RECENSIONE: Thérèse Raquin, Finborough Theatre ✭✭✭✭

Ben Lewis, Tara Hugo, Matt Wilman e Julie Atherton in Thérèse Raquin al Finborough Theatre, Londra. Foto: Darren Bell Thérèse Raquin al Finborough Theatre, in trasferimento al Park Theatre

30 marzo 2014

4 stelle

Il capolavoro letterario di Émile Zola, languido e carico di erotismo, Thérèse Raquin, sembra un soggetto improbabile per un musical. Ma lo si potrebbe dire anche della storia di Sweeney Todd, o delle origini del Mago di Oz, o di un tomo di Victor Hugo. La verità è che, se trovi la forma giusta e, soprattutto, un compositore in sintonia con l’opera, qualunque cosa può diventare un musical.

In scena ora al Finborough Theatre c’è un’“adattamento radicale” dell’opera di Zola firmato da Nona Shepphard, con musiche di Craig Adams. È un capolavoro.

Sebbene Zola fosse un sostenitore del naturalismo in letteratura e a teatro, l’approccio qui non è del tutto naturalista; il che non significa che le interpretazioni non cerchino la verità e l’onestà dell’istante. L’azione del romanzo è, saggiamente, accorciata e condensata, e un coro di tre donne viene impiegato per dare voce ai pensieri inespressi di Raquin. Come un coro greco, l’ensemble osserva, commenta e registra l’azione, i pensieri, le situazioni dei quattro personaggi principali. Spesso i personaggi cantano direttamente al pubblico, ma questo serve solo ad aumentare l’effetto delle sezioni in cui cantano tra loro.

Ci sono molti tocchi di straordinaria efficacia: si inizia con un po’ di francese e poi si passa all’inglese; la sequenza d’apertura mette in evidenza la dissezione medica, oggettiva, di ciò che accade, insieme all’intensa attenzione alle emozioni interiori e alla psicologia; il tableau iniziale stabilisce immediatamente il tono cupo del pezzo e, al contempo, crea con precisione una falsa impressione in chi non conosce la trama; la pelliccia di Madame si trasforma con intelligenza nel suo amato gatto e prende vita propria; Thérèse non emette un suono per quella che sembra un’eternità, ma quando lo fa è uno strillo disperato, selvaggio, animale e orgasmico di liberazione, che non lascia dubbi su ciò che sta accadendo nell’oscurità

La musica è complessa e impegnativa, ma assolutamente seducente. James Simpson fa un lavoro notevole nel dare vita alla partitura al pianoforte, ma, nonostante le sue formidabili doti alla tastiera, è impossibile non desiderare un’orchestrazione che includa almeno archi, percussioni e legni. È una partitura che fiorirebbe e crescerebbe nelle mani di un orchestratore di talento.

Più Stravinskij che Sondheim, più Guettel che Gershwin, più Rutherford che Rodgers, più Berlioz che Berlin: la musica qui non è per chi vuole musical che si possano canticchiare in metropolitana tornando a casa. Né per chi desidera grandi numeri di compagnia con tip tap e brillantezza.

No. Lo scopo della partitura è interamente concentrato nell’illuminare trama e personaggi, costruire atmosfera, tensione ed erotismo, spingere avanti l’azione e dare vita ai protagonisti. E ci riesce con notevole abilità, sia nelle sequenze di Highly Respectable Orgy (con domino, tè e pettegolezzi), sia in Sweet Perfume of Violets (la discesa di Laurent nella follia tra i corpi dell’obitorio), sia in If I Had Known (Thérèse e Laurent nel loro lamento finale), o in qualsiasi altro dei numerosi momenti musicali memorabili.

Aiuta il fatto che questo ensemble di talento sappia reggere e restituire la partitura con passione, un bellissimo suono e un eccellente orecchio per l’intonazione e per armonie e modulazioni inaspettate. È un piacere ascoltarli, anche quando la musica non è sempre gioiosa.

Julie Atherton è un’interprete potentissima, ma non l’ho mai vista così in forma, così completamente divorata da un ruolo, come qui nei panni di Thérèse. L’intensità ombrosa che porta nel primo terzo dello spettacolo, quando non pronuncia una sola parola, è notevole, e la sensazione di essere intrappolata e disperatamente infelice è palpabile. Il desiderio per Laurent, il disgusto per Camille, la paura e l’irritazione verso Madame: tutto viene trasmesso insieme con un’urgenza sorprendentemente naturale. Lo sguardo sul suo volto quando vede Laurent per la prima volta ti dice esattamente cosa sta per accadere. Il contrasto tra la sua angoscia prima dell’unione con Laurent e la felicità totalizzante che segue è ipnotico. Non sbaglia un colpo e canta con una chiarezza e un’estensione davvero entusiasmanti.

Il Laurent di Ben Lewis, fisicamente superbo e vocalmente magnifico, eguaglia l’intensità e la dedizione di Atherton. Anche lui resta in silenzio e con lo sguardo torvo per un po’, e la sua introduzione, attraverso Camille, gli dà tempo per costruire una caratterizzazione ricca. Le sue scene con Atherton sono magiche, ma lo è anche il suo assolo quando cerca nell’obitorio il corpo di Camille. C’è una dedizione totale: alla violenza, al sesso, al perseguitamento di Camille, alla discesa nell’abbandono sfrenato e poi al duetto finale, deciso, che mette fine alla loro relazione. Lewis è un protagonista straordinario e qui viene spinto al limite, sul piano drammatico e vocale, uscendone trionfante.

Nei panni di Camille, un insopportabile smidollato e bullo piagnucoloso, Jeremy Legat è deliziosamente spregevole. Pignolo e snob, riesce a dare vita a questo personaggio tra i più tediosi, arrivando persino a strappare un filo di empatia. Canta bene ed è particolarmente impressionante nelle apparizioni dopo l’annegamento: rendere le presenze spettrali scioccanti o credibili è difficile, ma Legat ci riesce. E il suo splendido rapporto con la madre, Madame, è delineato con cura e totalmente credibile.

Tara Hugo non ha alcuna difficoltà a interpretare gli estremi che compongono Madame: la rigidità formale; l’adorazione inflessibile per Camille; la superiorità e la condiscendenza verso tutti tranne che verso Camille; l’amore per il suo gatto; il pettegolezzo compiaciuto con la sua combriccola del domino; la devastazione per la perdita di Camille; la paralisi quando scopre la verità; il veleno negli occhi mentre fulmina chi le ha rubato la felicità. Interpreta il ruolo con gusto, stile e grande abilità. Ma, vocalmente, non è all’altezza delle richieste estreme della parte e, sebbene questo non indebolisca lo spettacolo, non permette nemmeno al personaggio di spiccare il volo come potrebbe.

Il Finborough è uno spazio minuscolo, ma la scenografia intelligente e inventiva di Laura Cordery non spreca un centimetro ed è sorprendentemente efficace nel restituire l’epoca, il luogo e quel senso di intensissima concentrazione emotiva in cui l’opera di Zola prospera. (Ho adorato il vetro della finestra che diventava un cavalletto.) Anche le luci di Neil Fraser sono superlative e aggiungono enormemente all’esperienza.

Il risultato raggiunto da Nona Shepphard è davvero sorprendente: questa è una prima sensazionale di un nuovo lavoro. Perché non sia in scena al National resta uno dei misteri della vita.