CRITIQUE : Richard II, RSC ✭✭✭✭

Richard II

RSC Stratford upon Avon/Le Barbican

16 Novembre 2013

4 Étoiles

Je ne me souviens pas avoir jamais vu une production d'une pièce de William Shakespeare aussi exquise que le merveilleux Richard II de Gregory Doran, qui s'est clôturé au Royal Shakespeare Theatre ce soir avant son transfert pour la saison londonienne au Barbican. Plus palpitant, plus excitant, plus passionné, plus hilarant, plus magique, plus captivant - oui, peut-être, mais c'est, de loin, le plus exquis.

Et comme il s'agit de la première production de Doran depuis qu'il est devenu directeur artistique de la RSC, elle fixe une barre très haute.

Le décor de Stephen Brimson Lewis est simple et sublime, établissant précisément l'ambiance et le lieu de l'action ; l'éclairage de Tim Mitchell est évocateur et ajoute à chaque scène ; la musique de Paul Englishby est étonnante, ravissante et parfaite, établissant, avec une clarté infaillible, l'équilibre entre modernité et médiéval qui est le "temps" de toute la production. C'est une rare alliance de tous les éléments artistiques nécessaires pour créer un tout complet et profondément satisfaisant.

Cette version s'ouvre dans une cathédrale avec le cercueil du défunt Gloucester au centre de la scène, sa veuve désolée allongée sur le cercueil. Il y a plusieurs moments de musique qui créent le sens de la cérémonie, du protocole, du pouvoir et de la passion alors que les acteurs se rassemblent derrière et autour du cercueil. Le calme et le sens aigu de la trépidation sont palpables.

David Tennant arrive, avec de longues mèches royales flottant, balançant ses robes royales, son oreille captivée par le trio de jeunes hommes qui le conseillent, son œil pris par un autre, et avec orbe et sceptre en main, il établit sans effort ce monarque efféminé, troublé, incertain, heureux pour la splendeur et le faste mais inégal à la tâche de régent décisif.

Dès les premiers mots, il y a une clarté à l'œuvre avec le texte - cette production raconte l'histoire triste de Richard et Henry plus clairement et plus purement que tout ce que j'ai jamais vu.

Tennant est assez miraculeux - pas la moindre trace de son Docteur, son Hamlet, son Berowne ou son Benedick - drôle, intelligent, capricieux, intense, désinvolte, calculateur, repentant et vaincu - pourtant, pas du tout un monarque geignard ou un lâche pleutre.

Son Richard II est dépassé et confiant mais secret, son défaut est son incapacité à être dur. Le moment où il embrasse Aumerle (Oliver Rix en excellente forme) est aussi poignant que n'importe quoi dans une pièce de Shakespeare, venant, comme il le fait, juste avant sa chute et, donc, représentant le dernier moment de son propre désir.

Le casting est solide, presque tout le monde est parfait.

Michael Pennington est un immense Jon de Gaunt et son discours "Cette Île Royale" est tout à fait remarquable. Jane Lapotaire est divine en dame Gloucester en deuil et elle fait vibrer chaque mot de sa scène de douleur et de sens.

En York, Oliver Ford Davies est délicieux, drôle et il apporte l'indignation vertueuse et la douleur nécessaires. Il y a un travail de premier ordre de Sam Marks, Edmund Wiseman, Keith Osborne, Sean Chapman, Antony Byrne, Miranda Nolan et Simon Thorp.

En Bolingbroke, Nigel Lindsay donne une performance solide, mais pas particulièrement vivante vocalement ; en particulier, il manque complètement les possibilités émotionnelles de sa scène finale. Mais, pour la plupart, son bluster chicanier fonctionne bien.

Emma Hamilton est la seule note dissonante ; sa reine ne laisse aucune impression, mais cela importe peu.

Il y a beaucoup de détails dans la mise en scène, notamment les interactions entre les membres des différentes factions et le sens du pouvoir détenu par Bushy, Bagot et Greene est clair et révélateur.

La scène de renonciation est tout à fait fascinante et voit Tennant à son meilleur absolu, fougueux et fragile à parts égales.

À juste titre, la distribution a reçu une ovation debout au Royal Shakespeare Theatre - un spectacle inhabituel à Stratford Upon Avon. C'est une production étonnamment claire et tout à fait magnifique d'une pièce qui peut sembler alambiquée et qui, vraiment, n'a pas de héros.