RECENSIONE: Fings Aint What They Used T'Be, Theatre Royal Stratford East ✭✭✭✭

Fings Aint What They Used T'Be. Foto: Tristram Kenton Fings Aint What They Used T’Be

Theatre Royal, Stratford

21 maggio 2014

4 Stelle

Fings Ain't Wot They Used T'Be, Lionel Bart (musica e testi) e Frank Norman (libro), ora in scena nel luogo dove è nato, il Theatre Royal Stratford East, in una nuova produzione diretta da Terry Johnson, presenta al pubblico abituale del teatro britannico una serie di enigmi inquietanti, alcuni disturbanti.

Cosa ci fa Ryan Molloy a perdere tempo in questo? Jessie Wallace - WTF? Sicuramente Bart non ha scritto quella canzone per questo? Perché rivivere questo - non vedresti mai qualcosa del genere al National? Dov'è la vera linea del coro? Si può usare quel linguaggio sul palco? Cosa ho appena visto?

È importante riflettere attentamente su queste domande difficili.

Primo, Ryan Molloy. Famoso per il suo ruolo di Frankie Valli nel fenomenale successo Jersey Boys, Molloy passa gran parte del primo atto dello spettacolo a fare molto poco, essendo un membro dell'ensemble, cantando e ballando con gli altri - solo uno del variegato gruppo di falsi cattivi che frequentano il bar di Fred e si dedicano a piccoli crimini e infamie, oltre a un po' di prostituzione.

Molloy è eccellente in tutto questo. Nessun dubbio. Ma perché dovrebbe preoccuparsi?

Perché a metà del primo atto entra in scena come Horace, l'allegro decoratore d'interni che Fred chiama per aggiornare l'aspetto del suo bar. Horace è un ruolo da sogno: sgargiante, dinamico, un numero spettacolare, contemporaneo, oltraggiosamente camp e un abito nel secondo atto. Molloy è un meraviglioso Horace in ogni senso - stiloso, effervescente, grande ballerino, meraviglioso cantante, dizione perfetta e non sbaglia mai il tempismo comico. Questa è una vera recitazione di personaggio in un musical e Molloy dimostra talenti con una profondità e una ampiezza insolite per un protagonista. È una performance di bravura in ogni senso.

Jessie Wallace è ben nota come Kat Slater in Eastenders e mentre ci sono alcune similitudini superficiali tra quel personaggio e Lil qui, la cosa più sorprendente è che, in realtà, Lil è una performance completamente diversa. La durezza, il movimento incessante, il ringhiare, la belligeranza in ebollizione di Kat sono tutte sparite – Lil è dura ma gentile, equa e romantica in fondo. Nei suoi silenzi, Wallace brilla – e non è affatto una novellina neanche nel cantare e ballare. Sia Do You Mind che Polka Dots sono deliziosi nelle sue mani e fornisce la canzone del titolo con vero vigore e stile da diva.

È assolutamente meravigliosa in ogni modo. È sbalorditivo vedere qualcuno che può essere una hit o una miss come Kat essere così perfetta in ogni modo. Spesso ti fa pensare a Barbara Windsor, il che, sinceramente, è ideale.

La squadra di produzione qui ha inserito nel libro rivisto alcune canzoni che Bart ha scritto ma che non erano nello spettacolo originale. Do You Mind e Living Doll, entrambi successi pop ai loro tempi, facilmente si inseriscono in questa colonna sonora e mentre alcuni potrebbero essere sorpresi che Bart abbia scritto quelle melodie, il fatto è che lo ha fatto e si adattano perfettamente allo stile di questo spettacolo. Where Do Little Birds Go? e Big Time sono tra gli altri aggiustamenti e anch'essi funzionano bene, migliorando carattere ed empatia. La colonna sonora ampliata offre un delizioso piacere musicale.

Sotto la direzione astuta e abile di Hands, e con il lavoro extra sul libro di Elliot Davis, il pezzo si dimostra quello strano animale: una rivisitazione, un pezzo d'epoca e un'allegoria su questioni che ancora turbano la società: la distanza tra le classi, l'attrazione del crimine, il modo terribile in cui gli uomini trattano le donne, il vero significato dell'amicizia, identificare il vero bene e il vero male. Rielaborato, ampliato e rifatto questo musical del 1959 ha molto da offrire alla Gran Bretagna moderna: uno sguardo al suo passato, presente e futuro – tutto in una volta.

