Il est temps d'accorder plus de reconnaissance à la chorégraphie du mouvement

Mark Ludmon examine les efforts pour améliorer la reconnaissance du travail des directeurs de mouvement dans le théâtre britannique.

La distribution de The Inheritance au Noel Coward Theatre. Photo: Marc Brenner

Lors des Olivier Awards de cette année, 12 des nominations concernaient des productions mettant en avant le travail des directeurs de mouvement - mais les noms de ces créatifs clés n'étaient pas entendus. La meilleure nouvelle pièce, The Inheritance, a été récompensée pour le metteur en scène Stephen Daldry et le concepteur d'éclairage Jon Clark, tandis que des nominations ont également été attribuées à Bob Crowley pour la scénographie et à Paul Arditti et Christopher Reid pour le son. Pourtant, malgré les critiques louant son «énergie de montagnes russes», aucune récompense n'a spécifiquement reconnu l'apport de la directrice de mouvement de premier plan Polly Bennett. Elle a également travaillé sur deux autres spectacles nominés, The Lehman Trilogy et Sweat, et, tout en célébrant les réalisations de ses collègues, elle est l'une des nombreuses praticiennes appelant à des récompenses spécifiquement pour le meilleur mouvement.

Avec 24 catégories et une cérémonie de trois heures et demie, l'organisateur des Oliviers, SOLT, est réticent à étendre davantage la liste. Selon un porte-parole, la catégorie existante de meilleur chorégraphe de théâtre «englobe la direction de mouvement pour les pièces ainsi que la chorégraphie des comédies musicales, et des exemples de ce type de travail sont généralement éligibles chaque année». Le travail de mouvement apparaît effectivement sur les longues listes des jurys, mais le vote final par les membres de SOLT privilégie le théâtre musical. Malgré un choix de spectacles mettant en avant le mouvement des acteurs, les nominés de cette année concernaient la chorégraphie de The King and I, Six, Company et Come From Away, qui a été le gagnant. Comme Bennett l'a commenté, «jusqu'à ce que le mouvement soit séparé par les gens qui disent au monde ce que le théâtre implique, les votants ne pourront pas non plus distinguer les deux».

Regrouper les deux sous la bannière de chorégraphie est au détriment du mouvement, souligne la directrice de mouvement Shelley Maxwell, qui a travaillé sur des spectacles primés, notamment l'année dernière dans Nine Night et Antony and Cleopatra au National Theatre ainsi qu'Equus, qui est en cours aux Trafalgar Studios de Londres jusqu'en septembre après une tournée. «Bien que cela fournisse une certaine inclusion, je pense qu'il est assez difficile de mesurer la chorégraphie par rapport à la direction de mouvement en termes de catégorie de récompense», dit-elle. «Ce sont vraiment deux ensembles de compétences différents et, en tant que tels, je crois qu'ils devraient être examinés, jugés et récompensés en conséquence. Dans l'industrie actuelle, beaucoup poussent actuellement pour cela, mais, comme nous le savons, les choses ne se produisent pas du jour au lendemain.»

Bien qu'il n'y ait pas de catégories dédiées au mouvement en Grande-Bretagne, le Irish Times a ajouté le meilleur mouvement pour les Irish Theatre Awards 2018. Selon l'un des juges, Ella Daly, cela «nous a permis de considérer et de reconnaître pour la première fois la contribution significative des directeurs de mouvement, des metteurs en scène et des chorégraphes au paysage théâtral». La catégorie englobe toujours le théâtre musical mais, en attirant l'attention sur la discipline plus large, les nominations et les récompenses ont été pour le mouvement des acteurs dans des pièces, y compris le gagnant de cette année, la directrice de mouvement Sue Mythen pour The Lost O'Casey, un drame sur la crise du logement à Dublin.

