RECENSIONE: Fings Aint What They Used T'Be, Theatre Royal Stratford East ✭✭✭✭

Fings Aint What They Used T'Be. Foto: Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

Theatre Royal, Stratford

21 maggio 2014

4 stelle

Fings Ain't Wot They Used T'Be, di Lionel Bart (musica e testi) e Frank Norman (libretto), ora riproposto proprio nel luogo in cui è nato, il Theatre Royal Stratford East, in un nuovo allestimento diretto da Terry Johnson, mette il consueto pubblico britannico di appassionati di teatro di fronte a una serie di rompicapi scomodi, a tratti persino disturbanti.

Che ci fa Ryan Molloy a sprecare tempo in questo? Jessie Wallace - ma che diavolo? Davvero Bart ha scritto quella canzone per questo? Perché riproporlo: non vedreste mai niente del genere al National? Dov’è una vera linea di chorus? Si può usare quel linguaggio in scena? Che cosa ho appena visto?

È importante affrontare queste domande difficili con la dovuta attenzione.

Per cominciare, Ryan Molloy. Famoso per il ruolo di Frankie Valli nel fenomenale successo Jersey Boys, Molloy passa gran parte del primo atto facendo ben poco, come membro dell’ensemble, cantando e ballando con tutti gli altri: uno della variopinta combriccola di finti malviventi che bazzicano il bar di Fred e si dedicano a piccoli reati e manovre da cattivi di cartapesta, oltre a un pizzico di prostituzione.

Molloy è eccellente in tutto questo. Nessun dubbio. Ma perché dovrebbe farlo?

Perché a metà del primo atto fa il suo ingresso nei panni di Horace, l’allegro arredatore d’interni che Fred chiama per rinnovare l’aspetto del suo bar. Horace è un ruolo da sogno: appariscente, dinamico, un numero strepitoso che ruba la scena, Contempery, un camp esagerato e un vestito nel secondo atto. Molloy è un Horace magnifico sotto ogni aspetto – elegante, frizzante, grande ballerino, splendida voce, dizione perfetta e tempi comici impeccabili. È vera recitazione di carattere in un musical e Molloy mostra talenti di una profondità e ampiezza insolite per un protagonista. Una prova di bravura sotto ogni punto di vista.

Jessie Wallace è molto nota come Kat Slater in EastEnders e, sebbene ci siano alcune somiglianze superficiali tra quel personaggio e Lil, qui la cosa più sorprendente è che, in realtà, Lil è un’interpretazione completamente diversa. La durezza, il movimento incessante, il ringhiare, l’aggressività trattenuta di Kat sono scomparsi: Lil è tosta ma gentile, corretta e romantica nel profondo. Nei suoi silenzi Wallace brilla – e non è certo da meno neppure nel canto e nel ballo. Sia Do You Mind sia Polka Dots sono delizie nelle sue mani e affronta la canzone del titolo con vero slancio e stile da diva.

È assolutamente splendida in ogni aspetto. È sorprendente vedere qualcuno che, come Kat, può essere altalenante, qui invece così perfettamente centrata. Spesso fa venire in mente Barbara Windsor, che, francamente, è l’ideale.

Il team creativo ha inserito nel libretto rivisto alcune canzoni che Bart aveva scritto ma che non erano presenti nello spettacolo originale. Do You Mind e Living Doll, entrambe hit pop ai loro tempi, si collocano con facilità in questa partitura e, anche se qualcuno potrebbe stupirsi che Bart abbia scritto quelle melodie, la verità è che le ha scritte davvero e si adattano perfettamente allo stile dello show. Where Do Little Birds Go? e Big Time sono tra le altre aggiunte e funzionano altrettanto bene, accrescendo caratterizzazione ed empatia. La partitura ampliata è una delizia musicale.

Sotto la direzione acuta e leggera di Hands, e con il lavoro aggiuntivo sul libretto di Elliot Davis, il pezzo si rivela ciò che raramente capita: una ripresa, un lavoro d’epoca e un’allegoria su temi che continuano a inquietare la società – la distanza tra le classi, l’attrazione del crimine, il modo spaventoso in cui gli uomini trattano le donne, il vero significato dell’amicizia, il riconoscere il bene e il male autentici. Rielaborato, ampliato e riforgiato, questo musical del 1959 ha molto da offrire alla Gran Bretagna di oggi: uno sguardo sul suo passato, presente e futuro – tutto insieme.

