CRÍTICA: 46 Beacon, Hope Theatre ✭✭✭✭

46 Beacon

Teatro Hope Street

05/10/15

4 Estrelas

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O cenário é simples, mas claro – uma cama de casal, e mesas ocasionais em diferentes pontos. Os itens necessários para gin e tônica, um toca-discos e uma pilha de LPs do final dos anos 60. Judy, Sondheim, Streisand são os pontos de referência. É espartano, mas limpo e organizado - uma pensão barata na Beacon Street, Boston, frequentada por atores que estão encenando uma temporada na cidade.

Um monólogo de abertura com charme insinuante desenha o quadro enquanto Robert (Matthew Baldwin) nos contextualiza historicamente, geograficamente e emocionalmente. É 1970 no mundo teatral de Boston e no meio de uma temporada. Robert está de volta à América pela primeira vez em muito tempo e desfrutando muito do trabalho e do lazer. Estamos em uma era para ele de libertação sexual e exuberância onde as fronteiras tradicionais estão caindo, e até mesmo para alguém como Robert, que se aproxima da meia-idade, a vida nunca foi tão boa. Robert é um típico britânico no exterior: sarcástico, cético e reservado, mas também totalmente consciente de que nos EUA, e particularmente nesta época, ele pode se reinventar impunemente.

Nos tornamos cientes de que o que estamos prestes a ver é a história de um importante encontro no quarto que deixou um legado significativo, um registro de um momento único em que duas pessoas viveram juntas plenamente no momento presente e dali em diante na memória. O monólogo é vital para estabelecer essa atmosfera de antecipação romântica e sexual com uma corrente de arrependimento e oferece um estudo de caso sobre como estabelecer e modular o tom. Este é apenas o primeiro de muitos exemplos da habilidade do dramaturgo Bill Rosenfield em estabelecer personagens com pinceladas detalhadas de comédia irônica e romance plausível enquanto a ação se desenrola.

Robert é um ator sentindo sua idade e as consequências de decisões que agora lamenta. Após anos aproveitando sua boa aparência em papéis masculinos ingénue em comédias românticas, ele sente que perdeu a chance de realmente desenvolver seu talento ao máximo em desafios mais arriscados. Ele também atingiu um platô em sua vida pessoal. Ele tem um parceiro de longa data em casa, mas eles concordaram em passar um tempo separados para revisar seu futuro.

Encontrando Robert em seu quarto de hotel está Alan (Jak Ford-Lane) que está trabalhando como ASM na mesma produção. Ele é um jovem de Ohio, incerto sobre sua sexualidade e não muito claro sobre o que quer de e com Robert, além de achar sua companhia atraente de várias maneiras.

Está claro desde o início que esta peça – que dura oitenta minutos direto – é potencialmente um drama sobre sair do armário e iniciar-se sexualmente, e de fato se torna ambas essas coisas. Mas é um tributo à habilidade da escrita e dos atores que se torna muito mais do que isso também. Rosenfield joga suas cartas perto do peito e nos mantém adivinhando por muito tempo. Além disso, há a mesma variação cuidadosa de tom e intensidade que estava presente desde o início.

Há seções que possuem uma verdadeira eletricidade sexual – incluindo uma massagem nos pés que apenas mostra que menos frequentemente é mais, uma vez que as imaginações do público estão envolvidas! Mas também há vários pontos de repouso e reflexão que nos permitem ouvir e entender os medos e ansiedades e confusão de Jak em tempo real. Acima de tudo, há muito humor, ternura e afeto. Assim, é uma peça de escrita muito equilibrada e texturizada, na qual há uma narrativa central de sedução, mas que é matizada e inflexionada com as diferentes perspectivas que uma diferença de 20 anos de idade pode trazer.

Apenas o final, embora ainda plausível, parece uma oportunidade perdida. Depois de nos levar tão longe aos mundos mentais desses dois homens, e construir a significância deste encontro para ambos, senti que o suave esvanecimento da narrativa, embora talvez verdadeiro para a vida, foi dramaticamente uma decepção. Não é um pedido por reviravoltas melodramáticas não merecidas, mas talvez por um monólogo de enquadramento simétrico – uma carta, por exemplo, de um personagem para o outro que poderia ter espelhado e equilibrado a excelente pintura de humor da abertura.

Há duas performances muito finas no centro do sucesso da noite. Baldwin usa toda a sua vasta experiência nesse repertório como ator e autor para deixar um retrato memorável do charme, dos arrependimentos e da vida essencialmente não resolvida de Robert. É difícil apresentar a imagem de um sedutor confiante ao lado da de um homem corroído por todos os tipos de conflitos e tensões internas, mas ele faz isso com grande habilidade e humor, e variações de ritmo requintadas.

Não menos sutil é a interpretação de Ford-Lane sobre o aparentemente inocente e ingênuo Jak. À medida que a peça avança, começamos a questionar se Jak é o papel em branco que afirma ser. Quanto do que ele diz é totalmente verdade? O que ele realmente quer deste encontro? Além disso, é através dessa atuação forte e cuidadosamente calculada que gradualmente sentimos as mesas de autoridade virando nas cenas posteriores.

É através de Jak, e não de Robert, que algumas das perguntas mais importantes sobre relações gays são feitas, sejam elas sobre a conexão ou separação de amor e sexo e as consequências que seguem de diferentes caminhos escolhidos; ou se as escolhas da geração recém-libertada de Robert foram as mais sábias a longo prazo. É bom ver essas questões discutidas por uma vez fora da perspectiva do HIV/AIDS, e essa é outra razão para elogiar a decisão do autor de situar a ação em 1970. O diretor Joshua Stamp-Simon define um bom ritmo e garante que os atores façam pleno uso do espaço limitado.

Música e teatro musical pairam de forma importante no fundo desta peça. Rosenfield por muitos anos supervisionou gravações de shows em Nova York, incluindo muitas das obras de Sondheim. Portanto, não é surpresa que a peça contenha intervenções musicais significativas e muitas referências conhecidas às canções de Sondheim. 'Company' é referenciada explicitamente – e de certa forma toda esta peça é uma extrapolação de 'Barcelona'. 'Minha culpa, temo', um dos personagens diz perto do final, e na invocação de A Little Night Music, você de repente percebe o tom comum de arrependimento romântico e oportunidades semi-farsescas perdidas, e as fontes dos dilemas que a peça busca dramatizar. Esta pode ser uma peça especificamente gay, mas seus pilares emocionais permanecem orgulhosos como temas gerais e eternos. Um ponto final, mas não espero que seja mesquinho... O Hope Theatre é um espaço pequeno e íntimo, que merece muito crédito por sua escolha ousada de repertório e sua postura exemplar nos salários para os atores e criativos que atuam para ele. No entanto, seria maravilhoso se algum patrono rico das mansões em forma de bolo de casamento de Barnsbury vizinha pudesse financiar um melhor isolamento acústico. Nesta delicada peça, as sirenes e o som suave de carros passando na chuva em Upper Street foram muito distrativos. Os atores merecem melhor. 46 Beacon está em cartaz no Hope Theatre até 12 de outubro de 2015