CRÍTICA: Annie, Teatro Piccadilly ✭✭✭

Miranda Hart e as meninas de Annie. Foto: Paul Coltas Annie

Teatro Piccadilly,

4 de junho de 2017

3 Estrelas

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Miranda Hart é o grande atrativo nesta revivificação animada e colorida do eterno favorito das crianças e famílias sobre a garotinha fofa com a grande canção repetida sem parar. Embora ela possa não saber atuar, cantar ou dançar de uma maneira reconhecível de 'teatro musical', ela agrada ao público toda vez que pisa no palco e presumivelmente fará o suficiente para trazer a venda de ingressos que esta produção procura até que uma oferta melhor apareça.

Nikolai Foster é o diretor artístico do Curve Leicester e o diretor desta produção; e é sua missão declarada fazer de sua base o lar do grande teatro musical. Como - exatamente - essa revivificação se encaixa nesse grande plano, deixarei para ele explicar, mas existem vários teatros de produção em todo o país que poderiam ter criado esta encenação. Os designs de Colin Richmond (cenários e figurinos) são uma explosão de cores divertidas, muito anos 50 em estilo, embora o show esteja firmemente enraizado na Depressão dos EUA: você terá que decidir por si mesmo como todas essas peças de quebra-cabeça se encaixam (a) juntas e (b) pertencem à América de Roosevelt e do New Deal. Ben Cracknell ilumina tudo de maneira vantajosa, na ordem em que faz sua entrada ou saída do palco, e - tenho certeza - em estrita conformidade com os desejos do diretor. Nick Winston coreografa os números musicais com insistência energética: o modesto coro de pequenos orfãzinhos certamente dá tudo de si, transformando seus números no ponto alto teatral do show; os adultos, entretanto, embora muitas vezes encantem, às vezes podem parecer um pouco mais sisudos e reprimidos. Isso pode ser deliberado, mas - bem - isso não é Clifford Odets.

Djalenga Scott (Lily), Jonny Fines (Rooster) e Miranda Hart (Miss Hannigan) em Annie Foto: Paul Coltas

Foster percorre o roteiro de forma fiel e disciplinada - ele parece gostar de enfatizar a coragem das meninas, seu otimismo incessante e sua simplicidade, mas não parece haver nada particularmente imaginativo ou memorável no que ele faz com elas ou com qualquer outra pessoa. Além disso, dada a dependência econômica do show na performance central de Hart, isso parece uma pena: pode-se pensar que ela, como novata no teatro musical, poderia ter sido ajudada por ter uma produção melhor adaptada para mostrar o que ela pode fazer - criar um vínculo maravilhoso com o público - e não chamar tanta atenção para áreas onde ela é menos habilidosa.

Após Miranda, entretanto, o próximo grande trunfo deste entretenimento é a magnífica coleção de canções de Charles Strouse (música) e Martin Charnin (letras). Não soa realmente como uma 'trilha sonora' unificada e moderna, mas soa muito como tantos esforços de época por grandes compositores e letristas elegantes e literados. No entanto, as orquestrações e arranjos musicais de George Dyer nos lembram da época relativamente recente da obra: ela irrompeu na cena em meados dos anos 70, e há muita coisa aqui que tem o estilo confiante e atrevido do showbiz da era disco. (Pensando bem, talvez aquelas peças de quebra-cabeça sejam sobras de algum especial de TV da época?)

l-r Ruby Stokes (Annie) e Alex Bourne (Daddy Warbucks) em Annie Foto: Paul Coltas

O roteiro de Thomas Meehan resistiu muito menos bem ao tempo: as transições entre diálogo e música às vezes funcionam de forma eficaz, mas ocasionalmente parecem um pouco forçadas e desajeitadas; tudo serve de razão para uma intervenção gentil de um diretor para suavizar os pontos ásperos. E o script ainda permite que 'Tomorrow' seja exagerado. Totalmente. O 'reprise ultimo' que finalmente encerra a sessão é realmente como bater o último prego em seu caixão. Seja como for, não há nada - não, nem todas as travessuras e sorrisos fixos de toda a companhia - para impedir que Alex Bourne roube o show com sua brilhante interpretação do solo do segundo ato de Daddy Warbucks, 'Something Was Missing'. Há uma certa justiça poética nisso: como agradecimento por sua maneira sólida de atuar, é ele quem consegue encontrar profundidade emocional convincente no único número realmente sincero de todo o 'Annie Songbook'.

