RECENSIONE: Once We Lived Here, Kings Head Theatre ✭✭✭✭

Un tempo vivevamo qui. Foto: Roy Tan Un tempo vivevamo lì

King’s Head Theatre

24 aprile 2014

4 stelle

Giovedì scorso ho infranto una regola fondamentale (non entrare mai in sala a spettacolo iniziato; è una mancanza di rispetto verso gli artisti e gli altri spettatori), a causa della solitamente efficiente London Overground che, in via del tutto insolita, era in avaria e in piena modalità “White Rabbit”. Meno male, perché altrimenti avrei perso la prima londinese del musical di Dean Bryant e Matthew Frank Once We Lived Here, in scena al King’s Head Theatre.

E sarebbe stata una tragedia, perché si tratta di un lavoro importante e davvero notevole di teatro musicale: uno spettacolo da sostenere e assolutamente da vedere.

Se fosse stato scritto nel Regno Unito, sono convinto che un’istituzione come il National Theatre avrebbe avuto ottime probabilità di prenderlo in carico e valorizzarlo, coltivandolo e sostenendolo. Anni di workshop e l’apporto di una casa di produzione ben dotata di risorse avrebbero garantito una gestazione serena e collaborativa, seguita poi da una produzione a pieno regime con tutti i crismi. Ma l’Australia non ha un equivalente del National Theatre e la volontà governativa di sostenere davvero la drammaturgia nazionale è praticamente inesistente.

Once We Live Here è, sotto ogni aspetto, un’opera migliore di The Light Princess, eppure quest’ultima ha avuto un periodo di incubazione e un debutto in grande stile che la prima poteva solo sognare — e che avrebbe meritato.

La scrittura pulsa di una schiettezza e di una sensibilità completamente australiane. I personaggi sono tratteggiati con abilità e la storia che percorrono a galoppo è piena di svolte e sorprese come un ruscello di campagna. C’è anche un caldo costante: nella temperatura in cui vivono i personaggi nella fattoria e nei temperamenti che ribollono senza sosta, resi più taglienti o più spenti dalle ferite del passato, dai fraintendimenti, dalla vergogna e dal dovere.

Il punto di partenza è piuttosto semplice. Una fattoria nell’Australia rurale. Una figlia è scappata in città; un figlio è partito per il bush. La figlia maggiore è rimasta in fattoria, vivendo la vita che crede suo padre — ormai morto — avrebbe voluto per lei. La madre sta morendo di cancro, così i figli tornano a casa e le tensioni irrisolte sbocciano e sbuffano in modo scomodo e doloroso, ma con un realismo sorprendente. Aggiungete l’incognita del ritorno di un ex bracciante della fattoria e la miccia è pronta.

La scrittura di Bryant è essenziale, autentica e piena di dolore e speranza. Gioca bene con la linearità del tempo, così incontriamo la famiglia in momenti diversi della loro vita in fattoria. Strato dopo strato, emergono le cose che li dividono, ma anche quelle che li tengono insieme.

La musica di Frank è per lo più ammaliante, a tratti splendida, ma mai noiosa. È intrisa anche lei di Australia e i suoi momenti migliori sono davvero notevoli: Ordinary Day, Guitar Lesson, Only You, We Like It That Way, The Leaves In Summer. Ogni brano è una piccola gemma.

Bryant ha anche diretto questa produzione. Ho il sospetto che ciò di cui questo spettacolo avrebbe davvero bisogno sia un regista senza alcun legame con il testo. Come accade spesso a teatro, lo spettacolo è in realtà più grande della somma delle sue parti, e uno sguardo fresco aiuterebbe a portare alla luce alcune sfumature nascoste dei personaggi e della storia.

Le migliori interpretazioni, qui, sono davvero molto buone.

