RECENSIONE: Un Grappolo di Uva al Sole, Teatro Ethel Barrymore ✭✭✭✭

Raisin in the Sun

Ethel Barrymore Theatre

8 aprile 2014

4 stelle

Capita spesso che il pubblico lasci uno spettacolo durante l’intervallo. I motivi possono essere molti. Questa sera, oltre venti persone sono uscite dalla ripresa di Raisin in the Sun, attualmente in scena all’Ethel Barrymore Theatre di Broadway. Tutti quelli che se ne sono andati erano bianchi e avevano più di 40 anni. Alcuni hanno detto cose del tipo: «Non ho bisogno di vedere una cosa del genere a teatro» e «Che mucchio di ****». Quattro persone hanno condiviso il commento: «Tornatevene in Florida, dove questa **** non succede».

Davvero.

Siamo nel 2014.

Raisin in the Sun di Lorraine Hansberry è stato portato per la prima volta a Broadway nel 1964. È stata la prima donna afroamericana a vincere il New York Drama Critics Circle Award. Il suo testo è stato un traguardo epocale.

Lo è ancora.

Sono pochissimi i testi che raccontano la vita degli afroamericani negli Stati Uniti. Questo è straordinario sotto ogni aspetto: dialoghi intelligenti e illuminanti; personaggi che vibrano di rabbia e indignazione, ottusità e solidità morale; una trama che non va mai esattamente dove ci si aspetta; e, più di ogni altra cosa, una rappresentazione autentica della lotta fra assimilazione, sottomissione e riconoscimento delle proprie radici.

Da un altro punto di vista, sono rarissimi i testi che offrano personaggi femminili così splendidi: donne che, semplicemente, sono nere. Ma qui ce ne sono tre, e ognuna di loro è un gioiello.

Questa produzione è diretta da Kenny Leon, che aveva già diretto il testo nella precedente messa in scena a Broadway. Ma questa è una produzione molto diversa dalla precedente.

Il dramma ruota attorno alla famiglia Younger: la nonna, il figlio e la figlia, la moglie del figlio, il figlio di quest’ultimo e altri ancora. L’azione si svolge in un piccolo appartamento a Chicago, dopo la morte del capofamiglia. Come verranno spesi i soldi dell’assicurazione? Chi deciderà? Le donne di casa o l’uomo, il figlio del defunto? Che cosa significa quella decisione per l’intera famiglia? Che cosa succede quando insegui il tuo sogno e si trasforma in un incubo? Come si concilia l’amore con l’incomprensione?

Il testo affronta temi enormi, ma in un ambiente ristretto e intimo. Eppure la famiglia rappresenta un microcosmo delle famiglie nere in tutta l’America. Seguono un modello matriarcale o adottano un modello patriarcale per adeguarsi ai bianchi? Come si sfugge a una servitù di fatto? Qual è la differenza, ammesso che ci sia, tra integrarsi e sapersi difendere?

In poche parole: è un testo incredibile ed è difficile credere che sia stato scritto 50 anni fa. Sembra pertinente, fresco e allarmantemente centrato.

Tutto, in questa produzione, irradia stile. La scenografia di Mark Thompson è deliziosamente consumata e perfettamente d’epoca. L’uso di una pedana mobile — che avanza verso il futuro e arretra nel passato — è un’idea geniale. Anche i costumi di Ann Roth evocano con precisione un’epoca lontana.

Leon dirige con energia e chiarezza. Da personaggi e situazioni viene spremuta ogni stilla di umorismo, ma senza alcuna condiscendenza. È un umorismo organico, che nasce dalle reazioni e dalle azioni di una famiglia vera, capace di amore.

Le tre donne straordinarie tracciano i vertici di un triangolo immaginato con grande finezza. Qualunque sia l’ipotenusa, i lati sono amore e dovere. Ora cupo, ora impalpabile, il triangolo risuona come se fosse uno strumento essenziale in orchestra.

