RECENSIONE: Into The Woods - Il film. Uscito il 9 gennaio 2015

Into The Woods: Il film

Regia di Rob Marshall

In uscita il 9 gennaio 2015

Com’era che faceva quella vecchia canzoncina? "If you go down to the woods today, you're sure of a big surprise..." Mai parole furono più azzeccate se si va a vedere il film di Rob Marshall tratto dal musical del 1987 di Stephen Sondheim e James Lapine, Into The Woods. La versione cinematografica è piena di sorprese.

La prima sorpresa è quanto siano straordinariamente belle le orchestrazioni della musica di Sondheim. Sono semplicemente splendide – e nella musica di scena ci sono altre sorprese, se la si ascolta con attenzione. Frammenti di melodie di altri musical di Sondheim fanno da contrappunto eloquente e divertito all’azione.

La seconda sorpresa è il modo in cui vengono realizzati il regno e la “realtà” del Bosco. Bello e intricato, sconfinato e al tempo stesso preciso, questo è un mondo fiabesco insieme del tutto credibile e completamente magico: sentieri, alberi, ruscelli, torri, tombe, piste, fiori, campi, castelli, rovi, montagne, colline, massi, torrenti, pozze di catrame, cascate, cespugli e radure, il tutto illuminato in modo magnifico ed evocativo, inquietante e seducente.

La terza sorpresa è l’eccellente resa della magia. Non è poi una vera sorpresa, perché il cinema riesce quasi sempre a fare più del palcoscenico – ma qui c’è un’illusione meravigliosa: le apparizioni e sparizioni selvagge ed esplosive della Strega, l’evocazione dell’abito di Cenerentola, il fagiolo magico, il ritorno in vita di Milky White, la luna blu, lo straordinario finale di Last Midnight. La magia è resa in modo bellissimo e irresistibile.

La quarta sorpresa riguarda i cambiamenti a trama, personaggi e partitura. Sono numerosi e, in alcuni casi, sbalorditivi. Se conoscete il musical teatrale, è probabile che restiate perplessi nel migliore dei casi, inorriditi nel peggiore.

Tuttavia, si tratta di un adattamento cinematografico: non cerca di ricreare la magia del palcoscenico. Ne crea una propria. Le scene di Raperonzolo, per esempio, non sono mai state così riuscite come qui; e nemmeno l’incontro tra i due Principi fratelli, che culmina nel delizioso "Agony", è mai arrivato alle vette che raggiunge qui, almeno per quanto riguarda la bellezza fisica delle ambientazioni – radure nel bosco, un ruscello di montagna gorgogliante/cascata, un belvedere roccioso da cui si domina il regno. Non tutti i cambiamenti sono graditi. Accorciare racconto e partitura porta con sé delle conseguenze. Nella prima metà c’è una strana assenza di urgenza; nessuno sembra davvero disperato di realizzare il proprio desiderio, tranne la Strega. Cenerentola appare incerta sul Principe fin dall’inizio, e questo mina la gioia che si dovrebbe provare quando lo sposa. La festosa celebrazione che di solito arriva alla fine del primo atto – quel momento glorioso di piacere senza freni in cui ogni personaggio principale vede esaudito il proprio desiderio e si abbandona alla prospettiva del "Per sempre felici e contenti" – qui è quasi del tutto assente, così non si raggiunge mai il vero apice.

Il che rende la discesa nel buio e nella miseria – e nella verità – meno efficace di quanto dovrebbe. Senza una vera celebrazione, rimpianto e dolore non mordono allo stesso modo.

C’è una seria riserva su questo film: tenta di semplificare le complessità presenti nei testi di Sondheim e nel copione di Lapine. Eliminare No More e la ripresa di Agony cambia radicalmente le dinamiche. Tagliare piccoli momenti di riflessione musicale, come l’addio di Jack a Milky White o il Primo e il Secondo Midnight, porta via parte delle finezze, delle intuizioni sui personaggi, che rendono Into The Woods un’esperienza così ricca e gratificante.

No More è l’apice emotivo e narrativo del musical teatrale. È il momento in cui il Fornaio fa i conti con e accetta il suo passato, il suo presente e il suo futuro; il momento in cui finalmente sceglie – di sopravvivere, di lottare, di proteggere suo figlio. Di smettere di crogiolarsi nella propria infelicità. È il suo momento nel Bosco e, proprio come quello di sua moglie prima di lui, influenza tutti gli altri protagonisti.

Qui, l’idea della canzone si riduce a poche battute, James Corden che singhiozza come un tricheco cucciolo abbandonato, e la manifestazione inspiegata, da parte di Simon Russell Beale, del padre assente o morto (o entrambe le cose) del Fornaio. È un sostituto davvero povero per una delle canzoni più straordinarie di Sondheim.

Ma forse era il male minore. Di certo, non c’è nulla nel canto di James Corden che vi faccia desiderare di sentirne ancora. Qui mette l’“ord” in tutto, non solo nel suo nome, dall’inizio alla fine. E sebbene ci sia una solida ragione narrativa per cui funzioni da narratore dell’intera storia, la sua resa è talmente mortalmente monotona da rendere la narrazione superflua. È un’interpretazione grigia, autocompiaciuta, senza direzione, priva di fascino e piena zeppa di occasioni mancate.

Canta It Takes Two come se il testo fosse I Am The One.

