समीक्षा: जो एग की मृत्यु में एक दिन, ट्राफलगर स्टूडियोज ✭✭✭

जूलियन ईव्स ने पीटर निकोल्स के A Day In The Death Of Joe Egg की समीक्षा की, जो इस समय लंदन के ट्राफलगर स्टूडियोज़ में टोबी स्टीफन्स और क्लेयर स्किनर के साथ चल रहा है

क्लेयर स्किनर, स्टॉर्म टूलिस, क्लेरेंस स्मिथ, लूसी ईटन, टोबी स्टीफन्स। फ़ोटो: मार्क ब्रेनर A Day In The Death Of Joe Egg ट्राफलगर स्टूडियोज़,

2 अक्टूबर 2019

3 स्टार्स

अभी बुक करें

पीटर निकोल्स (जिनका 92 वर्ष की आयु में कुछ ही हफ्ते पहले निधन हुआ) को नाटकीय संरचना, गति और ऐसे संवाद की समझ में—जो सहज, प्राकृतिक लगे और मंच पर ‘खेल’ जाए—कुछ भी अनजाना नहीं था। 1967 का यह नाटक इस बात का बेहतरीन नमूना है कि रंगमंचीय रचना की कच्ची सामग्री को कैसे संभालकर उसे शानदार ढंग से बहता हुआ संवाद और चमकदार एक्शन बनाया जाता है। निर्देशक साइमन इवन्स यह जानते हैं और इस शो के साथ उन्हें हाल के अधिक बोझिल The Best Man की तुलना में कहीं ज़्यादा मज़ा आता दिखता है: कुल मिलाकर यह ज़्यादा तीखा, ज़्यादा हल्का-फुल्का, ज़्यादा ज़िंदादिल अनुभव है—और उन्हें इस दौर के ड्रामा के संभावित विशेषज्ञ के तौर पर भी चिन्हित करता है।

लूसी ईटन। फ़ोटो: मार्क ब्रेनर

और ‘दौर’ सचमुच अहम है। पीटर मैकिंटॉश का डिज़ाइन (सेट और कॉस्ट्यूम) Ideal Home मैगज़ीन की किसी छोटी-सी तस्वीर जैसा लगता है—दीवारों पर हल्की-सी पॉप-आर्ट शैली की इलस्ट्रेशन के साथ थोड़ा-सा टेढ़ा किया हुआ—लेकिन फर्नीचर और बारीकियाँ बिल्कुल सटीक, और बेदाग़ हैं। यह घर के भीतर के प्रबंधन और प्रशासन वाली ‘आकांक्षी’ मध्यवर्गीय दुनिया है, जिसे वही बारीकी देकर परोसा गया है जैसे Good Housekeeping में किसी एस्पिक रिंग की रंगीन प्लेट। हालांकि, जब टोबी स्टीफन्स—ब्री के रूप में, जो इस बेहद आत्मकथात्मक कथा में लेखक का प्रमुख प्रतिनिधि है—शो की शुरुआत मंच के आगे एक स्टैंड-अप रूटीन से करते हैं, जहाँ एक परेशान स्कूलटीचर बदतमीज़ और शोरगुल करती कक्षा पर चिल्लाता है, तो लेखन की रंगमंचीय प्रयोगधर्मिता और मैकिंटॉश की उदास, शब्दशः (लिटरल) मंच-सज्जा के बीच का अंतर खटकने लगता है। जैसे-जैसे नाटक आगे बढ़ता है, और हर किरदार बारी-बारी—प्रेमा मेहता की लाइट्स के एक झटके और एडवर्ड लुईस की साउंड के एक क्रैश के साथ—‘कहानी’ से बाहर निकलकर चौथी दीवार तोड़ते हुए सीधे दर्शकों से बात करता है, वैसे-वैसे इस खूबसूरती से सजे बॉक्स सेट की दमनकारी ‘सामान्यता’ (भले ही वह थोड़ा घूम और खिसक सके) हमें अधिक बेचैन करने लगती है।

