CRITIQUE : Wonderful Town, Ye Olde Rose and Crowne Pub Théâtre ✭✭✭✭

Wonderful Town

Ye Olde Rose And Crowne Pub Theatre

14 octobre 2016

Quand Tim McArthur et Aaron Clingham ont lancé ce théâtre de pub il y a huit ans, je me demande combien de personnes ont réalisé qu'il deviendrait rapidement l'un des endroits incontournables pour découvrir de nouveaux talents, des spectacles formidables qui ne sont pas souvent vus sur le circuit régulier, et vivre une expérience théâtrale splendide. Eh bien, ils l'ont encore fait avec cette production fraîche et fascinante de la suite de 1953 à 'On The Town', et la nuit dernière, un public complet s'est rassemblé pour voir les résultats.

McArthur, dirigeant ici avec le brillant nouveau venu dans le rôle d'assistant (et interprète bien connu de ce théâtre), Jamie Birkett, ouvre l'espace de jeu à une place carrée, avec des sièges sur trois côtés. Les règles de licence signifient que vous pouvez soit avoir un orchestre complet pour ce spectacle, soit le faire avec un seul piano : il n'y a pas de place dans ce lieu intime pour le groupe complet, alors nous avons Clingham d'un côté avec un modeste piano droit. Cela influence ensuite d'autres décisions de production : avec la cohérence et la clarté pour lesquelles le théâtre est devenu renommé, le design reprend ce principe dépouillé et simplifié, et nous donne un espace presque vide, surélevé par endroits avec des estrades découpées ressemblant aux contours rectilignes de New York ; le mur du fond est plâtré avec un collage de bouts de journaux - toute l'histoire est à propos de personnes des journaux, voulant écrire ou être écrites dans les journaux - et l'impression de journal se retrouve dans les accessoires, la seule fenêtre.

La distribution, cependant, a des costumes magnifiquement coordonnés reflétant les teintes monochromes de la photographie en noir et blanc ou les tons sépia de l'imagerie imprimée, agrémentés d'un éclat rouge vif occasionnel. C'est un look délicieux conçu par Ben Hathaway, et tout est éclairé avec une discrétion simple par Sky Bembury. Il y a plusieurs changements de lieu, mais l'éclairage - qu'il soit naturel ou ambiant - semble toujours appartenir à cet endroit de manière profondément réaliste, sauf pour un dernier moment romantique qui vous coupera le souffle. Le style de performance, cependant, est bien plus complexe.

Le style d'acteur du spectacle est le résultat des nombreuses influences créatives qui se combinent pour constituer son tissu. Les histoires courtes autobiographiques originales de Ruth McKenney sont parues dans The New Yorker à la fin des années 1930. Celles-ci ont ensuite été adaptées en une pièce de théâtre, 'My Sister Eileen', par Joseph Fields et Jerome Chodorov, en 1940 : l'équipe de dramaturges a ensuite adapté leur version de l'œuvre pour le livre de la comédie musicale, où les choses sont devenues encore plus compliquées avec l'arrivée du compositeur de la comédie musicale, Leonard Bernstein, et de ses deux paroliers, Betty Comden et Adolph Green. La plupart des gens aujourd'hui, même s'ils la connaissent, se souviennent du film de 1955, basé sur la pièce originale, qui elle-même avait déjà été filmée une décennie auparavant.

C'est très New York. Un tourbillon constant d'influences et de chemins croisés, avec les acteurs entassés dans l'espace le plus petit possible - beaucoup de cela dans un appartement souterrain exigu secoué par des grondements de trains EL de la taille de tremblements de terre, et se déclenchant les uns les autres de manières étonnamment créatives. Et cela, vraiment, bien plus que l'intrigue mince comme une feuille, est ce dont le spectacle parle, et c'est ce que cette production nous offre généreusement.

Lizzie Wofford joue la voix 'auteuriale' principale du spectacle, Ruth : une femme intelligente, talentueuse et ambitieuse, arrivant en 1935 dans la capitale économique, culturelle et sociale des Amériques avec sa sœur Eileen, la charmante Francesca Benton-Stage. Une fois l'excitation initiale passée, elles rencontrent une parade de défis, dont beaucoup sont imprégnés de sexisme à l'ancienne, de la part des admirateurs Baker (Aneurin Pasco), Frank (Hugo Joss Catton) et Chick Clark (Ashley Holman), un restaurateur italien fou (Joe Goldie), le suave Valentin (Jon R Harrison), la prostituée locale dont elles ont hérité de l'appartement - avec les visites de sa clientèle précédente - Violet (Leah Pinney), et leur propriétaire artiste à Greenwich Village, Appopolous (Nik Chiappetta). Il y a peu de soutien de la part de la petite amie Helen (Francesca Pim) et de sa mère terrifiante, Mme Wade (Laurel Dougall), ou des interruptions par l'enfant livreur Kitty Whitelaw (avec d'impressionnants battements de jambes à la Charlotte Greenwood), ou des membres de troupe Lucie Horsfall et Anna Middlemass.

