IN ARRIVO: Sylvia, Old Vic Theatre

Julian Eaves dà un’occhiata a Sylvia di Zoo Nation, presentato come work in progress all’Old Vic Theatre.

Beverley Knight (Emmeline Pankhurst) e Whitney White (Christabel Pankhurst) con il cast di Sylvia. Foto: Manuel Harlan Sylvia

Old Vic Theatre,

19 settembre 2018

Questo nuovo musical straordinario, sorprendente, ambizioso e bellissimo apre nuove strade praticamente in ogni reparto, in questa prima presentazione in forma di work in progress al meraviglioso Old Vic Theatre di Matthew Warchus a Waterloo.  E tenetelo a mente: sembra quasi incredibile, ma la squadra che c’è dietro ha avuto poco più di un anno per mettere insieme tutto, da quando il teatro lo ha commissionato.  Raramente si è visto un fenomeno simile sulla scena del musical britannico.  Il pubblico fortunato che è riuscito a entrare nella breve tenitura di tre settimane al The Cut si sentirà privilegiato per aver assistito a qualcosa di così speciale in una fase tanto precoce.  Ora lo spettacolo “va via” per un anno, per essere riscritto e rifinito, e poi tornerà come produzione completa e definitiva.

Nato inizialmente come pezzo di danza ideato da Kate Prince e dalla sua compagnia Zoo Nation per celebrare il centenario della conquista del primo diritto di voto per molte donne in questo Paese (grazie a Sylvia Pankhurst e alle altre), lo spettacolo è cresciuto fino a diventare una meravigliosamente epica esplorazione di molto altro.  In collaborazione con la romanziera e dramaturg Priya Parmar, Prince porta nella storia un enorme ventaglio di personaggi, dai primi ministri e leader di partito ai gruppi di donne della classe operaia dell’East End e decine di altri, qui resi in scena da un cast “A-list” di 16 interpreti.

Altri due suoi collaboratori abituali, i compositori Josh Cohen e DJ Walde, hanno creato una partitura mozzafiato, con arrangiamenti vocali e supervisione di Michael Henry, eseguita dal direttore musicale e band leader in scena Josh “MckNasty” Mckenzie: pesi massimi internazionali. E per questo, Prince firma personalmente gran parte dei testi, lucidissimi e scritti con una gratificante chiarezza (un ruolo che condivide con i compositori, oltre a contribuire con ulteriore musica).  Non contenta, dirige con aplomb e fluidità e cura anche le coreografie con un’attenzione al dettaglio sublime e un senso, francamente geniale, di ensemble, movimento, ritmo e abbagliante spettacolarità.  Sì, davvero.  Un carico di lavoro incredibile, e i risultati sono travolgenti.

Ho avuto la fortuna di vedere lo spettacolo due volte durante la sua tenitura a Waterloo, e ne sono davvero felice.  È così audace, così radicalmente fresco e brillantemente originale che una sola visione — soprattutto per chi è ormai abituato alle convenzioni della tradizione “West End” — difficilmente basta a coglierne tutta l’inventiva e l’ambizione.

La partitura di Cohen e Walde è ricca di melodia e dramma, piena di ritmi incalzanti e irrequieti, e attraversata da un respiro quasi cinematografico.  Sa parlare allo stesso tempo alla mente, al cuore e all’anima: merita DAVVERO ascolti ripetuti per apprezzarne al meglio i molti livelli.

Mi era piaciuto molto “Into The Hoods” di Prince e Zoo Nation un paio d’anni fa, una revue splendidamente errabonda e caoticamente meravigliosa di tropi contemporanei.  Ma il ricordo di quello spettacolo non mi aveva minimamente preparato alla precisione folgorante e alla giustezza dei gesti e delle frasi, vorticosi, elettrici e affilati come rasoi, che punteggiano l’impulso in avanti di questa partitura.  Il suo lavoro sembra attraversato da adrenalina e dopamina; quando guardi i suoi danzatori muoversi, senti quello che sentono loro.  È inebriante.

Come in tutti i workshop, lo scenografo Ben Stones ha avuto a disposizione un budget risicatissimo, ma riesce a tracciare un quadro d’epoca con qualche costume semplice e una scelta azzeccata di oggetti di scena.

Uno spettro si aggira per il teatro musicale: lo spettro di “Hamilton”.  Tutte le potenze del vecchio musical sono entrate in una santa alleanza per venerare al santuario di questo spirito.  E così sembra avvenire anche qui.  Il lavoro si appoggia chiaramente sul precedente fissato da quell’impresa straordinaria: guardare al passato con occhi sfacciatamente contemporanei — e con mezzi contemporanei — ma va oltre.  Molto oltre.

Le radici immaginative di quest’opera, in realtà, sembrano non affondare affatto nell’eredità mainstream del musical, quanto piuttosto nella storia — più antica e, per certi versi, più britannica — del teatro epico e dell’oratorio.  Invece di seguire il destino singolo, o in coppia, di uno o due protagonisti, otteniamo qualcosa di molto più sorprendente.  La struttura è una sorta di “stratificazione” astratta degli eventi, un assemblaggio quasi classico di grandi “momenti” essenzialmente autonomi e statici tratti da una narrazione ampia, congelati in enunciati artistici indipendenti che — cumulativamente — producono un effetto profondo sul pubblico.