स्टॉर्म टूलिस। फ़ोटो: मार्क ब्रेनर

मगर यही तो लंबे समय से बहुत-से ब्रिटिश थिएटर की समस्या रही है। लेखन महान, पर डिज़ाइन निराशाजनक रूप से अनुमानित और उबाऊ। नतीजतन, स्टीफन्स अपने अंतहीन चुटकुलों और शरारतों की झड़ी लगा देते हैं, फिर भी एक बीते हुए दौर की झाड़ियों में फँसे रहते हैं। उनकी पत्नी शीला की भूमिका में क्लेयर स्किनर को उनके न खत्म होने वाले कॉमिक रूटीन के सामने ‘सीधा’ (स्ट्रेट) खेलना पड़ता है, पर वे अपने ठंडे-सा नियंत्रण और सरल, कोमल-हृदयता से इसे ताकत में बदल देती हैं। शाम के मेहमान फ़्रेडी के रूप में क्लेरेंस स्मिथ को शो की सबसे बड़ी हँसी अपनी एक पंक्ति से मिलती है—जो, लगभग हर संवाद की तरह, निकोल्स के उलझे मन से सीधे फूटती है: ‘क्या मैं बहुत ज़ोर से बोल रहा हूँ? मैं जब लोगों की मदद कर रहा होता हूँ, तो हमेशा अपनी आवाज़ ऊँची कर देता हूँ।’ यह सचमुच शानदार लाइन है, लेकिन जिस ड्रॉइंग-रूम में इसे कहना पड़ता है, उसकी असहनीय बुर्जुआ मोहकता उसके असर को दबा और घोंट देती है। सच में: मंच पर ब्रिटिश डिज़ाइन के इससे बेहतर नमूने देखने को मिलते हैं—तो यहाँ क्यों नहीं?

टोबी स्टीफन्स और पैट्रिशिया हॉज। फ़ोटो: मार्क ब्रेनर

अपनी पत्नी पैम की भूमिका में, लूसी ईटन को कैरोल हैनकॉक के बेदाग़ हेयर (मुझे लगता है वह विग हो सकती है) और एक खूबसूरत पीले कोट, सलीकेदार धारियों वाली शिफ्ट ड्रेस और घुटने तक के टैन लेदर बूट्स के खिलाफ जूझना पड़ता है: मतलब, वे कमाल लगती हैं—पर उनके आसपास की हर चीज़ भी उतनी ही कमाल की क्यों दिखनी चाहिए? यह भव्य, फीकी सपाटता घुटन पैदा करती है और सुन्न कर देती है, भाषा की धार कुंद करती है और उसकी चुभन का बहुत कुछ छीन लेती है। कुछ बेहतर समय पैट्रिशिया हॉज को मिलता है—वे एक निपुण फ़ार्स अदाकारा हैं—और दूसरे अंक में अपने हिस्से को पूरा वसूल करती हैं, पर शायद इसलिए भी कि वे सबसे कम समय के लिए मंच पर आती हैं, उन्हें यह सब कम निगलता हुआ लगता है। पूरे कलाकार दल में सिर्फ़ स्टॉर्म टूलिस ही उस हर जगह मौजूद आरामदायक, घरेलू सुरक्षा से सचमुच अलग दिशा में जाती हैं। बाकी कलाकारों से अलग शारीरिक क्षमताओं के साथ, वे ब्री और शीला की बेटी की भूमिका निभाती हैं, जो एक जटिल चिकित्सीय स्थिति के साथ बड़ी हुई है—जिसका नाम सिर्फ़ एक बार लिया जाता है। उनकी अभिनय-शैली दूसरों से इतनी साहसपूर्वक भिन्न है कि वे हमारे सामने तुरंत एक चौंकाने वाली, आकर्षक मौजूदगी बन जाती हैं: स्थिरता और मौन, शरीर की मुद्रा, भाव-भंगिमा और इशारों का वे ऐसे ढंग से इस्तेमाल करती हैं जो—इस प्रस्तुति के साक्ष्य पर—बाकी कलाकारों के लिए बिल्कुल अनजाना और उनकी पहुँच से परे लगता है।

फ़ोटो: मार्क ब्रेनर

मुझे शक है कि यह धारणा पूरी तरह सही नहीं है। ये सभी बहुत अच्छे अभिनेता हैं, और मुझे पूरा यक़ीन है कि अगर मौका दिया जाए तो वे—निर्देशक की अपेक्षाओं से कहीं आगे—बहुत कुछ कर सकते हैं। लेकिन ब्रिटिश निर्देशक सच में कितनी बार अभिनेताओं से अपने आप को फैलाने, जोखिम लेने और दर्शकों को चौंकाने को कहते हैं? और कितनी बार वे बस उनसे कुछ सुरक्षित और गर्मजोशी भरा, आरामदेह, आश्वस्त करने वाला और जाना-पहचाना परोस देने को कह देते हैं? क्या किसी को आर्तो याद है? क्या कोई उन्हें अब पढ़ता भी है? क्या बाहर कोई ऐसा है जो अब भी मानता है कि थिएटर रोमांचक, नुकीला, जोखिमभरा और थ्रिल से भरपूर होना चाहिए? हाँ, ऐसे निर्देशक हैं, और मैंने इसी थिएटर में उनमें से कुछ को काम करते देखा है—पर अफ़सोस, इस बार नहीं। निकोल्स की रूप-निर्माण पर पूरी पकड़ दिखाने वाले एक तकनीकी अभ्यास के रूप में, इसके खिलाफ़ कहने को बहुत कुछ नहीं; लेकिन दिल से दिल तक बात करने वाले ड्रामा के तौर पर, मेरी नज़र में इसमें थोड़ी और खुली हवा और साफ़गोई की ज़रूरत है।