Latanya Richardson Jackson è superba nei panni di Lena, la nonna e matriarca. Severa e insieme capace di gioia, magnifica e magnetica, è la magnificenza fatta persona: una forza della natura, un genitore caldo e amorevole e una protettrice feroce. E in più sa raccontare una battuta e fare osservazioni divertenti. È difficile non desiderare che sia la propria nonna. Un’interpretazione di enorme potenza e sottigliezza.

Altrettanto impressionante — anzi, forse persino di più — è Sophie Okonedo nel ruolo di Ruth, la moglie del figlio di Lena. Fin dai primissimi momenti, quando è sola in scena con i propri pensieri, contratta, provata e stanca per il peso che porta addosso, la sua Ruth è un saggio vivente di pragmatismo e sensibilità. Okonedo è sbalorditivamente brava in ogni aspetto. Le darei un Tony Award subito.

Anika Noni Rose è deliziosa come Beneatha, la figlia di Lena, aspirante medico: bella e corteggiata da un uomo che vorrebbe vederla accettare l’assimilazione nel mondo dei bianchi e da un altro che le ricorda la verità delle sue origini e vuole risvegliare in lei il senso di dove è cominciata la sua storia. Rose cattura magnificamente questo conflitto. La scena in cui si veste da donna nigeriana e danza in modo tradizionale è davvero splendida — eppure, stranamente, anche inquietante. Non dovrebbe essere possibile vedere così facilmente dentro la storia di una persona… o forse sì? È una delizia.

Nel ruolo dell’uomo che, in casa, sbatte e si trascina fra ciascuna delle tre donne, Denzel Washington sorprende. La sua interpretazione ha una qualità lugubre che va oltre lo status da star: è un ritratto senza sconti, un attacco coraggioso all’idea stessa di che cosa sia una star. A tratti vile, violento, brutale e svuotato, Washington è cangiante in modo disfunzionale. Il suo Walter Lee è un perdente per antonomasia, un disastro totale — ma è anche vero, spinto dal bisogno di dimostrare la propria mascolinità. Facendo emergere il bambino interiore, Washington rende Walter Lee completamente comprensibile, del tutto imperdonabile e, stranamente, anche simpatico nella sua imperfezione. È straordinario.

Nel ruolo del razzista particolarmente spregevole, però avvolto da una facciata zuccherosa e cordiale di ospitalità, David Cromer è energico e terribilmente efficace. Le sue scene con la famiglia, mentre cerca di convincerli a non trasferirsi a Clybourne Park — dove Lena ha comprato una casa — perché i bianchi del quartiere hanno lavorato duro per avere la comunità che desiderano, fanno venire la pelle d’oca. Cromer centra il personaggio in due scene formidabili. Darei un Tony anche a lui, subito.

Sean Patrick Thomas rende l’idealista Joseph — che vuole portare Beneatha con sé in Nigeria e lavorare lì come medico — un uomo luminoso e credibile. Il suo rivale, George interpretato da Jason Dirden, è altrettanto incisivo: il ragazzo del college con scarpe bianche e completo, quello che vuole disperatamente integrarsi nell’America bianca moderna. Entrambi gli attori fanno respirare personaggi eccezionali con verità e realismo.

Caldo e scomodo a fasi alterne, il testo di Hansberry ci obbliga a considerare direttamente la condizione dei neri americani e a guardarli come pari: persone che vivono, sognano, riescono e falliscono proprio come chiunque altro.

Era un testo importante nel 1964 e, vista la reazione di alcuni questa sera, lo è ancora oggi quanto lo è sempre stato. Suggerisce che uguaglianza e onestà sono gli strumenti dell’essere umano autentico — e chi può o vuole contestare questa proposta, be’, non vale la pena nemmeno pensarci.

Un cast di grande talento fa vibrare e fremere un testo importantissimo di gioia, orrore e della brutalità della vita di ogni giorno. È teatro con la T maiuscola.