Société Royale Shakespeare - Roméo et Juliette. Photo: Topher McGrillis

Être laissé de côté lors des cérémonies de récompenses fait partie d'un manque plus large de sensibilisation du public au travail des directeurs de mouvement en dehors des personnes faisant du théâtre. Le Roméo et Juliette de la Royal Shakespeare Company, qui a tourné jusqu'à janvier cette année, s'est distingué par l'énergie et la physicalité dynamique de ses performances, mais aucun critique de journal grand public et seulement une poignée de sites régionaux n'ont crédité la contribution de l'artiste associée RSC, la directrice de mouvement Ayse Tashkiran. Avec une carrière de 15 ans, elle est également co-responsable du cours Movement: Directing and Teaching à la Royal Central School of Speech and Drama de Londres - le plus ancien cours pour directeurs de mouvement en Europe. Bien qu'elle évite les critiques car «elles ne me satisferont jamais», elle croit que plus pourrait être fait pour refléter combien le mouvement est essentiel à la performance. «Je ne veux pas pointer du doigt les journalistes parce que je suis un peu d'accord avec Matt Trueman quand il dit, 'Je ne veux pas de listes de vérification dans une critique'. Ce qui me dérange, c'est lorsqu'un journaliste est passé par le processus de dire, 'La composition est celle-ci, l'éclairage est celui-ci'; puis je commence à me sentir un peu piquée parce que je me sens vraiment que je fais partie de l'équipe créative. Si vous allez mentionner la musique, j'ai probablement autant contribué à votre ressenti de la musique que n'importe qui. De même, avec l'éclairage, nous sommes dans un monde visuel, donc si vous avez le langage pour parler de l'éclairage, vous avez le langage pour parler du mouvement. Mon souhait serait que, s'il y a un directeur de mouvement sur le programme, de le regarder avec la même interrogation en relation avec l'équipe créative.»

Le problème n'est pas au sein de l'industrie elle-même, Tashkiran est rapide à le souligner. «Il y a une visibilité massive dans la salle de répétition réelle et dans les cultures de répétition et organisations. C'est intégré, c'est incontesté. Les très grands metteurs en scène sont brillants en matière de mouvement, et ils ont une telle ambition de mouvement. Vous êtes là parce que vous allez rencontrer leurs ambitions, et mon travail est de les égaler et de les emmener là où ils n'avaient même pas imaginé.»  Elle a retracé le titre de travail de «directeur de mouvement» jusqu'au rôle de Geraldine Stephenson sur les York Mystery Plays pour le Festival of Britain en 1951, mais elle souligne que le mouvement des acteurs lui-même est aussi vieux que l'acte en soi, couvrant la vie physique de toute production. «Si l'on devait faire une véritable histoire de la direction de mouvement, il faudrait être un peu prudent pour ne pas prétendre que, 'Si ils ne sont pas dans le programme, il n'y avait pas de mouvement'».

Tashkiran est un défenseur de l'un des pionniers, Litz Pisk, auteur du livre influent de 1975 The Actor and His Body, qui était copropriétaire d'une école de «arts du mouvement» à Vienne dans les années 1920 avant de devenir enseignant de mouvement - ou «mime», comme on l'appelait - à la RADA à Londres en 1936. Elle est ensuite allée enseigner le mouvement à l'école de théâtre Old Vic et puis Central tout en travaillant avec le metteur en scène Michael Elliott et sa compagnie Old Vic où elle était directrice de mouvement maison. L'épanouissement de la direction de mouvement à partir des années 1950 doit beaucoup au développement d'institutions plus larges telles que l'Old Vic, le théâtre national et la RSC avec leurs plus grandes distributions et leur focus sur la composition visuelle, plus tard construite par des directeurs de mouvement tels que Sue Lefton, Jane Gibson et Struan Leslie. Avec des écoles telles que Central, Guildhall et l'Université métropolitaine de Manchester qui produisent une nouvelle génération de directeurs de mouvement, la discipline est maintenant «prospère», dit Tashkiran. Pour refléter cela, les praticiens eux-mêmes doivent agir, ajoute-t-elle. «Nous progressons dans cet aspect mais nous devons également avancer.»

