RECENSIONE: Thérèse Raquin, Finborough Theatre ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman e Julie Atherton in Thérèse Raquin al Finborough Theatre, Londra. Immagine: Darren Bell Thérèse Raquin Finborough Theatre, trasferendo al Park Theatre

30 marzo 2014

4 Stelle

Il capolavoro letterario erotico e languido di Émile Zola, Thérèse Raquin, sembra un soggetto improbabile per un musical. Ma poi si potrebbe dire la stessa cosa della storia di Sweeney Todd, del retroscena del Mago di Oz, o di un tomo di Victor Hugo. La verità è che se trovi la forma corretta, e, cosa cruciale, un compositore in sintonia con l'opera, qualsiasi cosa può diventare un musical.

Ora in scena al Finborough Theatre c'è un "adattamento radicale" dell'opera di Zola di Nona Shepphard, con musiche di Craig Adams. È un capolavoro.

Sebbene Zola fosse un sostenitore del naturalismo in letteratura e teatro, l'approccio qui non è del tutto quello del naturalismo, il che non vuol dire che le performance non cerchino la verità e l'onestà del momento. L'azione del romanzo è saggiamente abbreviata e condensata, e un coro di tre donne viene utilizzato per esplorare i pensieri non rivelati di Raquin. Come un coro greco, l'ensemble qui osserva, commenta e annota l'azione, i pensieri, le situazioni dei quattro personaggi principali. Molte volte i personaggi cantano direttamente al pubblico, ma questo serve solo a intensificare l'effetto delle sezioni in cui i personaggi cantano tra loro.

Ci sono molti tocchi estremamente efficaci: inizia con un po' di francese e poi passa all'inglese; la sequenza d'apertura mette in evidenza la dissezione medica oggettiva di ciò che accade oltre all'intenso focus sulle emozioni interiori e sulla psicologia; il tableau d'apertura stabilisce istantaneamente il tono oscuro del pezzo, creando nel contempo una falsa impressione per chi non conosce la trama; la pelliccia di Madame viene elegantemente trasformata nel suo amato gatto e prende vita proprio; Thérèse non pronuncia un suono per quello che sembra un'eternità, ma quando lo fa è un grido disperato, selvaggio, animale e orgasmico di rilascio che non lascia dubbi su ciò che sta accadendo nell'oscurità.

La musica è complessa e difficile, ma assolutamente affascinante. James Simpson fa un lavoro straordinario nel dare vita alla partitura al pianoforte, ma nonostante le sue formidabili abilità alla tastiera, è impossibile non desiderare un'orchestrazione che coinvolga, almeno, archi, percussioni e ance. Questa è una partitura che sboccerà e crescerà con un orchestratore dotato.

Più Stravinsky che Sondheim, più Guettel che Gershwin, più Rutherford che Rodgers, più Berlioz che Berlin, la musica qui non è per chi desidera musical che possano fischiettare sulla metropolitana verso casa. Né per chi desidera grandi numeri di produzione con tap e pizzi.

No. Lo scopo della partitura qui è interamente focalizzato sull'illuminare la trama e i personaggi, costruire l'atmosfera, la tensione e l'erotismo, spingere e dare vita ai personaggi centrali. E lo fa con una straordinaria abilità, sia attraverso le sequenze dell'Orgia Altamente Rispettabile (con domino, tè e pettegolezzi), o nel Dolce Profumo delle Violette (la discesa nella follia di Laurent tra i corpi nell'obitorio) o Se Avessi Saputo (Thérèse e Laurent nel loro lamento finale) o in qualsiasi numero di momenti musicali straordinari.

Aiuta che l'ensemble di talento possa gestire e interpretare la partitura - con passione, gran tono e un eccellente orecchio per tonalità e armonie e modulazioni inaspettate. Sono una gioia da ascoltare anche se la musica non è sempre gioiosa.

Julie Atherton è un'interprete potente ma non l'ho mai vista così brava, così completamente consumata in un ruolo, come lo è qui come Thérèse. L'intensità ombrosa che porta al primo terzo della pièce, quando non pronuncia suono, è straordinaria e il suo senso di essere intrappolata e disperatamente infelice è palpabile. La sua passione per Laurent, il suo disgusto per Camille, la sua paura e irritazione nei confronti di Madame – tutto è contemporaneamente trasmesso con un'urgenza disinvolta. Lo sguardo sul suo volto quando vede Laurent per la prima volta ti dice esattamente cosa accadrà. Il contrasto tra la sua angoscia prima della sua unione con Laurent e la sua felicità totalizzante dopo è ipnotizzante. Qui non sbaglia un colpo e canta con una chiarezza e un'ampiezza di gamma che è davvero emozionante.

Ben Lewis con la sua fisicità superba e la sua possente presenza vocale eguaglia l'intensità e l'impegno di Atherton verso il pezzo. Anche lui è silenzioso e imbronciato per un po' e la sua introduzione, attraverso Camille, gli dà tempo per creare una caratterizzazione ricca. Le sue scene con Atherton sono magiche, ma lo è anche il suo assolo quando cerca il corpo di Camille nell'obitorio. C'è un impegno totale: alla violenza, al sesso, all'ossessione di Camille, alla discesa nell'abbandono sfrenato e poi al duetto finale decisivo che termina la loro storia. Lewis è un protagonista eccezionale e qui è spinto ai suoi limiti, drammaticamente e vocalmente, e ne esce trionfante.

Come l'insopportabile codardo e bullo piagnucoloso che è Camille, Jeremy Legat è deliziosamente vile. Pignolo e snob, riesce a dar vita a questo personaggio estremamente fastidioso, persino un pizzico di empatia. Canta bene ed è particolarmente impressionante nelle sue apparizioni dopo l'annegamento: è difficile rendere le apparizioni spettrali scioccanti o reali, ma Legat ci riesce qui. E la sua meravigliosa relazione con sua madre, Madame, è dettagliata magnificamente e completamente credibile.

Tara Hugo non ha difficoltà a interpretare gli estremi che costituiscono Madame: la sua rigida formalità; la sua adorazione inflessibile per Camille; la sua superiorità e condiscendenza verso tutti tranne Camille; il suo amore per il suo gatto; il suo pettegolezzo gioioso con il suo gruppo di domino; la sua devastazione per la perdita di Camille; la sua paralisi quando scopre la verità; il veleno nei suoi occhi mentre scruta aspramente coloro che le hanno rubato la felicità. Interpreta il ruolo con entusiasmo, stile e una grande abilità. Ma, vocalmente, non è all'altezza delle estreme esigenze del ruolo e sebbene questo non comprometta lo spettacolo, neanche consente alla parte di elevarsi come potrebbe.

Il Finborough è uno spazio minuscolo ma il set intelligente e inventivo di Laura Cordery non spreca spazio ed è straordinariamente efficace nell'instaurare il periodo, il luogo e il senso di focus emotivo intenso in cui il lavoro di Zola prospera. (Ho adorato il vetro che è diventato un cavalletto per artisti.) L'illuminazione di Neil Fraser è anche superba e aggiunge immensamente all'esperienza.

Il risultato di Nona Shepphard qui è davvero piuttosto sorprendente: questa è una prima sensazionale di un nuovo lavoro. Perché non è in scena al National è uno dei misteri della vita.