RECENSIONE: The Gin Game, Golden Theatre ✭✭✭

The Gin Game

Golden Theatre, Broadway

15 Ottobre 2015

3 Stelle

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È fragile, scattante, intelligente. Potrebbe essere malata, ma c'è un vivace senso della vita in ogni sua fibra. Potrebbe avere 90 anni, ma il tempo non l'ha messa da parte. Ha un sorriso veloce, una lingua affilata, occhi penetranti - non si ha l'impressione che le sfugga molto. Ma è innegabilmente anziana. E sembra molto sola.

Lui è una massa brutale di un uomo, o, piuttosto, i resti di un uomo. Anche lui sembra molto vecchio, anche se non tanto quanto lei. È molto più alto, molto più robusto, molto più imponente, un grande orso di uomo. I suoi occhi sono luminosi, ma non quanto i suoi; si muove più lentamente, ma c'è un chiaro senso che potrebbe muoversi velocemente se lo volesse. Il suo temperamento è esplosivo, una questione dimostrata fin da subito.

La incoraggia, la costringe a giocare a Gin Rummy con lui. Vuole vincere; lei lo fa sempre, che conosca le regole, il gioco o il percorso più sicuro o meno. Quando rovescia il tavolo delle carte in un'incontrollabile rabbia per la sua maestria con le carte, non si può fare a meno di temere per la sua sicurezza. Potrebbe facilmente spezzarle il collo in un feroce accesso di rabbia.

I miei compagni di pubblico, però, l'hanno trovato divertente.

Questa è la ripresa di The Gin Game, l'opera vincitrice del Premio Pulitzer di D.L. Coburn, diretta da Leonard Foglia e ora in scena al Golden Theatre di Broadway. Quando fu prodotto per la prima volta a Broadway, nel 1977, fu interpretato dalla coppia marito e moglie, Jessica Tandy e Hume Cronyn. Non vinse un Tony Award per Best Play, ma Tandy ottenne il premio per Best Actress. Come sia riuscito a vincere un Premio Pulitzer è un mistero per chiunque, poiché è un'opera leggera e semplice, la prima opera teatrale di Coburn.

Il segreto, si sospetta, risiede nella chimica dei due attori. Con Tandy e Cronyn era incorporato: questo è un dramma su estranei che scoprono le loro somiglianze, i loro punti di fusione, mettendosi alla prova l'un l'altro. Per Tandy e Cronyn, deve essere stato come respirare, come suggerisce il film della loro recita. Altre produzioni hanno fatto affidamento su una chimica simile: Mary Tyler Moore e Dick Van Dyke; Julie Harris e Charles Durning. La chimica tra i due vecchi combattenti è davvero la chiave.

E non si può negare che Cicely Tyson e James Earl Jones abbiano chimica, una chimica del tipo come quella di un marito brutale e di una moglie a lungo sopportante. È spaventosa, temibile, emotivamente carica e totalmente credibile: migliaia di donne in tutto il mondo, Occidente e Oriente, conoscono bene quel tipo di rapporto.

Semplicemente non è divertente. Almeno, non divertente ai miei occhi. I membri del pubblico intorno a me ridevano a crepapelle, anche quando le lacrime formavano tragicamente negli occhi di Tyson, anche quando Jones stesso era sconvolto da ciò che aveva fatto ma continuava a farlo. Che cosa c'è di divertente in un uomo che aggredisce violentemente una donna, con parole, intenzioni, pensieri e azioni, soprattutto quando sa che la spaventa?

Le interpretazioni mi sono sembrate ben giudicate, forse esplorando un territorio dove le produzioni precedenti non erano arrivate. C'è una crudezza, un taglio gravemente incisivo nell'esasperazione di Jones che è intriso di violenza domestica maschile sulle donne. Non c'è niente di sbagliato in questo, è una lettura che funziona perfettamente. Semplicemente non risulta in una serata piacevole di risate carine al teatro.

Questo è il grande problema qui. Questi attori molto amati sono amati per chi sono, per quello che hanno fatto prima, piuttosto che per quello che fanno qui. In tipica moda deferente di Broadway, vengono applauditi all'entrata, prima che abbiano fatto qualcosa per meritare applausi. Questo senso di "sono stelle" permea l'azione, culla o permette al pubblico di credere che il dramma sarà un momento di buon divertimento. O forse il pubblico si aspetta solo questo e insiste su di esso come reazione.