Théâtre anglais itinérant - Equus. Photo: The Other Richard Le travail de Maxwell a été bien crédité dans les critiques du Theatre Royal Stratford East et la production d'Equus du Théâtre anglais itinérant, mise en scène par Ned Bennett, qui a fait sa première au Theatre Royal Stratford East de Londres en février avant de tourner. La matérialisation musculaire des chevaux par les acteurs et la performance hautement physique d'Ethan Kai dans le rôle d'Alan Strang a conduit à ce que mouvement et directeur de mouvement soient salués par les critiques, du Times à BritishTheatre.com. En plus de Maxwell étant proposée pour des interviews médiatiques, il n'a certainement pas fait de mal que le seul article dans le programme du spectacle soit une Q&A de deux pages sur sa carrière. «Il est utile si les théâtres incluent les directeurs de mouvement dans leurs listings créatifs, même si le directeur de mouvement n'a été présent qu'en tant que consultant», dit Maxwell. «De cette manière, le grand public et les journalistes sont conscients qu'il y a un directeur de mouvement associé à la production. Cela aide à faciliter plus d'exposition ainsi qu'à fournir le potentiel pour qu'ils soient crédités dans les critiques aux côtés de leurs autres collègues créatifs. Bien que nous ne créions pas du théâtre essentiellement pour le strass, le glamour et la gloire, il est plaisant quand tous les facteurs qui entrent dans sa création sont reconnus et reconnus.»

Après avoir commencé comme interprète en danse et théâtre musical, Maxwell se concentre sur la direction de mouvement depuis trois ans et travaille sur deux autres productions du National Theatre, Hansard, en représentation à partir d'août, et «Master Harold»...and the Boys et Hansard, à partir de septembre. «J'ai été témoin d'un changement notable dans l'inclusion et la mention du travail des directeurs de mouvement au fil des années dans la presse», dit-elle. «Bien que ceci ne soit pas encore totalement pratique courante, c'est un pas dans la bonne direction étant donné l'étendue du travail que de nombreux directeurs de mouvement font lorsqu'ils travaillent sur des productions.» Elle note que le mouvement des acteurs a été mis en lumière par le film primé Bohemian Rhapsody. «Ici, l'acteur Rami Malek et la directrice de mouvement Polly Bennett ont tous deux reçu des accolades pour le remarquable travail réalisé sur l'incarnation de la physicalité de Freddie Mercury. Je pense que créditer les acteurs pour leurs performances et aussi reconnaître des événements de physicalité magistraux par eux est utile pour mettre l'accent sur tous les aspects qui entrent dans une performance.»

Tashkiran croit également que la rédaction de notes de programme a eu un impact positif sur les journalistes après avoir vu ses mots influencer la couverture dans les critiques telles que celle de la RSC dans As You Like It, sur laquelle elle a travaillé avec Maria Aberg en 2013. «Je dévoile le processus pour eux et leur donne une forme et un langage, et souvent ce langage me revient dans les critiques.» D'autres plateformes telles que la vidéo, les podcasts et les blogs offrent la possibilité aux directeurs de mouvement de parler de leur travail à un public plus large, comme l'utilisation de courts films en ligne par la RSC, suggère Tashkiran. «J'encourage tous mes diplômés à essayer de participer aux photos de répétition, aux blogs, à rédiger des notes de programme, à faire ce travail d'interface - ce qui est vraiment difficile pour les directeurs de mouvement à faire parce qu'ils sont souvent payés des honoraires assez modestes et courent d'un travail à l'autre.»

The Royal Shakespeare Company's The Provoked Wife. Photo: Pete Le May

En plus de rédiger un nouveau livre sur la direction de mouvement en cours de publication, Tashkiran a travaillé sur The Provoked Wife avec le metteur en scène Phillip Breen, en représentation au Swan Theatre de la RSC à Stratford-upon-Avon jusqu'en septembre - salué par la critique Libby Purves pour sa «superbe direction de mouvement». Tashkiran est artiste associée au RSC depuis 2017, mais note qu'elle est seulement la troisième directrice de mouvement à recevoir ce titre dans l'histoire du RSC, les autres étant principalement des acteurs, des metteurs en scène et des écrivains. «L'accent mis sur leurs associés a définitivement été les aspects qui laissent des traces, des traces écrites», suggère-t-elle. Alors que les directeurs de mouvement cherchent à ce que leur travail soit mieux vu et reconnu, elle ajoute que, sans laisser de traces, le mouvement peut être perçu comme particulièrement éphémère. «Il passe de corps en corps et occupe souvent les espaces intermédiaires, même dans un processus de répétition, ainsi le médium de la direction de mouvement doit travailler plus dur pour laisser une empreinte dans les esprits de ceux qui sont en dehors du processus de répétition.»