REVISÃO: Aida, Opera Holland Park ✭✭✭

Heather Shipp como Amneris e Peter Auty como Radamès. Foto: Robert Workman Aida

Opera Holland Park

19/07/15

3 Estrelas

Música ou teatro escritos para ocasiões especiais tendem a permanecer exatamente isso – ocasionais. Adequados para aquele evento, mas não possuindo poder de permanência suficiente ou vida artística independente para merecer outras apresentações. Embora existam exceções, Aida de Verdi permanece como uma lição notável e ainda relevante de como criar um espetáculo emocionante, que ao mesmo tempo possui um drama interno complexo com poder para emocionar e não apenas impressionar. Qualquer produção bem-sucedida requer que ambos os aspectos funcionem igualmente bem e se alimentem mutuamente: musicalmente isso ocorreu no Holland Park, mas os valores de produção nem sempre foram úteis.

Esta ópera quase não aconteceu. No final da década de 1860, Verdi estava mais focado na administração de sua propriedade do que na composição, e foi necessária uma grande quantia do Quediva do Egito para convencê-lo a aceitar a encomenda para a inauguração da Ópera do Cairo. Mas, uma vez comprometido, ele usou a estrutura do libreto de Ghislanzoni para canalizar algumas de suas reflexões mais impressionantes sobre os conflitos entre valores individuais e comunitários, a tirania do clero e aquele tema perene em toda a sua obra – pais e filhas. Enquanto a ópera é famosa, se não infame, pelo triunfalismo estridente dos coros no segundo ato, essa reputação é desmentida pela maioria da escrita, que é da mais extrema delicadeza tanto na linha vocal quanto na paleta orquestral. Esta combinação diversa é ainda mais difícil de realizar em um cenário semi-ar livre, mas a Opera Holland Park tem agora uma grande experiência em tirar o máximo proveito de seu ambiente, e o desafio desses contrastes práticos foi bem atendido nesta produção.

Gweneth-Ann Jeffers como Aida e Peter Auty como Radamès. Foto: Robert Workman Apesar de sua fama e importância no cânone, Aida não é apresentada com tanta frequência, certamente em Londres. Presumivelmente, uma grande parte da explicação reside nos custos envolvidos, seja em pessoal ou no custo de figurinos, cenários e adereços faraônicos associados. A ideia de uma produção não suntuosa é simplesmente inviável. Mas também parece haver um grau de reserva e incerteza sobre o estilo apropriado a adotar. Deveria o orientalismo do original ser colocado de lado ou desafiadoramente adotado? Uma intervenção direcional decisiva é essencial aqui, e nesse aspecto o diretor Daniel Slater, até certo ponto, hesita na questão. Começamos em um ambiente moderno e, em seguida, movemo-nos gradualmente para uma representação muito mais tradicional e direta, com a transição entre os dois nunca tornando-se dramaticamente explícita. Embora isso não diminua significativamente os muitos prazeres e recompensas da noite, a ópera mereceu e teria se beneficiado do voto de confiança de um claro compromisso com uma única visão governante, de qualquer tipo e caráter, tradicional ou subversivo.

A fachada sobrevivente e mock-Jacobino da Holland House fornece um pano de fundo arquitetônico adequado e grandioso para uma plataforma de palco povoada por três estátuas egípcias de deuses em tamanho real em pedestais – o designer Robert Innes Hopkins nos coloca em uma galeria de museu, com uma recepção opulenta de gala em andamento, organizada por Amneris (Heather Shipp) e seu pai, o Rei (Keel Watson), e com Ramfis (Graeme Broadbent) como mestre de cerimônias. A inevitável bebida derramada fornece uma deixa para Aida (Gweneth-Ann Jeffers) entrar trajando roupas de limpeza e um olhar significativo entre ela e Radames (Peter Auty), presenciado por Amneris, dá início à trama. O tema da festa do museu que sai do controle continua pelo menos até o final do segundo ato, enquanto Radames é armado para o combate com um conjunto de armadura histórica, e os funcionários do museu surgem como os prisioneiros etíopes. A cena do triunfo é decorada com jóias e tesouros aparentemente saqueados de outras partes da coleção do museu, e uma orgia se desenvolve alimentada por previsíveis pós brancos e chuvas de notas bancárias. As coisas se acalmam quando chegamos à ‘Cena do Nilo’, julgamento final e entombamento. Aqui a produção finalmente sai do caminho e permite que os confrontos entre Aida e seu pai, e Radames e Amneris alcancem todo seu peso emocional e liberdade dramática antes de uma tocante reunião final entre Radames e Aida. Não se podia deixar de pensar, no entanto, que houve uma oportunidade perdida ao não se dar mais ênfase ao desgosto de Verdi pelo clero que governa o Egito. O anticlericalismo e a necessidade de separação clara entre igreja e estado é um tema dominante do quarto ato e, de fato, de toda a vida artística de Verdi. Enquanto Heather Shipp como Amneris conseguiu transmitir a mensagem de maneira poderosa no palco, é lamentável que a produção não tenha feito referência a este tema importante de forma mais claramente.

