúme e angústia, enquanto ao mesmo tempo demonstra um espírito afiado, uma inteligência aguçada e tenaz e uma capacidade infinita de ciúme e dor. É uma performance maravilhosamente complexa e intrincada. Daphna é uma personagem difícil de amar, mas Augen nos permite ver por que ela deve ser tolerada, talvez até admirada. Dado o texto, isso é uma habilidade real.

Ilan Goodman é excelente como o cretino de direito, Liam. Seu desprezo por Daphna é tão palpável quanto seu amor/desejo pela desamparada Melody sobre quem ele impõe as guerras internas de sua família. Mas Goodman se destaca ao caminhar na linha da intimidação frenética e da fúria indignada, apresentando um personagem que é desagradável mas compreensível e que, pelo menos ocasionalmente, tenta acalmar as águas e ser uma pessoa melhor. Novamente, dada a acidez aparente no texto, Goodman brilha em alcançar esse nível de empatia.

Como a assustada, deslumbrante, loira não-judia, Melody, Gina Bramhill está bastante soberba. Sua versão hesitante e terrível do 'Summertime' de Gershwin é um momento de beleza cruel e cômica. Ela convence como a intrusa confusa, a menina apaixonada por Liam, e então como alguém que não era exatamente o que parecia ser. Bramhill é doce, digna e absolutamente gloriosa.

O cenário de Richard Kent é soberbo, evocando completamente a sensação de riqueza implícita em um apartamento estúdio no Upper West Side que provavelmente custa mais de $1 milhão. É elegante e completamente perfeito em termos de layout e sensação. Você está completamente e autenticamente transportado para Manhattan.

Se há uma falha séria na produção, está na cena de luta chave que ocorre no final da peça. A realização de Bret Yount dessa cena chave – e horrivelmente perversa – não é tão realista quanto precisa ser, o que dilui a eficácia geral da obra. A briga entre todos os quatro atores precisa ser realista e dolorosa de suportar – e não é. Isso não é uma questão de os atores falharem, mas sim de Yount não ter apresentado o resultado esperado. É o momento chave da peça e merece algo melhor.

Parabéns ao St James por trazer a produção de Longhurst de Bath. Esta é uma excelente noite de drama familiar ácido que faz você rir, arrepia até os ossos e deixa você com muito para refletir depois.

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