À VENIR : Am Dram, une comédie musicale à The Other Palace

Julian Eaves jette un œil à Am Dram, une nouvelle comédie musicale de Katie Lam et Alex Parker, récemment présentée en avant-première au The Other Palace Theatre.

Am Dram : Une Comédie Musicale The Other Palace

3 février 2019

Autrefois, les auteurs-compositeurs débutants pouvaient entamer leur carrière en écrivant des numéros - un ici, quelques-uns là - pour des spectacles de type revue qui leur permettaient d'expérimenter, progressivement, ce qui fonctionnait et ce qui ne fonctionnait pas, et, grâce à un processus lent et laborieux d'essais et d'erreurs, aboutir à une réalisation de leurs compétences particulières dans l'art de la comédie musicale avant de se lancer dans des projets plus ambitieux.  Cette approche produisait beaucoup de travaux indifférents, mais aussi certains qui ont lancé les carrières de nombreux créateurs talentueux, dont certains furent les plus grands représentants de ce genre.

La vie aujourd'hui n'est pas si simple.  Les auteurs de chansons doivent émerger non seulement avec quelques chansons, mais avec une partition entièrement fonctionnelle et développée et un script avec une forte viabilité dramatique.  On s'attend à ce que l'on produise des comédies musicales complètes et qu'on réussisse dans tous les domaines qui s'y rapportent : c'est un défi considérable à relever.  Le succès vient rarement d'un coup de maître; il est généralement le produit d'un progrès étape par étape à travers les stations le long du chemin, souvent en explorant des détours intéressants sur des chemins moins fréquentés, tous explorés dans la quête d'arriver à quelque chose de nouveau et de captivant.  Comme on l'observe souvent : énormément de choses différentes doivent toutes bien se passer en même temps et ensemble pour qu'une comédie musicale soit un succès.

L'auteur du livre et parolier Katie Lam et le compositeur Alex Parker en sont encore à un stade relativement précoce de leur parcours en tant que créateurs dans ce domaine exigeant et rigoureux (bien qu'ils aient commencé à écrire ensemble quand ils n'avaient que huit ans : ils sont maintenant de jeunes diplômés faisant leur chemin respectivement dans la City et dans le MD'ing).  Il y a quelques années, sur ce site, j'ai critiqué leur splendide et idiomatique 'All Aboard' - une comédie musicale loufoque en croisière qui mariait la beauté du contenu à la cohérence de l'enregistrement d'époque avec un degré remarquablement réussi.  Celui-ci, en revanche, est une reprise d'un morceau beaucoup plus ancien, qui montre qu'ils sont dans une phase plus jeune de leur croissance et qui semble également pointer dans des directions nouvelles et potentiellement plus puissantes émotionnellement qui n'étaient pas aussi bien représentées dans 'All Aboard'.

La mise en scène dramatique ici montre Lam faisant preuve de ses muscles théâtraux dans un terrain plus exigeant : elle nous présente l'histoire des coulisses d'un groupe de théâtre amateur qui monte une comédie musicale basée sur la vie de Catherine la Grande, potentiellement créant des parallèles avec les frasques réelles des acteurs et de l'équipe créative.  Initialement produit avec une grande distribution amateur, cette version - développée avec l'aide bienveillante et généreuse de leurs nouveaux sponsors, Cunard (qui les a logés sur le Queen Mary 2 à cet effet) - est un navire plus serré, nécessitant une distribution de seulement sept personnes et une bande réduite.  Maintenant, pour un jour seulement, le duo entreprenant a apporté sa nouvelle livraison sur la scène de la maison principale du The Other Palace pour la jouer devant deux publics à Londres.  C'est un mouvement audacieux.  Certes, on a eu le sentiment que la plupart de ceux qui assistaient faisaient partie des anciens de la compagnie 'originelle' (grande) et ont répondu au travail en tant qu''initiés', prompt à saisir les références connues et les plaisanteries privées cachées et extrêmement bien disposées à aimer le travail : je pourrais me tromper à ce sujet, mais combien d'utilité il y a à essayer d'écrire de nouvelles comédies musicales dans un tel contexte est peut-être sujet à débat.

Quoi qu'il en soit, il y avait suffisamment de nouvelles personnes (comme moi) dans le théâtre pour réagir avec des yeux et des oreilles plus frais.  Et de notre point de vue, le grand succès de la soirée a été l'occasion d'entendre certaines des nouvelles chansons les plus passionnantes que nous ayons entendues sur la scène de la comédie musicale depuis un certain temps.  Il y avait trois numéros vraiment forts qui se démarquaient magnifiquement : le cœur émotionnel de l'histoire, et c'est un cœur incroyablement fort, est le trio pour les personnages féminins principaux qui arrive vers la fin du spectacle, un peu comme 'ce' célèbre autre trio dans 'Der Rosenkavalier', avec une femme plus âgée regardant en arrière, cédant la place aux voix des jeunes (ou plus jeunes), alors qu'elles s'efforcent d'aller vers quelque chose de nouveau, alors que toutes trois font une pause pour réfléchir à ce que 'j'aurais dû savoir'.  C'est l'une des chansons les plus envoûtantes que j'ai entendues depuis très longtemps : très peu de jeunes auteurs peuvent explorer la romance douce-amère aussi bien que cela.  Si le reste de la partition était de cette qualité, et si le script lui rendait justice, alors cela pourrait être le spectacle le plus incroyablement glorieux de tous les temps.