À mi-chemin du premier acte, les choses semblent un peu découragées : un 'dîner' improvisé est un désastre, et les filles deviennent démotivées. Mais ensuite, nous réalisons qu'en effet, quelque chose d'étrange se passe : il y a un autre facteur dans le mélange, que nous n'avons à peine remarqué et qui allait avoir un quelconque effet (et qui est souvent ignoré par les critiques). Helen a un petit ami, le footballeur légèrement vêtu Wreck (Simon Burr), qui est aussi innocent sur sa masculinité, et l'accepte avec autant d'insouciance que les autres gars sont pris dans des nœuds d'anxiétés et de tensions. Son numéro, 'Pass the Football', est - en fait - le tournant souvent sous-estimé du spectacle, à partir duquel les choses commencent à tourner en faveur des filles. C'est l'esprit de 'se battre contre toutes les difficultés' qui leur donne en réalité les moyens d'avancer et de surmonter les problèmes que la vie dans la ville leur réserve. Habilement, la fonction de Wreck est symbolique, plutôt que directement influente : Ruth et Eileen font leurs propres découvertes par elles-mêmes, mais les changements qui s'annoncent sont signalés par ce proto-nouvel homme, qui traîne imperturbablement dans un appartement habité par une paire de femmes célibataires, portant seulement un débardeur et un short, repassant les plis de leurs robes avec contentement. Un autre de ce type apparaît dans le deuxième acte, avec l'assemblage merveilleux de chauffeurs de taxi irlandais, dont Lonigan de Jack Keane s'avère être un représentant particulièrement attrayant.

Nous avons déjà noté à quel point l'intrigue est légère et apparemment sans conséquence, et nous avons observé que c'est juste un moyen de passer d'une idée intéressante à la suivante, et ce sont les idées elles-mêmes qui élèvent ce divertissement à un niveau nouveau et inhabituel. Par exemple, au centre de l'Acte 1, l'offre de chansons se tarit pendant un certain temps, et nous passons un long moment à bien connaître les personnages. Nous reconnaissons à quel point ils sont comme nous, malgré l'éloignement dans le temps et l'espace ; nous sommes amenés à découvrir, par nous-mêmes, combien nous avons en commun avec leur psyché, leurs motivations, leurs sentiments et leurs espoirs. Petit à petit, les sœurs de l'Ohio prennent plus leur propre essor, acceptant tout avec grâce et esprit intelligent. Quand Ruth finit par réussir quelque chose, elle ne peut retenir un élan d'émotion : Baker, qui lui a rendu un bon service et à nos yeux a été renforcé et grandi, demande, 'Est-ce que tout va bien ?' Ruth répond : 'Non. J'ai juste une allergie... aux bonnes nouvelles.'

Cette même légèreté imprègne le script spirituel et vif et nous maintient pleinement du côté des compagnons du Midwest, les encourageant jusqu'au succès final. Le script est très urbain, cultivé et comique à haute voix : cela présente également des défis en termes de livraison, de timing, de phrasé, d'utilisation des gestes et mouvements, etc. Cependant, le théâtre de répertoire de Ye Olde Rose and Crowne s'est fixé la merveilleuse tâche d'être un lieu où les talents jeunes ou moins expérimentés peuvent aiguiser leurs compétences et leur métier dans un répertoire exigeant. Et donner une expression physique à toute cette vivacité est la chorégraphie merveilleuse du nouvel arrivant en ville lui-même, Ian Pyle. Ayant appris son métier à Durham, Pyle rend chaque numéro fortement caractérisé, avec son propre look et son propre style : entre ses mains, les grands ensembles, en particulier, n'ont jamais été aussi beaux : 'Swing' (qui inclut une sorte de proto-performance artistique parlée) et le débordant 'The Wrong-Note Rag', en particulier, dans la seconde moitié, resteront avec vous avec leur excitation à vous donner des frissons longtemps après que vous ayez quitté le théâtre.

Et tout cela peut être obtenu juste avec un trajet en métro jusqu'à Walthamstow et un billet à prix modeste. Ainsi, il faut le dire, dans ces jours parfois plutôt sombres, nous devons nous rappeler que Londres, tout comme à New York dans cette histoire de gens de la campagne dans la grande ville, est une ville merveilleuse.

Jusqu'au 22 octobre

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