Questo allestimento dimostra quanto sia stata – e sia tuttora – importante la contribuzione di Bart al musical britannico. Punta i riflettori sulle inadeguatezze dell’approccio del National Theatre. L’opera di Bart è fondamentale per il repertorio: andrebbe valorizzata con tutte le risorse del National Theatre. È importante quanto Hare, Bennett, O’Casey, Stoppard o molti altri drammaturghi; per certi versi, persino di più, perché Bart ha sempre rispecchiato la vita delle persone comuni.

Una delle cose migliori di questo allestimento è che rifiuta la saggezza convenzionale e le false certezze sul musical. Qui non c’è alcuna linea di “glamour” chorus, né maschile né femminile. Al suo posto, ci sono donne davvero bravissime, davvero sexy, di ogni forma e taglia (dalla figura snella e sensuale di Vivien Carter alla formosa e meravigliosamente prosperosa Suzie Chard – il cui magnifico seno sembra sfidare le teorie di Einstein sulla gravità) che infondono in ogni istante una gioia sensuale, una beatitudine languida e un’aspettativa ironica, svogliata e un po’ sbiadita. Ognuna è una triple threat. Sono oltre ogni elogio.

Lo è anche la deliziosa Sarah Middleton, che interpreta Rosie, l’ingénue che inciampa nel mondo di Tosher, soffre per lui e poi ha il suo momento di gloria. È fragile e gentile; seta che luccica sull’acciaio.

Un altro elemento eccellente è che il linguaggio del pezzo resta saldamente ancorato al 1959. Tutto il colore, la brillantezza, l’oltraggio e il fascino del parlato dell’East End di allora è intatto, non contaminato dai tentacoli insidiosi del politicamente corretto. Dove altro sentireste una canzone intitolata The Student Ponce? La ricchezza che questo linguaggio porta all’intero spettacolo è immensamente appagante.

E non è ricco soltanto il linguaggio parlato. Le scenografie e i costumi di William Dudley definiscono splendidamente l’epoca, la classe e lo stile del pezzo. È un matrimonio felice tra testo e visione creativa. Ben Omerod illumina tutto in modo meraviglioso e c’è un uso intelligente di enormi schermi video per aggiungere atmosfera e amplificare l’umore, sia nei momenti di tensione sia in quelli più leggeri.

Ma la ciliegina sulla torta, il brivido inatteso, la più autentica scintilla di fuoco divino arriva con la coreografia muscolare, sexy, affascinante e irresistibile di Nathan M Wright. È davvero raro che i passi di danza contribuiscano alla comprensione del personaggio – ma qui succede esattamente questo. Il pubblico capisce di più della Lil di Wallace dal modo in cui esegue i passi di danza che in un’infinità di scene. Lo stesso vale per l’Horace di Molloy e per il Tosher maturo e sorprendente di Stefan Booth. Anzi, per tutto il cast. Per tutta la durata, Gary Watson e Stevie Hutchinson sfoderano un lavoro di piedi straordinario, tecnicamente impressionante e come meraviglioso dettaglio di contorno.

Il lavoro più ingegnoso di Wright sta nel trattamento di Where It's Hot, che dà a Christopher Ryan – in splendida forma comica dall’inizio alla fine – la possibilità di rubare la scena nei panni di Red Hot. Ma anche i grandi numeri sono altrettanto impressionanti e, sebbene il palco sia piccolo, le routine non sembrano mai ingombrate o costrette: scintillano senza sosta.

È vero che Gary Kemp e Mark Arden non sono sorprendenti quanto alcuni degli altri, ma conta ben poco. Con così tanti deliziosi guizzi comici – la Myrtle e Percy di Carter e Will Barton sono semplicemente ispirati – la lieve sobrietà dei due protagonisti maschili passa quasi inosservata.

Hands ha realizzato una ripresa splendida, gioiosa e decisamente trionfale di un titolo spesso trascurato e liquidato come “all’antica”. La vita, la bellezza e il puro piacere che pulsano dal palcoscenico meritano una lunga, lunghissima tenitura.

Magari più Fings fossero così; come una volta.