CRÍTICA: Abyss, Arcola Theatre ✭✭✭✭

Abyss

Arcola Theatre Studio 2

4 Estrelas

Muitos anos atrás, visitei Berlim logo após a queda do muro. Sempre tive interesse nas casas e locais de trabalho de escritores e compositores, então, após visitar os pontos turísticos mais óbvios, decidi visitar o Museu Brecht-Weigel, onde o famoso casal do teatro da DDR passou seus últimos anos. Era uma época deprimente para ir: o financiamento para o museu e o próprio Berliner Ensemble estava em dúvida, e o leal curador não era pago há meses. No entanto, a casa em si ainda falava eloquentemente sobre as contradições de seu famoso dono. As peças e ensaios que procuraram provocar o público a pensar de forma nova sobre o papel social do teatro e banir a dependência cansada da mera narrativa e do desenvolvimento textual de personagem - tudo isso estava em exposição, com certeza. Mas quando você entrava no austero quarto de Brecht, ali, para meu espanto, acima da estreita cama de solteiro, havia uma longa fila de romances de bolso já bem manuseados, faroestes e ficção de detetive, guardados como um esconderijo secreto de bombons, como um tributo de folga à primazia da trama. Esta experiência veio à tona em minha mente durante a recente temporada de ABYSS no Arcola, Studio 2, onde a questão do papel da narrativa versus emoção abstrata está muito em evidência. Esta peça começou há alguns anos no Deutsches Theater, em Berlim, como Brandung. Ainda está em cartaz lá também, mas nesse meio tempo também se mudou para Toronto com algumas revisões, e de lá agora para Londres. Adquiriu algum preenchimento narrativo extra ao longo do caminho, mas ainda é essencialmente uma peça de teatro regisseur onde o foco é mais em transmitir os estados emocionais dos performers através do movimento, som e texto, tanto ou mais do que através do texto, que em qualquer caso é mais incantatório do que expositivo. A questão chave, portanto, é quão bem-sucedida é a peça nesses termos: essa auto-limitação é capacitadora e reveladora, ou restritiva e empobrecedora? A resposta, como frequentemente acontece, não é clara.

O espaço retangular do Studio 2 é configurado de forma simples, com três blocos de assentos, uma parede de lâmpadas suspensas nos encarando, e uma grande mesa no meio do espaço. Duas barras de trapézio estão suspensas de cada lado no teto. A mesa é de muitas formas o ponto central da ação, usada de forma flexível para cenas de conflito, reconciliação e como um local de refúgio e sacrifício estilizado. Há uma grande quantidade de movimento impressionantemente elaborado explorando todas as dimensões do espaço que produz tableaux de poder dramático e concentração poética que seriam assim se estivéssemos simplesmente testemunhando uma instalação artística em vez de uma peça. As lâmpadas na parede de fundo pulsar e diminuem em diferentes combinações como um comentário mudo sobre, e intensificação ou música de ambiente para a ação. Grande crédito pertence à diretora de movimento, Anna Morrissey, e ao designer de iluminação, Ziggy Jacobs, nesses aspectos.

Há três atores e quatro personagens, alguns deles mais em busca de um autor do que outros. A figura do narrador, que é anônima, (Nicola Kavanagh) está compartilhando um apartamento em uma cidade alemã não nomeada com sua irmã, Sofia, (Jennifer English) e um homem de ascendência sérvia e croata, Vlado, (Iain Batchelor). Batchelor também interpreta Jan, o novo namorado do narrador. Ausente durante toda a peça está Karla, o membro final deste compartilhamento de apartamento, e namorada de Vlado. Sua partida é o ponto em que a ação começa. Ela saiu para buscar suprimentos e nunca voltou. A ação é pontuada por uma contagem de dias desde sua partida dada em alemão. O narrador nos guia através de uma sequência de reações ao desaparecimento de uma amiga próxima - incredulidade, tentativas de convencer a polícia a levar o caso a sério e finalmente (quando não o fazem) tentativas de todos os amigos de aumentar a conscientização nas mídias sociais e impressas e ir procurar a pessoa desaparecida eles mesmos. Esses aspectos mais tradicionais são pontuados por Sofia descrevendo a matança, preparação, cozimento e serviço de um coelho que serve como um comentário simbólico sobre os eventos que são insinuados mas nunca completamente apresentados a nós. A atmosfera e tom escurecem ainda mais na segunda metade da noite, à medida que a atenção dos jogadores se desloca de externalidades para o mundo da memória e responsabilidade pessoal enquanto eles se recordam de tempos e eventos mais felizes e anteriores na companhia de Karla. Quão confiáveis são os relatos que estamos recebendo, e quem, se alguém, deve merecer nossa confiança? As respostas finais nos são amplamente deixadas para determinar.

Todos os atores aproveitam as oportunidades que lhes são dadas com paixão e graça: English proporciona um comentário coriáceo e irado sobre a ação a maior parte do tempo, cheio de desdém de sobrevivente obstinada pelas circunstâncias impossíveis em que se encontram; enquanto Kavanagh, que tem mais texto para trabalhar, transmite habilmente a sucessão de humores que um desaparecimento inexplicado provoca - incredulidade, raiva por não ser levado a sério, desespero e culpa de sobrevivente. Como Vlado, Batchelor se aprofunda ainda mais com uma interpretação de uma figura perturbada e perturbadora, claramente danificada por sua criação conflituosa na Iugoslávia, e experimentando a fragmentação da personalidade associada a alguém que encontra racismo e desrespeito diário além da perda de uma identidade central primária. Ele tem muito menos com o que trabalhar em sua interpretação de Jan, e embora as apresentações sejam distinguidas com sucesso umas das outras, se a peça perdesse este personagem, ganharia de fato mais foco e impulso geral.

A recusa deliberada de respostas narrativas até perto do final da peça é, portanto, tanto o desafio quanto a oportunidade proporcionada pelo autor e diretor. No geral, as recompensas superam as frustrações. Os performers oferecem uma eloquência poética poderosa que atrai atenção e nos deixa muito espaço como membros do público dentro do qual refletir sobre as grandes questões que esta peça coloca - como é a confiança montada e destruída e remontada? O que podemos saber em uma crise, mesmo sobre aqueles com quem vivemos por muito tempo em adversidade? Como podem testemunhas dos mesmos eventos produzir memórias tão diferentes com aparente sinceridade? Acima de tudo, em tempos de adversidade, quais partes de nossos próprios caracteres virão à tona... as mais temperadas e corajosas, ou as mais abjetas e covardes?

Mas, no final, a tensão entre a contagem diária da passagem do tempo e a evitação da direção narrativa é demais para sustentar e, nas seções finais, retornamos a uma técnica mais expositiva previsível com um certo alívio. Além disso, as apresentações dos atores notavelmente se relaxam quando o formalismo abstrato, o staccato quase hierático cede lugar a uma apresentação mais naturalista. Variedade de tom e forma não é o inimigo do pensamento afinal. Precisamos de nossos suspenses e faroestes também. Minha única grande ressalva é que o intervalo é bastante desnecessário: a peça seria muito melhor com uma execução direta. Mas não deixe que isso o desanime: esta é uma noite fascinante de grande habilidade e seriedade, uma daquelas em que o que você obtém dela é proporcional ao que está disposto a investir...

Abyss está em cartaz no Arcola Theatre até 25 de abril de 2015