Graeme Broadbent como Ramfis e Keel Watson como o Rei. Foto: Robert Workman

Em meio a todas estas mensagens misturadas, os valores musicais da apresentação foram, no entanto, muito bem projetados. A Sinfonia da Cidade de Londres sob a batuta do maestro Manlio Benzi teve uma excelente noite. Os metais têm muito trabalho a fazer tanto no palco quanto fora dele, seja triunfante ou sombriamente ominoso, e todos esses obstáculos foram superados com elegância. Em outros lugares, houve toda a mordida e peso que se podia pedir nos momentos cerimoniais, e muitos solos delicados e interlúdios em estilo de câmara para equilibrá-los. Benzi foi muito sensível às necessidades de seus cantores ao marcar o acompanhamento, embora alguns dos coros tenham sido executados em uma velocidade vertiginosa que parecia pressionar a todos um pouco mais do que a partitura exige. No papel-título, Jeffers foi mais impressionante do ponto de vista vocal, com linhas delicadas bem elaboradas nas cenas íntimas e a capacidade de se elevar acima dos outros cantores e da orquestra quando necessário. Sua personalidade dramática foi um pouco recuada no início, mas ela se destacou nos dois últimos atos, e especialmente no maravilhoso e apaixonado dueto com o seu pai, o rei etíope Amonasro (Jonathan Veira), que fez valer cada nota em seu papel relativamente pequeno. Peter Auty estava indisposto na noite e apenas atuou no papel de Radames, com um cantor substituto na orquestra. Isso foi menos prejudicial para a credibilidade dramática do que poderia se esperar, dada a qualidade do suplente e a plausibilidade comprometida da atuação de Auty. De alguma forma, o personagem mais interessante da ópera é Amneris, que experimenta os dilemas mais extenuantes e cuja vida interior vislumbramos mais acentuadamente do que é o caso com os outros papéis principais. Ela é a personificação do conflito entre a preferência individual e o dever para com o estado, e no final, a porta-voz do que Verdi quer que nós, no público, sintamos e pensemos. Depois de um início um pouco lento, Heather Shipp trouxe estas dimensões de forma poderosa com sua forte personalidade de palco e tom heroico ainda que plangente. Keel Watson e Graeme Broadbent atuaram como contrapesos poderosos para ela e deram atuações fortemente caracterizadas e detalhadas como faraó e sumo sacerdote. Em um trabalho que depende mais do que o habitual de uma contribuição coral forte, o Coro da Opera Holland Park, com mais de trinta componentes, fez um trabalho excepcionalmente bom, não apenas vocalmente, mas em coreografia e movimento de palco inventivo e flexível, pelo qual a diretora de movimento Maxine Braham deve receber o devido crédito.

Esta é uma ópera muito grande que pode suportar muitas interpretações diferentes. No entanto, não há espaço para compromisso. Em última análise, ela tem que ser feita de maneira direta e com absoluta convicção de que os temas com os quais ela lida são tão importantes para a nossa cultura agora quanto eram para Verdi na década de 1860. Ou, se o cenário tradicional for considerado levantar muitas questões perturbadoras ou estiver além do orçamento para ser realizado, então é necessária um cenário alternativo totalmente pensado. Apesar de suas notáveis virtudes musicais, visuais e dinâmicas, esta produção nunca chega a fazer a escolha final, e se há um princípio que essa história representa de forma inescapável, então é a necessidade de tomar uma posição e mantê-la até o amargo fim.

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