Et c'est peut-être là où ce spectacle va.  Il est impossible de dire comment les choses vont évoluer.  Entre-temps, il y a d'autres grands moments musicaux.  La présence autoritaire du directeur artistique de la compagnie, Honoria, a une perle de chanson dans 'Always Me', et la jouer dans cette performance de type atelier semi-mise en scène avec des scripts, Wendy Ferguson a fait fondre les cœurs avec son soprano en plein essor : c'est la meilleure chanson du premier acte, mais s'il vous plaît, pardonnez-moi de souligner que, malheureusement, elle est plutôt gâchée par le fait d'être fixée à un point de l'intrigue accessoire, concernant un personnage que l'on ne rencontre même pas.  C'est ce genre de trou dramaturgique dans lequel le livre - tel quel - continue de tomber.  L'autre bon numéro du spectacle est le deuxième morceau, un solo pour le plus grand nom de cette mise en scène, Laura Pitt Pulford jouant le rôle de Rose, dans son (peut-être tonifiant) 'Out In The Light' : elle l'a bien chanté, même si, dans un rare écart, l'arrangement de Martin Higgins était un peu trop dense et avait tendance à masquer sa voix (conception sonore, Paul Smith) : sinon, les orchestrations et la production sonore étaient formidables.  Il y avait aussi une bizarrerie dans l'intrigue : le personnage de Rose est une actrice professionnelle, qui se repose, mais qui essaie de revenir dans le métier, d'une manière ou d'une autre.  Non seulement cela, mais le directeur prudemment prétentieux de Tom Edden, Max, est également un professionnel.  Alors, est-ce vraiment - pour les puristes - du théâtre amateur?  Ou est-ce vraiment plus du Pro-Am?  Cela peut sembler chipoter, mais la présence de ces deux 'professionnels' est cruciale pour l'histoire, et pour ce que raconte l'histoire.  Il y a un discours très fort et sincère dans le deuxième acte qui sonnait très vrai, dans lequel le message 'le faire par amour' de la pièce est devenu clair.  Lam a peut-être vraiment quelque chose de magique ici ; peut-être suffit-il de le mettre davantage en avant tout au long ?

Obtenir le 'ton' juste est un combat constant.  Alors que la pièce dans la pièce ('The Golden Empress') ressemble beaucoup au véhicule von Stroheim de Dietrich, 'The Scarlet Empress', la pièce autour de la pièce nous amène assez fermement dans le territoire d'Ayckbourn du type 'Chorus of Disapproval'.  Le mouvement profondément antipathique (et aliénant pour le public) de Rose à la fin du premier acte témoigne de cette dette ; Lam doit alors construire un deuxième acte où la protagoniste est elle-même absente de l'action principale pendant longtemps.  Elle fait ce qu'elle peut, mais cette scission doit-elle vraiment exister?  Nous perdons tout sens de la camaraderie étroite dans la compagnie qui a été si attentivement construit dans le premier acte.  (Pour une leçon d'objet sur les dommages que cela peut faire à une intrigue, étudiez le deuxième acte du 'Show Boat', qui est percé sous la ligne de flottaison par exactement le même problème.)

Mais, Jordan Lee Davies est là pour chanter - à couper le souffle, avec son ténor toujours plus héroïque - et il fait également la chorégraphie (plutôt attirante).  Thea Collings offre un acte amusant en incarnant pas moins de trois visages de 'Karen'.  Debbie Chazen est une Elaine terre-à-terre.  Et Denise Hodgkiss joue sa diva de compagnie déclinante, Diane, avec dignité et grâce.  Alex a fait vibrer les musiciens, et a tiré le meilleur parti des points chauds émotionnels clés de sa mélodieuse et accrocheuse partition.  Il est juste de dire, cependant, qu'il y a un peu un clivage entre les numéros de comédie musicale 'fonctionnels' pour établir (un chœur d'ouverture qui n'a pas vraiment de raison dramatique d'être là) et les numéros soul up-tempo 'pastiche' (qui nous rappellent peut-être trop fortement 'Dreamgirls', et al : c'est un style qu'il peut écrire avec facilité... probablement trop de facilité pour qu'il tienne la scène) et la véritable puissance et vérité dans le poignet de chansons inestimables qui sont données aux dames principales.  Le directeur James Robert Moore a sagement laissé ces moments magiques parler d'eux-mêmes et s'est tenu autant que possible à l'écart pour transmettre le script et la partition aussi clairement que possible.

Et l'impression finale?  Même si une grande partie du temps est occupée par des blagues bon marché et des dialogues de feuilletons oubliables, l'impression durable de ce spectacle, à mon avis, est la force vraiment touchante et émouvante du parcours lyrique représenté par le meilleur travail de Parker et Lam.  C'est magnifique!  Oui, les gens vont parfois au théâtre pour de divertissements banals, mais cela n'arrive pas souvent sur la scène lyrique : là, les gens veulent généralement de grandes histoires sur de grandes émotions, même si certains des personnages impliqués sont comme vous et moi (et certains ne le sont pas).  En tant que duo d'écriture nouveau, ces deux-là sont parmi les meilleurs que je connaisse et j'ai hâte de voir et d'entendre ce qu'ils feront ensuite, surtout s'ils se sentent poussés à revenir sur ce spectacle - peut-être avec une nouvelle personne plus expérimentée écrivant le livre? - et creuser plus profondément dans la grande histoire qui pourrait bien se cacher au cœur de celui-ci.  Parce qu'il a bien ce cœur.  Et ce n'est pas quelque chose que l'on peut toujours, ou même souvent dire sur la nouvelle comédie musicale.

(Comme c'est généralement le cas pour les œuvres en développement, aucune note d'étoiles n'est attribuée ici.)