RECENSIONE: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman e Stephen Wight in McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

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‘L'amore non guarda con gli occhi ma con la mente.’

Shakespeare, Sogno di una notte di mezza estate McQueen ha aperto quest'anno al St James Theatre e ora si trasferisce per una limited run nel West End al Theatre Royal Haymarket dopo alcuni cambiamenti nel cast e una riscrittura da parte del drammaturgo James Phillips. È diretto da John Caird, con coreografie di Christopher Marney, e vede Stephen Wight nei panni di McQueen stesso, che vediamo mentre prendiamo posto, passeggiando sul palco, già nel ruolo, indomabile e imprevedibile, girando e contemplando la cintura con la quale potrebbe essere sul punto di porre fine alla sua vita…. Alexander/Lee McQueen - la sua vita, il suo lavoro, i suoi associati, la tragica morte e l'eredità - offre un tesoro di materiale quasi troppo ricco per il trattamento drammatico. Nella recente straordinaria retrospettiva del V&A, Savage Beauty, c'era un notevole cappotto di piume dorate, alto nel colletto e stretto in vita, che riappare in forma modificata per interpretare un ruolo qui nella seconda metà come simbolo di come i vestiti possano trasformare chi li indossa. Per me, tuttavia, era anche un simbolo della complessità di questo soggetto – apparentemente fatto di superfici scintillanti e un eccesso di glamour – simile alla stravaganza Regency dell'Haymarket dove ci siamo riuniti tutti la sera della stampa; ma dove il cuore della questione risiede nell'evocare la psiche di un uomo che secondo coloro che hanno lavorato con lui sprizzava con altrettante idee e umori in un giorno quante sono le piume in quel glorio cappotto.

Stephen Wight, Laura Rees in McQueen Con una vita e morte vissute sotto i riflettori della pubblicità, dove ci sono molte persone che hanno conosciuto bene McQueen, e la maggior parte di noi ora pensa di sapere qualcosa, il compito di catturare l'essenza del genio vertiginoso dell'uomo e le sue molteplici contraddizioni e darle nuova vita drammatica è davvero una sfida ardua. Sappiamo dal suo City Stories, recensito qui pochi mesi fa, che James Phillips ha una mente innovativa per la struttura, un modo poetico e suggestivo con il dialogo, una profonda comprensione dell'interpenetrazione di parole e musica, e un collaudato talento per scrivere sulla vita londinese, tutti necessari all'equazione. Sarà all'altezza di questa nuova sfida?

Ciò che ci viene dato è una storia da favola che elabora la trama di uno degli elaborati scenari da passerella di McQueen, semi-operiali. Dahlia (Carly Bawden) dopo aver osservato McQueen da un albero nel suo giardino, entra nella sua casa per rubare un vestito, e incontra il designer stesso tra i suoi manichini nel seminterrato. Chiama il suo collaboratore di lunga data Philip Treacy per un consiglio su chiamare la polizia, ma la testarda Dahlia lo incanta con un patto: sparirà alla fine della notte se in cambio la trasforma in una principessa facendole un abito e mostrandole diverse visioni di Londra. Lui accetta nella speranza di trovare anche ispirazione per rispettare la scadenza della sua prossima collezione.

Ciò che segue è una sequenza di scene fantasmagoriche che esplorano relazioni chiave, esperienze e problematiche nella vita di McQueen – la sua formazione a Savile Row, la sua amicizia con Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), una festa al V&A dove la giornalista Arabella (Laura Rees) ne sfida l'autenticità del talento, e la sua stretta connessione con la madre e le radici di Stratford. In molte di esse Dahlia è un'osservatrice, una partecipante stramba o un'espressione della parte 'femminile' di McQueen; ma alla fine è chiaro che voleva sempre più di un vestito da questo incontro. Ogni scena è collegata alla successiva da un episodio coreografico in cui nove ballerini canalizzano i temi attraverso l’immagine visiva di una delle sue aperture classiche, usando la stessa musica che veniva suonata in quelle occasioni. Torniamo finalmente al seminterrato dove abbiamo iniziato mentre la notte finisce, Dahlia parte e Lee ha il suo concetto per la sua prossima collezione...

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (seduto), Jordan Kennedy, Amber Doyle e Sophie Apollonia in McQueen Questo spettacolo non è quindi un documentario biografico diretto, il che è sicuramente una decisione corretta; perché sarebbe difficile evitare un'esposizione di fatti ingombrante e non drammatica da un lato, o un sensazionalismo tabloid dall'altro. Phillips è molto più interessato a catturare la multiformità mercuriale della personalità angosciata ma tenace e umoristica di McQueen e a esplorare la natura e le fonti della sua creatività. Raggiunge entrambi questi obiettivi, il primo aiutato da una performance eccezionalmente dettagliata e ipnotica di Wight, che è molto più di un'imitazione. E il secondo si realizza perché riesce, per buona parte del tempo, a trovare una formula drammatica sia per descrivere i talenti di McQueen sia a mostrarli al lavoro. Un esempio di ciò viene sotto forma di una serie di monologhi notevoli sparsi per lo spettacolo in cui il designer analizza le sue intenzioni forensi ed estetiche. Questo potrebbe facilmente non funzionare. Potrebbe diventare troppo didattico o semplicemente troppo ingannevole – 'Sei Costumi in Cerca di un Stilista' ecc.. Che non lo sia è un omaggio all'attore e al modo in cui la scrittura ti costringe a guardare e immaginare con l'occhio di un designer. È un po' come la storia di Conan Doyle in cui Holmes ti racconta tutto sulla vita di una persona da pochi dettagli dei suoi abiti, e li vede da dentro. La qualità brillante ma anche destabilizzante, impietosa e isolante di quel grado di percezione è resa palpabile; tanto che c'era un extra intenso silenzio di concentrazione interiore proprio tra il pubblico alla moda e fashionista. Sapevano che anche loro erano sotto il microscopio a quel punto... Abbiamo avuto un drammatico senso palpabile del perché McQueen fosse un uomo sia affascinante che allarmante da avere attorno.