As meninas, e são 21 no total, foram claramente selecionadas por sua habilidade de projetar linhas claramente articuladas até o final do Upper Circle (cortesia do design sonoro enfático de Richard Brooker), e o fazem com sotaques uniformes do 'General American' que soarão tão plausíveis para os ouvidos ingleses quanto parecerão divertidos para os americanos autênticos. Estou certo de que todas elas foram para as melhores escolas de teatro, onde foram treinadas em automatas eficientes que produzirão exatamente os mesmos resultados todas as vezes. São o tipo de crianças que a maioria dos pais pagantes admirará enquanto o show durar, enquanto secretamente agradecem que seus próprios filhos nunca sucumbirão a tal destino. Isso não quer dizer que nenhuma delas desenvolverá algum tipo de personalidade verdadeira no futuro: mas agora todas elas apenas podem ser marionetes obedientes. E, lembre-se, isso não é 'Matilda', enquanto as meninas são permitidas alguma 'irreverência' juvenil, elas não costumam defender seu próprio terreno. A comparação é útil: na história de Dahl, a heroína usa sua inteligência e transforma sua própria casa; nesta narrativa, a heroína precisa fugir de seu passado e usar seu charme feminino imaturo para se refugiar em um mundo adulto dominado pela riqueza e pelo privilégio.

O resto do elenco preenche as lacunas. Sua hora mais gloriosa é, sem dúvida, a alegre abertura do segundo ato: aqui Foster está em seu melhor, e faz um trabalho realmente bom com a pastiche sombriamente crível, 'You're Never Fully Dressed Without A Smile': um hino positivamente Nathaneal West para a exploração comercial de crianças (o grito de alma deste musical, com certeza?). Aqui, supervisionado pelo untuoso Bert Healy (uma virada energeticamente ágil de Bobby Delaney), somos instados, como apenas um musical da Broadway realmente 'sincero' pode nos exortar, a nos abandonarmos ao culto de um tipo de pasta de dentes. Aqui, temos um vislumbre do que o show poderia ter sido. Em outro lugar, Franklin D aparece - quero dizer, por que não? - presidindo seu gabinete, sem conseguir ir a lugar algum ao tentar governar Aquela Grande Nação Deles, incapaz de formular qualquer tipo de política significativa até que Nossa Annie é empurrada sobre eles, e distribui mais uma dose sólida de 'Tomorrow' (como Macbeth poderia dizer: ... 'e amanhã, e amanhã'). Então - eureka! - Roosevelt (na forma amável e sorridente de Russell Wilcox, ziguezagueando pelo palco em sua cadeira de rodas como Bette Midler em 'Art Or Bust') cunha a frase que definiu sua era. Acho que a Pequena Órfã Annie teria que voltar e cantar 'aquela' melodia para ele algumas vezes mais, para que ele pudesse trabalhar todos os detalhes, e tudo mais. Mas você entendeu a ideia!

Nesse ambiente, e contra tais probabilidades, deixo ao leitor pensativo imaginar com quanta eficácia qualquer membro do elenco pode realmente esperar estabelecer algo parecido com uma 'caracterização' crível. Os vilões, Lily (Djalenga Scott) e Rooster (Jonny Fines), fazem o que podem com a trama de papelão imposta a eles por Meehan, e a Garota Dourada Grace Farrell (Holly Dale Spencer) faz seu doce trabalho de parecer simultaneamente sexy e materna. E assim por diante.

Deixando todas essas críticas de lado, há pouca perspectiva de este show não agradar a um público jovem e pouco exigente. Os fãs de Miranda, também, verão diante de seus próprios olhos sua interpretação de uma atriz em uma comédia musical, mas talvez não a considerem entre seus sucessos mais notáveis. Como artista, em seu melhor, ela pode encontrar grande verdade em sua comédia. Este show, possivelmente, não está exatamente nesse nível. É brilhante, é alegre, é divertido. Mas talvez Hart só precise de um pouco mais de experiência nos palcos antes de realmente se destacar ali também.

Ah, e mencionei o cachorro? Tem um cachorro. E Natal. E - acho - vi uma freira de relance.

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