CRITIQUE : De quoi s'agit-il vraiment ?, Menier Chocolate Factory ✭✭✭✭

De quoi s'agit-il ?: Bacharach Reimagined

Menier Chocolate Factory

16 juillet 2015

4 étoiles

Maintenant transféré au Criterion Theatre

Cela tourne mal dès le début.

Le (très) beau, (très) énergique, (très) captivant jeune homme (qui ressemble, si cela était possible, au fils d'amour d'Aaron Tveit et de James Dean) parle avec douceur, invitant l'assemblée et le public qui est, pour la plupart, composé de personnes d'un certain âge, qui sont venus parce que la musique de Burt Bacharach était une partie intégrante de leur adolescence et de leur début de vie adulte : des gens qui aspiraient à ce que des gouttes de pluie tombent sur leur tête, ne savaient simplement pas quoi faire d'eux-mêmes, harcelaient des chats sans méfiance avec des demandes querelleuses sur "Quoi de neuf ?", savaient que l'amour ne se résumait pas à faire l'amour mais voulaient être proches de vous de toute façon et, surtout, affirmaient avec confiance qu'ils savaient ce dont le monde a besoin aujourd'hui.

Ces gens connaissaient tout des folies enivrantes des années soixante et soixante-dix, insouciantes et exploratrices, alimentées par l'amour. Ils connaissaient probablement Flower Power, LSD, les quilts patchwork, The Monkees, le fait de fumer du cannabis, The Partridge Family, les cheveux longs et les tissus teints à la main aussi. Ils connaissent et aiment ces chansons et les grandes stars, telles que Perry Como, Cilla Black, Dianne Warwick et Tom Jones, qui les ont rendues célèbres pour la première fois. Pour eux, cela promet d'être une soirée de nostalgie excitante, un rappel tangible de leur propre jeunesse et histoire romantique.

Le jeune homme sourit aux visages pleins d'attente et les invite à se détendre et à profiter de la soirée. Il leur demande d'applaudir et de crier. Puis il les invite à chanter. Cela est presque fatal à l’appréciation de l’ensemble de l'expérience.

Parce que, bien sûr, une fois invités, le barrage de nostalgie cède et il y a un déferlement de chants gutturaux/aigus désaccordés et désynchronisés (oui, la gamme entière), grognements, chants, vomissements atonaux, tout cela pourrait être charmant sur une plage déserte autour d’un feu de camp quand on est un peu ivre, mais tout cela n’a pas sa place dans un théâtre où les spectateurs sont venus pour écouter les musiciens qui jouent. Tout le monde a payé pour entendre les musiciens. Personne n’a payé pour entendre le public enthousiaste qui fait passer les chats de Rossini pour angéliques et apaisants.

Cet aspect de participation du public dans De quoi s'agit-il ?: Bacharach Reimagined, maintenant au Menier Chocolate Factory, mine presque entièrement l'attrait inhérent et le but de la production. Kyle Riabko et David Lane Selzer ont délibérément cherché à créer une nouvelle manière d'apprécier le catalogue exceptionnel de musique de Burt Bacharach. Avoir des participants enthousiastes dans le public qui ne savent pas comment la musique a été modifiée, mais pensent qu'ils le savent, ne fait rien pour soutenir l'atmosphère profondément émotive créée par les arrangements et les performances sur scène. La clé est dans le titre : Bacharach Reimagined !

Riabko explique dans le programme :

"Comment jouerais-je instinctivement chaque chanson si je devais prendre une guitare ou un piano et égrener les accords ?... J'ai essayé de les assembler en un seul morceau et pris note quand cela fonctionnait et quand cela ne fonctionnait pas... Je voulais essayer de présenter certaines de ces chansons avec des rythmes de fond avec lesquels j'ai grandi, que ce soit le funk vibrant de Sly and The Family Stone, ou la ballade de Paul Simon, ou le blues du Delta de Muddy Waters. J'ai juste commencé à expérimenter avec ces influences, les essayant dans différentes combinaisons... c'était une occasion pour une nouvelle génération de continuer à porter la flamme d'une collection de musique déjà intemporelle. Parce que qu'est-ce que l'intemporalité sans la voix de la jeunesse ?"

