RECENSIONE: I Due Mondi di Charlie F, Richmond Theatre ✭✭✭✭

I due mondi di Charlie F

Richmond Theatre, attualmente in tournée nel Regno Unito

19 marzo 2014

4 stelle

Sono stati scritti moltissimi spettacoli sulla guerra: sui suoi diritti e torti, su come si svolge, sui dettagli e sulle conseguenze. Alcuni affrontano l’argomento con più successo di altri, e Blackwatch è stata l’ultima opera capace di entrare davvero sotto la pelle della vita da soldato in un’unità d’élite.

Ora in scena al Richmond Theatre c’è la produzione di Stephen Rayne di The Two Worlds of Charlie F, un nuovo testo di Owen Sheers che trae ispirazione dalle esperienze reali di soldati che hanno prestato servizio in Afghanistan.

Non è uno spettacolo sulla guerra. È uno spettacolo sui soldati: uomini e donne che, per ragioni diverse, si arruolano per il proprio Paese, partono per terre lontane a combattere e poi devono convivere con i ricordi, le esperienze e, in alcuni casi, con ferite che cambiano la vita.

È avvincente, straordinario e illuminante; e lo è ancora di più quando si scopre che oltre metà del cast non sono attori, ma militari rientrati dal servizio che rivivono le proprie esperienze, condividono la propria vita, espongono ferite ormai cauterizzate, nel tentativo di fare luce, informare – e intrattenere – chi non ha prestato servizio in zone di guerra su com’è la vita quando, una volta per tutte, l’uniforme si toglie per sempre.

Qui non c’è sentimentalismo, nessuna sdolcinata richiesta di compassione. Anzi. Per certi versi, la brutalità dell’onestà nelle interpretazioni è difficile da sostenere; ma, nel suo insieme, il lavoro è una grande testimonianza della forza e dell’umorismo dello spirito umano comune.

Lo spettacolo si apre senza compromessi: un soldato ferito urla per il dolore, la confusione e la paura, convinto di essere stato catturato dal nemico quando in realtà si trova nell’ospedale di un campo base. La scena è tesa, violenta e incredibilmente toccante, soprattutto quando passa ad alcuni mesi dopo e incontriamo il soldato, sulla strada della ripresa, con una gamba perduta per sempre. È lui il Charlie F del titolo, interpretato con una naturalezza meravigliosa da Cassidy Little. Non direste mai che non è un attore formato accademicamente.

Il pubblico segue il viaggio di Charley, dall’arruolamento fino alla riconciliazione con la nuova vita con cui deve fare i conti – e che deve provare ad abbracciare – dopo aver perso la gamba in combattimento. È un percorso scomodo e che mette di fronte alla realtà, ma pieno di umorismo, energia e speranza. Ci sono anche grandi, poderose ondate di rabbia e orrore – ma non stona mai e non scivola mai nel melodramma o nella farsa.

Qui ci sono molte scene e interpretazioni straordinarie. Alcune che mi resteranno addosso per sempre.

Stewart Hill interpreta il Maggiore Thomas con precisione e un gelido autocontrollo: il leader perfetto, il marito perfetto che desidera la sua famiglia lontana. Poi scopri che, nella vita reale, in combattimento gli è stata danneggiata una parte del cervello e ha perso la funzione “esecutiva”, in sostanza la capacità di pensare in modo produttivo; eppure eccolo lì, a offrire una performance impeccabile, di un’intensità devastante.

Nel ruolo del fuciliere Leroy Jenkins, il doppio amputato Dan Shaw è una rivelazione. La scena in cui racconta la perdita delle gambe e il suo percorso per tornare a ricevere assistenza medica è uno dei momenti più potenti che abbia mai visto a teatro. E brilla su tutta la gamma: la scena con Charley, quando confrontano i moncherini, è al tempo stesso autenticamente divertente e folgorantemente spiazzante.

Due degli attori professionisti, Owen Oldroyd e Tom Colley, regalano un altro, crudo momento di pura forza, quando Colley si spoglia fino ai suoi blast shorts (appositamente progettati per proteggere l’apparato genitale) e Oldroyd, metodico e distaccato, mostra con precisione quali ferite può aspettarsi un soldato se mette il piede su un IED, segnando sul corpo di Colley le possibili lesioni. Alla fine della dimostrazione, il corpo di Colley sembrava un quadro di Pro Hart, macchie e segni ovunque. La muta combinazione di paura e accettazione di Colley, insieme alla ferma sicurezza di Oldroyd, rende la scena davvero devastante.

C’è anche un lavoro eccellente di Gareth Crabbe, Tomos Eames e Darren Swift, e Colley è impressionante per tutta la durata – il suo racconto di “Pink Mist” è stato al tempo stesso terrificante e seducente. Grazie a queste splendide interpretazioni, e a tutte le altre, emerge con chiarezza un senso nitido dell’esistenza del soldato.

E c’è del lavoro sensazionale anche da parte delle donne del cast, tutte impegnate in una molteplicità di ruoli, con precisione e brillantezza. Non c’erano anelli deboli, ma ho trovato Miriam Cooper e Teri Ann Bobb-Baxter particolarmente notevoli.

È importante, e testimonia davvero la bravura degli attori professionisti, quanto tutto funzioni senza soluzione di continuità, quanto sia impossibile essere certi di chi abbia davvero combattuto nella vita reale e chi stia semplicemente recitando. Oldroyd, in particolare, eccelle nel creare quel senso di unità così vitale perché l’opera riesca.

È fin troppo facile dare per scontato il lavoro dei soldati in prima linea: ma queste interpretazioni mostrano chiaramente quanto farlo sia sbagliato ed egoista.

La regia di Rayne è sicura e l’intero lavoro è al tempo stesso scomodo e coinvolgente, avvincente e persino gioioso. La scenografia essenziale di Anthony Lamble è molto efficace e le coreografie di Lily Phillips completano e potenziano perfettamente lo spettacolo.

Jason Carr firma alcune musiche deliziose. Melodie semplici, quasi ingenue, si intrecciano con naturalezza in questa, tra le opere teatrali più “virili”, e servono ad allentare la tensione, a promuovere un senso di unità e, in alcuni casi, come nella canzone Medication, a controbilanciare l’orrore intrinseco del momento. Ma davvero inquietante è la sua composizione sul “rivivere”, che affronta due dei temi chiave esplorati dallo spettacolo: il modo in cui gli ex militari rivivono ciò che hanno subito e come debbano reimparare a vivere senza l’uniforme. Magico.

Mi chiedono spesso perché vada a vedere così tanto teatro, quasi fosse un segno di follia. Forse lo è, ma la risposta è semplice: perché ogni tanto ti imbatti in qualcosa come questo nuovo testo, che dimostra il valore, la forza e la rilevanza del teatro e amplia la tua comprensione del mondo.

Ancora una volta, è qualcosa che il National Theatre dovrebbe portare in scena. Nuova drammaturgia vitale e importante, e interpreti di grande talento. La domanda da farsi è: perché il National non sostiene questa vera chicca?