CRITIQUE : Wildefire, Théâtre de Hampstead ✭✭

Fraser James et Ricky Champ. Photo : Ellie Kurttz Wildefire

Théâtre Hampstead

10 novembre 2014

2 étoiles

Le dramaturge Roy Williams dit de sa nouvelle pièce, Wildefire, qui a sa première représentation dans une production de Maria Aberg pour le Théâtre Hampstead, que :

« Je sentais instinctivement qu'une femme (officier de police) serait beaucoup plus intéressante car elle aurait plus de choses à prouver dans ce monde. Il était également important que mon personnage central et sa lutte soient la métaphore de l'image que le Met pourrait avoir de lui-même aujourd'hui. Et en faisant d'elle un personnage féminin, cela ajoute de la tension. »

Bien qu'il soit impossible de savoir « où le Met pourrait se voir aujourd'hui », je pense qu'il est indéniable qu'il ne se voit pas comme Williams l'a décrit ici. Corrompu, stupide, follement loyal entre eux et criminel - non, je doute que le Met se voie ainsi.

De même, il est difficile de comprendre pourquoi il est nécessaire qu'une femme officier de police ait « plus à prouver dans ce monde » ou que le fait de rendre un personnage central féminin « ajoute de la tension ». Pourquoi ? Peut-être que, comme dans tant d'autres sphères de la vie, les femmes sont obligées de se prouver là où les hommes ne le sont pas, mais ce n'est pas quelque chose propre au Met et la pièce ne présente aucune preuve à cet effet.

Il n'y a rien de nouveau - en quoi que ce soit - dans ce que Williams a écrit ici. 'The Bill' et 'Prime Suspect' ont déjà couvert tout cela, et de manière beaucoup plus convaincante.

Gail est une femme officier récemment transférée dans un commissariat de Londres. À son arrivée, elle donne des conseils sur la meilleure façon de nettoyer du vomi. Oui. Elle le fait. Elle a un mari et une fille, et alors qu'elle se plonge dans son travail, cherchant à être acceptée par ses collègues, sa famille la voit de moins en moins. Son partenaire de police, Spence, lui montre les ficelles du métier et l'introduit aux réalités de sa manière de faire respecter la loi - il paie des informateurs pour obtenir des informations, contrairement aux règles officielles.

Elle a des difficultés avec cela, mais après que Spence ait été sauvagement assassiné devant ses yeux (un acte qu'elle ne fait rien pour empêcher, ce qui la hante par la suite), elle essaie de se mouler à son image, pour devenir une policière plus dure et impitoyable. Tout tourne mal et elle est renvoyée de la force, après une dépendance aux drogues, une violence domestique et des erreurs de jugement professionnelles (y compris avertir un gangster d'une prochaine descente).

Plutôt que d'être poursuivie pour ses nombreux crimes, la scène finale de la pièce la voit essayer, du mieux qu'elle peut, de faire quelque chose pour une des victimes de son jugement professionnel erroné et de sa boussole morale perdue.

Il n'est pas clair quel point Williams essaie de faire. Il y a beaucoup d'angoisse, de cris, de violence, de grossièretés et de références sexuelles fortes - mais l'ensemble n'est ni cohérent ni révélateur. Aucun aperçu particulier des difficultés de la police moderne, pour les hommes ou les femmes, n'est donné.

La directrice Maria Aberg confronte certainement les défis que Wildefire offre de front. Il y a quelques violences frappantes - le meurtre de Spence et ses conséquences sont particulièrement puissants. Les scènes de chaos, d'émeutes et de violence domestique sont bruyantes, provocantes et imprégnées de douleur. En effet, c'est presque certainement une meilleure production que la pièce ne le mérite.

Mais beaucoup de dialogues sont inaudibles et la plupart de ce qui peut être entendu est soit crié soit mal restitué. Cela rend très difficile de s'engager ou d'éprouver de l'empathie avec l'un des personnages. Les trois principales exceptions sont Vince de Cian Barry (une belle caractérisation d'un homme bien dans une position difficile), Spence de Ricky Champ (le bobby archétypal, prêt à courir un risque pour le bien commun, même si cela signifie franchir une ligne) et Maxine de Sharlene Whyte (elle a géré la scène impossiblement écrite après les funérailles de son mari de manière tout à fait exceptionnelle).

Dans le rôle central, Lorraine Stanley semble à la fois mal choisie et perdue. On insiste beaucoup sur le côté sexuel du personnage, mais Gail de Stanley semble presque anti-sexuelle ; de même, le rôle requiert du détail, du soin et de la nuance, mais Stanley semble faire tout bruit blanc dans sa caractérisation. Plutôt que de faire de la destruction complexe du personnage de Gail un voyage douloureux mais compréhensible, Stanley est stridente et large, une caricature, pas une personne réelle.

Tara Hodge joue Kristal, une femme avec un partenaire violent. Gail de Stanley essaie de l'encourager à dénoncer la violence de son partenaire, mais elle refuse à plusieurs reprises. Ensuite, quand elle est prête à le faire, Gail, à cause de ses propres problèmes, refuse de l'aider et Kristal, en conséquence, est frappée furieusement et avec une extrême violence. Elle est peut-être définitivement défigurée, sa mâchoire brisée ; la douleur sera sa compagne pour la vie. Le meilleur moment de Stanley vient dans la scène finale touchante où elle apporte un dessin fait par un des enfants de Kristal à elle et fait face aux dommages qu'elle (Gail) a permis d'arriver.

Il y a de bons travaux de la part de Danny Dalton (Sean, le mari de Gail) et de Fraser John en tant que Don, l'officier supérieur de l'équipe. Mais aucune partie n'est particulièrement bien écrite, donc il y a peu de place pour du bon travail. Et dans le cas de John, son articulation, surtout dans les scènes de foule bruyantes, laisse à désirer.

Naomi Dawson fournit un ensemble intriguant et efficace - c'est un design assez transformateur pour l'espace Hampstead et permet à la fois l'intimité et la distance, un exploit rare. James Farncombe illumine tout bien même s'il y a trop d'utilisation de machines à fumée par Dawson pour créer une "ambiance".

Les scènes de combat sont excellentes (Kate Waters) et le mouvement est bon (Ayse Tashkiran) bien que parfois le mouvement détourne plutôt qu'il n'améliore l'ambiance ou l'effet. Il y a un groupe mouvement curieux et distrayant à un moment donné, peut-être censé être atmosphérique.

La police moderne est une affaire difficile - sans doute. Les officiers non-caucasiens et femmes peuvent bien avoir plus de mal que leurs homologues blancs, hommes. Mais cette pièce ne fait pas grand-chose pour éclairer ce problème, préférant diffuser des clichés et se balader sur des chemins déjà bien tracés. Il y a plusieurs moments d'horreur viscérale, un aperçu occasionnel de la véritable tragédie et quelques dialogues et situations "dans votre face".

C'est une nouvelle pièce sans rien de nouveau à dire. C'est une occasion manquée d'examiner correctement des sujets d'une vraie importance : les neuf principes de police de Sir Robert Peel, les principes conçus pour créer une force de police éthique, s'appliquent-ils encore aujourd'hui? Et s'ils le font, sont-ils appliqués?

Williams commence cette pièce par une articulation des neuf principes de Peel mais ne parvient ensuite pas à les considérer de manière cohérente. Le programme contient un excellent essai de Lord Paddick, ancien commissaire adjoint de la police métropolitaine. Une pièce examinant les problèmes que Paddick y soulève... ce serait quelque chose.