Whitney White (Christabel Pankhurst) e Beverley Knight (Emmeline Pankhurst) in Sylvia. Foto: Manuel Harlan

Perciò, la modalità da concerto, quasi da gig, dello spettacolo ha perfettamente senso dal punto di vista teatrale.  Non solo siamo immersi nelle sonorità più attuali — soul, hip-hop, funk — di una band in scena di altissima qualità (chitarre: Linda Burrato, Sonia Konate; basso: Joe “Joey” Grant; batteria e leader: Mckenzie, con Adrian J Moore alle tastiere), ma troviamo anche un cast radicalmente diverso — soprattutto per origini etniche — dalle figure storiche che rappresenta.  Al centro di questo pantheon c’è la dea che è Beverley Knight.  È una star di indiscussa statura internazionale e siamo fortunati ad averla qui: illumina ogni momento in cui canta con suoni incredibilmente belli, e sa anche recitare, attraversando la vita di Emmeline Pankhurst con un’attenzione sbalorditiva alle sfumature e alle sottigliezze dell’intonazione, il tutto espresso con una naturalezza e una facilità disarmanti che la collocano, come attrice e cantante, al vertice assoluto della sua professione.

Knight è circondata da un cast di pari maestà musicale.  Genesis Lynea ha dovuto lasciare la compagnia nel ruolo della figlia Sylvia Pankhurst, la cui relazione disfunzionale con la madre Emmeline è al centro dello spettacolo, ma siamo fortunati nella sostituzione, Maria Omakinwa, che offre un punto di vista alternativo con elegante passione.  C’è anche Whitney White nei panni di Christabel Pankhurst, che ci regala un’ulteriore prospettiva sul mondo all’interno dello stesso affascinante microcosmo familiare.  E poi Karl Queensborough interpreta il fratello Harry Pankhurst, tra altri ruoli, con un approccio ancora diverso.  Quindi, le fedeli seguaci: Elliotte Williams-N’Dure è una forza della natura, vocalmente, nei suoi numeri come Flora “The General” Drummond: una sorta di Dreamgirl al servizio della giustizia.  Tachia Newall è una delle molte attrici chiamate a interpretare diversi ruoli ben distinti.

E non finisce qui.  La sempre più splendida Izuka Hoyle è presente, continuando la sua inarrestabile scalata, con una presenza scenica magnetica e una sassiness fenomenale; e riconosciamo anche la travolgente prova di Jade Hackett nel ruolo di Lady Jennie Churchill: guardatela mentre conquista la sala!  Poi c’è Delroy Atkinson, vestito da Winston Churchill, capace di essere al tempo stesso minaccioso e divertente.  Si colgono i paralleli con il revisionismo di “Hamilton”.  Fin qui, tutti questi interpreti sono di origine africana o mista, in un modo o nell’altro, ed è un casting notevole, che dimostra come il musical britannico stia raccogliendo con entusiasmo il testimone delle modernizzazioni di Lin-Manuel Miranda.

Poi ci sono gli altri attori.  Verity Blyth se la cava benissimo nel nucleo Pankhurst, interpretando la sorella Adela con schiettezza e credibilità, e Carly Bawden è una Clementine Churchill composta e dalla voce d’acciaio, in un altro dei fascinosi sottostrati del copione.  Jay Marshall è il dance captain — e un’altra seguace, Ada.  John Dagleish fa di Keir Hardie un libertino modernissimo e sorprendentemente complesso; Todd Holdsworth è H. G. Wells e — infine — la presenza, sorprendentemente calda e premurosa, del compagno di vita di Sylvia, Silvio Corio.  Ross Sands interpreta GBS e l’ultimo dei Pankhurst, Richard.

Anche i ragazzi si uniscono per interpretare collettivamente folle di poliziotti villain e affini, e la messa in scena del pestaggio durante la marcia di protesta delle donne è uno degli eventi teatrali davvero più devastanti di una produzione densissima: lo senti in ogni istante, e ancora di più per la miracolosa abilità tecnica con cui è costruito intrecciando diversi fili narrativi, legati con intelligenza in una conclusione emotivamente indimenticabile della prima parte.  Sentire la voce di Beverley librarsi sopra le voci del grande ensemble e il terrificante ruggito e macinare dell’orchestra (in quel momento sono davvero nient’altro che questo) è una delle cose più potenti che abbia mai vissuto a teatro.

Inoltre, le luci di questo spettacolo restituiscono un senso straordinario di scala epica: sono di Natasha Chivers — un altro grande talento del team.  Il reparto audio è di una chiarezza abbagliante e di un corpo pieno: è il lavoro di Clement Rawling, che fa battere quei cinque strumenti in scena come una vera orchestra sinfonica.  Magia.  E quando tutto ciò si unisce alle voci sensazionali che lavorano insieme, il risultato è puro paradiso.

In definitiva?  Lo spettacolo è una delle cose migliori arrivate da molto, moltissimo tempo.  Non possiamo dare stelle a un work in progress, ma possiamo dirvi di tenere d’occhio il prodotto finito.  Sarà qualcosa da ricordare per sempre.

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