CRÍTICA: Um Dia na Vida de Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves critica A Day In The Death Of Joe Egg, de Peter Nichols, atualmente em cena no Trafalgar Studios, Londres, com Toby Stephens e Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Toolis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Foto: Marc Brenner A Day In The Death Of Joe Egg Trafalgar Studios,

2 de outubro de 2019

3 estrelas

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Não há nada que Peter Nichols (falecido aos 92 anos, há apenas algumas semanas) não soubesse sobre construção dramática, ritmo e diálogo — aquele que soa fácil, natural e resulta bem em palco.  Esta peça sua, de 1967, é um exemplo perfeito de como pegar nas matérias-primas da criação teatral e transformá-las em conversa de uma fluidez brilhante e ação cintilante.  O encenador Simon Evans sabe-o e diverte-se muito mais com este espetáculo do que aconteceu recentemente com o mais arrastado The Best Man: no conjunto, esta é uma experiência mais incisiva, mais leve, mais viva — e aponta-o como um possível especialista em dramaturgia desta época.

Lucy Eaton. Foto: Marc Brenner

E de época é mesmo.  O desenho de Peter McKintosh (cenografia e figurinos) parece uma pequena ilustração saída da revista Ideal Home, ligeiramente enviesada por desenhos na parede com um toque de pop art; mas o mobiliário e os pormenores estão todos absolutamente certos, e impecáveis.  É o mundo aspiracional da classe média — gestão e administração «em casa» — servido com a mesma atenção ao detalhe que uma fotografia a cores de um anel de aspic numa Good Housekeeping.  Ainda assim, quando Toby Stephens — como Bri, o grande alter ego do autor neste relato fortemente autobiográfico — abre a representação com um número de stand-up à boca de cena, como um professor exausto a gritar com uma turma barulhenta de crianças malcomportadas, começamos a notar um desfasamento entre a experimentação teatral da escrita e a encenação tristemente literal de McKintosh.  À medida que a peça avança e cada personagem, por sua vez — com um estalo das luzes de Prema Mehta e um estrondo do som de Edward Lewis — salta para fora da «história» e fala através da quarta parede diretamente ao público, vamos ficando cada vez mais desconfortáveis com a «normalidade» opressiva da bonita caixa de cenário (por mais que rode e deslize, um pouco).

Storme Toolis. Foto: Marc Brenner

Mas este sempre foi o problema de muito do teatro britânico.  Grande escrita, mas um desenho de cena desanimadoramente previsível e aborrecido.  Assim, Stephens dispara a sua torrente de piadas e gracinhas, mas continua preso às ervas daninhas de uma era já passada.  Claire Skinner, no papel da sua mulher, Sheila, está condenada a fazer de «escada» para as intermináveis rotinas cómicas dele, mas transforma isso em virtude com o seu controlo frio e uma ternura simples.  Clarence Smith, como o visitante de fim de tarde, Freddie, arranca a melhor gargalhada do espetáculo com a sua frase — que, como quase tudo o que se diz, brota diretamente do psiquismo atribulado de Nichols: «Estou a falar demasiado alto?  Eu aumento sempre a voz quando estou a ajudar as pessoas».  É uma frase verdadeiramente brilhante, mas o seu efeito fica afogado e sufocado pelo charme burguês insuportável da sala onde tem de ser dita.  A sério: há cenografias britânicas muito melhores em palco — porque não aqui?

Toby Stephens e Patricia Hodge. Foto: Marc Brenner

No papel da sua mulher, Pam, Lucy Eaton tem de lutar contra um penteado impecável (acho que pode ser uma peruca) de Carole Hancock e um magnífico casaco amarelo e um vestido tubular às riscas, elegante, com botas de pele castanha até ao joelho: quer dizer, ela está fabulosa — mas porque é que tudo à sua volta tem de estar igualmente fabuloso?  Esta sumptuosidade insossa é asfixiante e entorpecedora, embotando a linguagem e roubando-lhe grande parte da sua mordacidade.  Um pouco mais de sorte tem Patricia Hodge, uma comediante de farsa consumada, que tira o máximo proveito da sua entrada no segundo ato; mas talvez seja apenas por estar menos tempo em palco que parece menos engolida por tudo isto.  De todo o elenco, só Storme Toolis se afasta radicalmente do conforto acolhedor oferecido em todo o lado.  Com uma deficiência em relação ao restante elenco, assume o papel da filha de Bri e Sheila, que cresceu com uma condição médica complexa, identificada pelo nome apenas uma vez.  A sua forma de interpretação é tão ousadamente diferente da dos outros que se torna uma presença cativante e fascinante diante de nós: usa a imobilidade e o silêncio, a postura, a expressão e o gesto de modos que — à luz desta produção — são totalmente estranhos e estão fora do alcance do resto do elenco.

Foto: Marc Brenner

Suspeito que essa impressão seja enganadora.  São atores muito bons e estou bastante certo de que poderiam — se lhes dessem a oportunidade — fazer muito mais do que este encenador lhes pede.  Mas com que frequência os encenadores britânicos pedem realmente aos atores que se desafiem e surpreendam o público?  E com que frequência os convidam apenas a servir algo seguro e morno, reconfortante e familiar?  Alguém se lembra de Artaud?  Alguém sequer o lê hoje em dia?  Há alguém por aí que ainda ache que o teatro deve ser excitante, cortante, arriscado e arrebatador?  Sim, há encenadores assim, e já vi alguns a trabalhar neste teatro — mas não, infelizmente, desta vez.  Como exercício técnico a demonstrar o domínio perfeito da forma por parte de Nichols, há pouco a apontar contra isto; mas enquanto drama que fala do coração para o coração, parece-me que precisa de um pouco mais de abertura e franqueza.