Il che è ancora più sconcertante perché la Moglie del Fornaio di Emily Blunt è una gioia assoluta sotto ogni aspetto. Sottile e sicura, Blunt attraversa alla perfezione le molte emozioni e i desideri che definiscono il personaggio; è il cuore saldo del film. Volete che abbia un bambino, volete che abbia il Principe, volete che abbia il suo "And"; vi porta con naturalezza nel suo viaggio. Il suo Moments In The Woods è davvero delizioso.

Anna Kendrick è una Cenerentola splendida, un equilibrio preciso tra personaggio fiabesco ed essere umano reale. Le sue scene con Blunt sono meravigliose e, almeno per me, Steps of the Palace è il momento migliore del film. Kendrick canta con una precisione incantevole, ogni nota e ogni parola curata al millimetro. È straordinariamente affascinante in ogni senso e il suo scambio finale con il Principe di Chris Pine è di una desolazione bellissima.

Pine è davvero sensazionale; l’incarnazione perfetta del bel Principe Disney, monodimensionale; tutto spavalderia, fibbie e denti scintillanti. È stato un errore non averlo fatto radere: il suo aspetto trasandato rende più prevedibile il suo allontanarsi dal sentiero. Ma, davvero, è formidabile e si prende in giro senza pietà, con grande effetto comico, in Agony.

Billy Magnussen gli tiene testa e forse ricava ancora di più da meno nei panni del Principe di Raperonzolo, il fratellino di Pine. La loro rivalità fraterna è costruita con abilità e humour e Magnussen sceglie un Principe pulito e impeccabile, il classico “bravo ragazzo della porta accanto”, anche se con pantaloni di pelle attillati e una riuscita vena di goffaggine comica. È tutto calibrato alla perfezione, e le sue scene con Raperonzolo brillano di calore e vero amore. La scena in cui lei gli guarisce gli occhi è davvero magica.

Il film dà maggiore spazio a Raperonzolo, e Mackenzie Mauzy afferra l’occasione a piene mani (e con tutte le sue ciocche). Canta divinamente, stabilisce il suo amore per il Principe in un attimo di tempo sullo schermo e lavora con finezza nelle scene con sua madre, la Strega di Meryl Streep. Stay With Me diventa un duetto stupefacente, anche se Mauzy resta per lo più in silenzio. Ma offre a Streep moltissimo materiale su cui lavorare, e il risultato è travolgente. Streep è, per tutto il film, ipnotica. Non si lascia sfuggire nulla, trova ogni sfumatura e possibilità nel testo, e crea una Strega desolata, straziata dal dolore e determinata a ottenere ciò che per lei conta. I suoi arrivi e le sue uscite da derviscio vorticoso sono gloriosi e sa come vendere una canzone, trovare nuove idee in melodie che credi di conoscere davvero. È divertente, sensuale e diretta. Last Midnight è tra le migliori interpretazioni che abbia mai visto: elettrizzante ed esultante.

Tracey Ullmann è una Madre di Jack memorabile e acuta in modo molto specifico. Mi è piaciuto il suo approccio di buon senso a ogni cosa, il suo disprezzo per Milky White e la sua paura disperata della povertà, seguita dall’adattamento alla ricchezza. Il suo senso di grandiosità un po’ ridicola contrastava bene con il pragmatismo iniziale. I suoi ultimi momenti sono stati molto toccanti.

Joanna Riding è perfetta come fantasma della madre di Cenerentola (canto elegante, etereo), Annette Crosbie è un’ottima Nonna e la splendida Frances de la Tour rende la Moglie del Gigante toccante ma omicida.

Non mi sono piaciuti né Jack né Cappuccetto Rosso; i veri giovanissimi semplicemente non riescono a trovare le profondità che questi personaggi hanno. Johnny Depp ha offerto una lettura fresca del Lupo, ma si è perso molto a causa della giovane età di Cappuccetto e della scelta di non raddoppiare il ruolo di Lupo e Principe. Sorprendentemente, Christine Baranski, Tammy Blanchard e Lucy Punch non sono incisive come dovrebbero nei panni della terribile famiglia di Cenerentola; in parte è il design del loro look, ma non solo. Occasioni mancate.

Consentendo primi piani severi e punti di vista multipli sulle scene, il cinema offrirà sempre al cast l’opzione del “less is more”, spesso con grande efficacia. Altri possono aver creato in teatro caratterizzazioni dal vivo (e cantate) migliori, ma questo non sminuisce la sostanza del lavoro qui.

No. Il problema qui, al di là dello spettacolare errore di casting di Corden, è che troppo poco dello spettacolo teatrale viene tradotto sullo schermo. Il film non è né una versione dello show né una creazione autonoma davvero speciale: è una via di mezzo; né ultimo della cucciolata né vincitore del premio. Non è una semplice fiaba e non è nemmeno un’analisi complessa delle differenze tra desiderare, volere e ottenere. E per questo, perde leggermente la rotta dopo l’arrivo nel regno della Moglie del Gigante. Ma non in modo fatale.

Il fatto è che Sondheim, come al solito, era avanti in questo gioco. Fa cantare alla Moglie del Fornaio:

"Just remembering you've had an "and" When you're back to "or" Makes the "or" mean more Than it did before. Now I understand" Questo film crea un "And". È perfettamente possibile godersi sia il film sia lo spettacolo teatrale; ma, per quanto mi riguarda, il film dimostra splendidamente che lo show a teatro “significa” più di quanto significasse prima del film. Into The Woods è un capolavoro; il film di Rob Marshall te lo fa vedere con chiarezza.

Non perdetelo. Ma fate attenzione a ciò che desiderate...