Questa produzione dimostra quanto sia stato e sia importante il contributo di Bart al teatro musicale britannico. Sottolinea le inadeguatezze dell'approccio del National Theatre. La produzione di Bart è importante nel repertorio: dovrebbe essere presentata con tutte le risorse del National Theatre. È importante quanto Hare, Bennett, O’Casey, Stoppard o qualsiasi altro numero di drammaturghi; in qualche modo, ancor di più, perché Bart ha sempre riflesso la vita della gente comune.

Una delle cose migliori di questa produzione è che disdegna la saggezza convenzionale e le false certezze sul teatro musicale. Non c'è una linea di coro “glamour” qui, maschile o femminile. Invece, ci sono donne molto, molto brave, molto, molto sexy di tutte le forme e dimensioni (dalla forma snella e provocante di Vivien Carter alla voluttuosa e meravigliosamente abbondante Suzie Chard - i cui magnifici seni sembrano sfidare le teorie di Einstein sulla gravità) che infondono ogni momento con gioia sensuale, beatitudine letargica e aspettative disincantate e languidi, desolati. Ognuna è una tripla minaccia. Sono oltre meravigliose.

Così è anche la deliziosa Sarah Middleton che interpreta Rosie, l'ingenua che inciampa nel mondo di Tosher, soffre per lui e poi ha il suo momento sotto i riflettori. È fragile e gentile; seta che scintilla sull'acciaio.

Un'altra cosa eccellente qui è che il linguaggio del pezzo è mantenuto saldamente nel 1959. Tutto il colore, il luccichio, l'oltraggio e il fascino del linguaggio dell'East End di allora sono intatti, non tormentati dai tentacoli fastidiosi del politicamente corretto. Dove altro si sentirebbe una canzone chiamata The Student Ponce? La ricchezza che questo linguaggio porta all'intero spettacolo è immensamente soddisfacente.

E non è solo il linguaggio parlato ad essere ricco. I set e i costumi di William Dudley stabiliscono magnificamente il periodo, la classe e lo stile del pezzo. È un felice connubio di testo e visione creativa. Ben Omerod illumina tutto meravigliosamente e c'è un uso intelligente di enormi schermi video per aggiungere atmosfera e aumentare il tono, sia teso che felice.

Ma la ciliegina sulla torta, il brivido inaspettato, la dose più vera di fuoco divino arriva con la coreografia muscolosa, sexy, affascinante e completamente seducente di Nathan M Wright. È raro che i passi di danza contribuiscano alla comprensione di un personaggio – ma è precisamente quello che accade qui. Il pubblico impara di più su Lil di Wallace dal modo in cui esegue i passi di danza che in un qualsiasi numero di scene. Lo stesso vale per Horace di Molloy e Tosher di Stefan Booth. Infatti, con l'intero cast. Durante il tutto, Gary Watson e Stevie Hutchinson fanno un lavoro straordinario con i piedi, tutto tecnicamente impressionante e delizioso dettaglio di sfondo.

Il lavoro più astuto di Wright arriva nel suo trattamento di Where It's Hot che dà a Christopher Ryan, che è in uno splendido formato comico per tutto il tempo, la possibilità di rubare la scena come Red Hot. Ma i numeri grandi sono altrettanto impressionanti e anche se il palco è piccolo, le routine non sembrano mai sovraffollate o ristrette: brillano incessantemente.

È vero che Gary Kemp e Mark Arden non sono straordinari come alcuni degli altri membri del cast, ma conta poco. Con così tanti deliziosi numeri comici – Carter e Will Barton nei ruoli di Myrtle e Percy sono semplicemente ispirati – il lieve sottogioco dei due protagonisti maschili bijna non si nota.

Hands ha prodotto una rivisitazione meravigliosa, gioiosa e piuttosto trionfante di un pezzo che è spesso trascurato e scartato come “vecchio stile”. La vita, la bellezza e il puro piacere che pulsa dal palco meritano una lunga, lunga durata.

Se solo più cose fossero così; come una volta.