Per me, però, è incomprensibile.

Entrambi gli attori qui stanno facendo qualcosa di completamente diverso da una commedia da salotto. Stanno cercando di fare un punto e, coraggiosamente, uno che si estende oltre la comunità caucasica. Il maltrattamento delle donne è ovunque e deve essere fermato - questo è ciò che questa versione di The Gin Game grida. È solo che nessuno sembra ascoltare.

Tyson è particolarmente efficace. È meravigliosamente viva e agile come Fonsia, l'inquilina del ricovero che vuole ancora vivere e che, soprattutto, cerca compagnia. Praticamente implora Jones di adottarla come sua compagna, e le sue "ribellioni" contro il suo cattivo comportamento hanno tutte le caratteristiche di una moglie maltrattata e leale. La scena in cui ballano insieme è straziante - mostra ciò che potrebbero avere, se solo entrambi, non solo Jones, ma entrambi, lasciassero che accadesse.

Perché, il Fonsia di Tyson insiste nell'essere la più intelligente. Giusto, dato che chiaramente lo è. Ma la sua insistenza su questo ha conseguenze per lei; la rabbia e il turbamento di Jones e, forse alla fine, il rifiuto totale. È questo il risultato giusto per lei? Lasciargli vincere ogni tanto - chiamato compromesso nella terapia di coppia, credo - permetterebbe una coesistenza più felice?

È meglio per Fonsia affermare la sua astuzia intellettuale su Weller di Jones sempre? Mentre si addentrano nella vita e nelle debolezze dell'altro giocando a Gin Rummy, è necessario che gli sbatta in faccia la sua intelligenza? Dovrebbe contare così tanto per lui che lo faccia? Dovrebbe perdonare la sua aggressione fisica violenta e tempestosa o fare ciò che può per garantire che quell'aggressione non si coaguli mai?

Queste sono domande che stanno al cuore del grande teatro. The Gin Game potrebbe non essere nella categoria dei grandi drammaturghi moderni, ma questa produzione le dà la possibilità di mirare a quel livello. Tyson lo capisce; non è chiaro che Jones lo faccia, o potrebbe.

Senza dubbio, Jones ha una delle grandi voci teatrali. I suoi profondi, sonori suoni sono davvero straordinari, e quando si prende il tempo di lasciare che la sua voce si addolcisca e brilli, è veramente notevole ascoltarlo su qualsiasi palco. C'è una rigorosa sonorità che è seducente. Ma, altrettanto, non può scrollarsi di dosso il lustro e l'immagine di Darth Vader (e chi lo farebbe!), quindi a meno che non lavori molto duramente su di esso, il senso del pericolo è una costante.

Quindi, in questa produzione, Jones diventa lo Stanley Kowalski della casa di riposo, capace di vera violenza ma non necessariamente di violenza intenzionale. Si nutre del Fonsia simile a un coniglio di Tyson con vera abilità - entrambi rendono chiari cacciatore e preda. Il problema è che il testo vede davvero Fonsia come il cacciatore...

Essere attori, prendono la loro direzione dal pubblico. Arrivano le risate. E così le interpretazioni vengono adattate per ottenere più risate. È comprensibile.

Ma, è anche semplicemente sbagliato. Con questo cast, non è una commedia. È un dramma crudo e meraviglioso sulle battaglie dei sessi e su come queste battaglie non diminuiscono con il passare del tempo. Antonio e Cleopatra si possono trovare nelle case di riposo, a giocare a Gin Rummy e a mettersi alla prova e stuzzicarsi a vicenda. L'età non diminuisce tratti innati rafforzati dalla società.

La responsabilità deve essere di Foglia. Se questo doveva essere un tentativo di re-immaginare questo dramma per un nuovo pubblico, per nuovi tempi, con combattenti centrali completamente diversi, fallisce. Avrebbe potuto essere un'esplorazione rovente e penetrante della disfunzione sessuale e sociale - e con questo cast, avrebbe potuto esserlo. Tyson potrebbe decisamente farlo; Jones, probabilmente, con la giusta visione registica.

Invece, il dramma mira al ripugnante terreno di mezzo, dove la violenza contro le donne è divertente e il pubblico la trova così. Prendere la strada meno battuta, come Robert Frost sapeva fin troppo bene, avrebbe fatto tutta la differenza.

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