Shaun Rennie è delizioso nei panni di Burke, il bracciante nomade il cui ritorno alla vecchia fattoria dei Macpherson ha conseguenze per tutti i membri della famiglia. Virile, ruvido e silenziosamente trattenuto, Rennie è l’emblema del bushman disinvolto: a suo agio con chiunque, pronto a mettersi a fare qualsiasi cosa e sempre con l’occhio puntato su un’occasione, che sia con la moglie di un agricoltore o con una prospettiva di lavoro. Con una barba che raccontava lunghi periodi di solitudine e contemplazione, la sua prova era rilassata e complessa, e Rennie cantava con una naturalezza impeccabile.

Nei panni di Lecy, la figlia che è fuggita dalla fattoria per il glamour, la superficialità e l’eccitazione della città, Belinda Wollaston è insieme irresistibile, tagliente e vulnerabile. Gestisce bene la comicità un po’ svampita, ma è anche straordinariamente efficace nelle scene più intricate degli intrecci familiari. Anzi, è proprio Wollaston a convincere più facilmente il pubblico che i Macpherson sono una famiglia: lega madre, fratello e sorella con un’interpretazione generosa, brillante e curata nei minimi dettagli. Canta inoltre con slancio e calore, e la scena finale e riflessiva — “Quando eravamo piccoli, ci divertivamo tanto qui” — è davvero sentita e di forte impatto.

Melle Stewart si è buttata con entusiasmo nel ruolo della sorella maggiore, Amy, la maschiaccio “mini-me” dell’agricoltore, sempre avvolta nell’ombra del padre scomparso. Dava il meglio nelle scene con Rennie (Amy e Burke hanno un passato e questioni lasciate in sospeso), dirette, piene di fascino e dolorosamente oneste. Anche i battibecchi con la Lecy di Wollaston erano precisi: una resa perfetta di quello speciale legame tra sorelle — nessuna pazienza per le sciocchezze, ma ogni parola pesata sul bilancino degli affetti. Stewart ha una gran voce e si fondeva bene con la partitura, regalando alcuni dei momenti musicali più belli della serata.

È difficile restituire un accento australiano autentico; lo è ancora di più quando il cast intorno a te è interamente australiano, ma Lestyn Arwel se l’è cavata meglio di molti (anche se, più spesso che no, sembrava il fratello Macpherson arrivato dalla Nuova Zelanda). Arwel ha un fascino naturale in scena che, curiosamente, sembrava però andare contro il personaggio cupo, imbronciato e completamente smarrito del più giovane dei Macpherson, Shaun. Mentre le sorelle erano chiaramente definite, Shaun risultava più amorfo, più sfuggente. Sembrava una scelta di recitazione/regia più che qualcosa insito nella scrittura — e una scelta strana, perché, man mano che la serata procede, Shaun si rivela un personaggio complesso, ma scritto con la stessa precisione delle sorelle.

Claire, la matriarca dei Macpherson, è una di quelle donne abbronzate, concrete e instancabili su cui è stato costruito l’outback australiano: inarrestabile, asciutta, brillante, saggia, dal cuore grande e incorreggibile. Il tipo di donna che non lascerebbe che una seccatura come un cancro terminale le impedisse di fare una giornata piena di lavoro e di prendersi cura degli altri. Simone Craddock se l’è cavata dignitosamente, ma avrebbe dovuto aumentare la “terra-terra” ruvida e senza fronzoli — quella severa gioia tipica — insita in questa figura feroce e magnetica. Claire ha più alti e bassi di quanti Craddock sia riuscita a far emergere qui.

Alex Beetschen e la piccola band hanno suonato con energia e stile. In generale, il canto era di livello molto alto e ha messo in luce i tanti piaceri della partitura.

Lo spazio è minuscolo e la scenografia di Christopher Hone è riuscita bene a evocare i diversi luoghi dentro e intorno alla fattoria.

È una gioia vedere e ascoltare voci creative australiane, sul palco e dietro le quinte, a Londra. Questo spettacolo merita una produzione su larga scala, adeguatamente finanziata e promossa. È un vero peccato che la sua breve programmazione si sia ormai conclusa.