CRÍTICA: Um Dia na Vida de Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves analisa A Day In The Death Of Joe Egg por Peter Nichols, agora em cartaz no Trafalgar Studios, Londres, estrelando Toby Stephens e Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Tollis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Foto: Marc Brenner A Day In The Death Of Joe Egg Trafalgar Studios,

2 de outubro de 2019

3 Estrelas

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Não há nada que Peter Nichols (que faleceu aos 92 anos apenas semanas atrás) não soubesse sobre construção dramática, ritmo e diálogo que flui facilmente e naturalmente e 'funciona' bem. Esta peça dele, de 1967, é um exemplo perfeito de como lidar com os materiais brutos da criação teatral e transformá-los em conversas brilhantemente fluidas e ação cintilante. O diretor Simon Evans sabe disso e se diverte muito mais com este show do que recentemente com o mais trabalhoso 'The Best Man': esta é, no geral, uma experiência mais afiada, alegre e vibrante e destaca-o como um possível especialista para drama deste período.

Lucy Eaton. Foto: Marc Brenner

E é um período marcante. O design de Peter McKintosh (cenário e figurinos) é como uma pequena ilustração da revista Ideal Home, ligeiramente distorcida por ilustrações levemente pop-art nas paredes, mas a mobília e os detalhes estão todos perfeitamente corretos e impecáveis. Este é o mundo aspiracional da classe média de gestão e administração 'em casa', servido com a mesma atenção aos detalhes que um prato colorido de um anel de aspic no Good Housekeeping. Embora, quando Toby Stephens - como Bri, o representante principal do autor nesta narrativa fortemente autobiográfica - inicie a performance com uma rotina de comédia de um professor angustiado gritando para uma turma bagunceira de crianças malcomportadas, começamos a perceber uma disparidade entre a experimentação teatral da escrita e a encenação tristemente literal de McKintosh. À medida que a peça continua, e cada personagem por sua vez - com um piscar das luzes de Prema Mehta e um estrondo do som de Edward Lewis - sai da 'história' e fala pela quarta parede diretamente ao público, começamos a ficar cada vez mais desconfortáveis com a opressiva 'normalidade' do conjunto bonito e decorado (por mais que ele possa girar e deslizar, um pouco).

Storme Toolis. Foto: Marc Brenner

Mas esse sempre foi o problema de tanto teatro britânico. Ótima escrita, mas design desastrosamente previsível e entediante. Assim, Stephens avança através de suas piadas e travessuras intermináveis, mas ainda está preso nas teias de uma era passada. Claire Skinner, como sua esposa Sheila, está destinada a atuar de forma 'séria' para suas intermináveis rotinas de comédia, mas faz disso uma virtude em seu controle frio e simplicidade afetuosa. Clarence Smith, interpretando um visitante noturno, Freddie, tem a melhor risada do show com sua linha - que, como quase tudo que é dito, surge diretamente da mente problemática de Nichols: 'Estou falando muito alto? Eu sempre levanto a voz quando estou ajudando as pessoas'. Essa é uma linha realmente brilhante, mas seu efeito é abafado e sufocado pelo insuportável charme burguês da sala onde tem que ser entregue. Realmente: há designs britânicos melhores para serem vistos no palco - por que não aqui?

Toby Stephens e Patricia Hodge. Foto: Marc Brenner

Interpretando sua esposa, Pam, Lucy Eaton tem que lutar contra o cabelo impecável (acredito que pode ser uma peruca) por Carole Hancock e um lindo casaco amarelo e vestido listrado elegante com botas de couro até o joelho: quero dizer, ela parece fabulosa, mas por que tudo ao seu redor também tem que parecer igualmente fabuloso? A blandura suntuosa é sufocante e esmagadora, embotando o idioma e roubando-lhe grande parte do seu impacto. Um momento um pouco melhor é vivido por Patricia Hodge, que é uma farseuse experiente e desempenha seu papel no segundo ato ao máximo, mas talvez seja apenas porque ela está menos tempo em cena que parece menos envolvida por isso. De todo o elenco, apenas Storme Toolis se afasta radicalmente do conforto acolhedor oferecido em todos os outros lugares. Diferente dos outros, ela assume o papel da filha de Bri e Sheila, que cresceu com uma condição médica complicada que só é identificada pelo nome uma vez. Seu modo de atuação é tão ousadamente diferente dos outros que ela se torna uma presença fascinante e fascinante diante de nós: ela usa a quietude e o silêncio, a postura corporal, a expressão e o gesto de maneiras que - com base nesta produção - são totalmente estranhas e além do alcance do restante do elenco.

Foto: Marc Brenner

Suspeito que essa é uma impressão enganosa. Estes são atores muito bons e tenho certeza de que eles poderiam - se tivessem a chance - fazer muito mais do que são solicitados por este diretor. Mas com que frequência diretores britânicos realmente pedem aos atores que se estiquem e surpreendam o público? E com que frequência eles apenas os convidam a servir algo seguro, caloroso, reconfortante e familiar? Alguém se lembra de Artaud? Alguém ainda o lê hoje em dia? Existe alguém aí que ainda pensa que o teatro deve ser emocionante, provocador, arriscado e eletrizante? Sim, há tais diretores, e vi alguns deles trabalhando neste teatro, mas não - infelizmente - nesta ocasião. Como exercício técnico em demonstrar o domínio perfeito de Nichols sobre a forma, não há muito a dizer contra isso; mas como um drama que fala de coração a coração, é, na minha opinião, um pouco mais de abertura e franqueza.