Un altro esempio di mostrare e raccontare che funziona bene in tandem è nella scena ambientata in Anderson & Sheppard, dove McQueen è stato formato. Il suo taglio del vestito fatto per Dahlia sulla sua persona ha dimostrato nel modo più diretto possibile le abilità di sartoria tradizionali che ha imparato lì, e il dialogo con il suo mentore Mr Hitchcock (Michael Bertenshaw) ha rivelato l'equilibrio tra un senso di storia e sovversione che ha sempre cercato di mantenere nel suo lavoro: se vuoi essere un iconoclasta devi prima essere un tradizionalista!

Stephen Wight, Laura Rees e Carly Bawden in McQueen

Non tutto riesce. La scena con Isabella Blow è un ampio duetto barocco tra due dive naturali, ma manca di mordente drammatico come risultato, più ancora quando c'è una buona dose di riempimento di 'fatti che devi sapere prima' vagamente goffo. Se questo fosse un'opera potresti cavartela con questa confezione di retroscena, ma non qui. Più seriamente c'è una vaghezza attorno al personaggio di Dahlia che non è sempre utile e a volte mina la coerenza drammatica. Qual è esattamente il contributo di Dahlia? Come musa, mero dispositivo teatrale, o proiezione di parte della personalità di Lee? Questo è importante particolarmente nella seconda metà dello spettacolo dove è molto più prominente e non basta lasciare questa questione in sospeso non risolta. Non ci preoccupiamo abbastanza di lei come personaggio a questo punto per far sì che la struttura drammatica regga il peso, e questo è solo parzialmente riscattato dal memorabile riassunto che Lee riesce a consegnare nei minuti finali.

Non sono sicuro che inserire un intervallo per il West End abbia effettivamente giovato allo spettacolo. Funzionerebbe meglio in sequenza continua senza dare uguale peso al materiale più debole in quello che è ora la seconda metà, mentre mantiene l'ambiente delicato della fantasia ininterrotto.

I valori della produzione sono eccellenti. La regia è fluida e con un occhio pittorico per i tableau visivi quanto per l'energia cinetica. La coreografia è straordinariamente variata e immaginativa: i ballerini liberano il set, posano come manichini, e in effetti agiscono maggiormente come un coro non vocale offrendo un commento visivo integrato con l'azione. Il team del guardaroba ha svolto il compito difficile di fare riferimento al lavoro del designer senza copiarlo in modo schiavo, e le proiezioni video offrono un vivido senso delle location di Londra quando necessario.

Stephen Wight come Lee in McQueen

L’incarnazione di McQueen da parte di Wight è senza pari. Le manierismi, la combinazione di audacia e vulnerabilità nel discorso e nel movimento, gli estremi di sensibilità e volgarità, considerazione e egoismo spietato, erano tutti al loro posto, insieme a una consapevolezza di depressione, paura della morte e la natura allarmante del proprio talento che è finemente osservata. Bawden fa molto bene con Dahlia, assicurandosi che tenga testa al personaggio di Wight quando necessario senza perdere il suo fascino sciocco: ma il ruolo stesso è davvero ancora incompleto. Oberman e Rees sfruttano al massimo le loro opportunità, e il sarto gentleman sottovalutato di Bertenshaw fornisce un gradito punto di riposo e moderata calma contrastante.

La serata è continuamente stimolante, spettacolare visivamente, e altamente ingegnosa nell'integrare design, musica, danza e caratterizzazione per offrire un ritratto dettagliato delle fonti della creatività di McQueen come probabilmente otterremo. Parti sono sia inaspettatamente divertenti che genuinamente commoventi. Mettere il processo creativo di un artista stesso sul palco è un affare difficile – in tempi recenti forse Domenica nel parco con George è l'unico esempio completamente riuscito. Mancando un trattamento musicale o operistico della vita di McQueen – qualcosa che potrebbe ancora valere la pena di fare data l'ampiezza che il soggetto offre a tutte le arti teatrali – questo spettacolo si erge come un audace e ampiamente riuscito ritratto artistico.

Lo spettacolo recupera e riafferma trionfalmente il credo di McQueen che il design è al suo meglio un atto di amore per la persona – un riassunto di chi quell'uomo o donna era, è e può diventare – e quindi risiede, paradossalmente, nella mente tanto quanto puramente nel senso visivo. È per questo motivo che Alexander McQueen ha scelto la riga di Shakespeare che apre questa recensione da indossare come tatuaggio – un simbolo per il suo tempo, e – certamente – per tutti i nostri tempi.

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