Donc... c'est un spectacle de nouvelles œuvres. Le public ne peut pas chanter avec les interprètes parce que le public n'a aucune idée de ce que les interprètes vont faire. La musique de Bacharach est magnifiquement, parfois étonnamment, réinterprétée, revigorée par l'approche de Riabko et Selzer. Et la seule façon pour vraiment en profiter et l'apprécier est d'écouter, attentivement, les voix, les paroles, le jeu des instruments, les harmonies, les textures polyphoniques et les effets contrapuntiques, les mélanges et les transitions - sans la distraction, infinie et épuisante, de la participation du public.

Ce que Riabko et Selzer ont accompli ici est vraiment remarquable.

La musique semble nouvellement frappée et pourtant étrangement familière en même temps ; des standards bien connus sont complètement réinventés, présentés en fragments tentants ou donnés un traitement d'ensemble superbe complètement en contradiction avec la version originale de ballade solo. Parfois, un numéro est présenté sous une forme très similaire à l'original et ces moments sont captivants, représentant un point d'axe entre le Bacharach d'autrefois et cette nouvelle version régénérée. La simple présence de ces moments souligne le talent extraordinaire du compositeur.

Tellement de choses se passent musicalement, il est difficile de tout absorber en une seule séance. Il y a des morceaux et des fragments de chansons clés, lesquelles, comme les leitmotivs wagnériens, lient toute l'expérience, la rendent moins un concert et plus une pop/rock/r&b opéra. "De quoi s'agit-il, Alfie ?" est un thème clé, apparaissant constamment tout au long et, d'une manière simple, il fournit le soutien intellectuel à l'expérience. Riabko et Selzer demandent ce que la musique de Bacharach représente et vous montrent leur réponse. Émotionnellement complexe, irrésistiblement accrocheuse, intensément humaine, et mélodieuse d'une manière omniprésente.

Le décor, de Christine Jones et Brett J Banakis, est juste stupéfiant. Il évoque le sens des années soixante et du début des années soixante-dix magnifiquement tout en tapant sans effort dans un certain nombre de tanières adolescentes, salons, espaces de loisirs, où la musique pourrait être faite ou jouée. Des canapés sont suspendus haut sur le mur ; toutes les formes de guitares peuvent être trouvées dans le fouillis (qui consiste en de nombreux objets associés à l'amour juvénile) qui, avec une étonnante et éclectique brillance, semble jeté négligemment partout. Il y a une double rotation qui crée quelques moments magiques par elle-même, et une utilisation merveilleuse des lampes à ampoule unique qui sont d'abord ombrées puis, plus tard, nues, reflétant l'ambiance de la musique.

L'éclairage de Tim Lutkin est incroyablement bon. Il produit des images frappantes, captivantes et émouvantes, utilise les ombres comme s'elles étaient des rayons de lune, et juge les niveaux d'intensité et les points de focus de manière impeccable. En effet, souvent l'éclairage raconte une histoire ou change une ambiance plus rapidement que la musique, une contrivance intentionnelle et extrêmement intelligente.

L'agitation, l'angoisse, la dévotion, la communauté, l'amour et le désespoir sont intégrés dans le tissu de la présentation ici par le directeur et chorégraphe Steven Hoggett avec une utilisation habile du mouvement, des scènes et des changements d'instruments, des tableaux occasionnels et quelques danses douloureusement fragiles. Il y a une séquence avec Riabko, Stephanie McKeon et une guitare qui est un pas de deux presque intolérablement beau. Tout aussi bien, Hoggett utilise un mouvement de groupe finement synchronisé avec beaucoup d'effet, souvent très humoristique. C'est une direction superbe, sublime.

Riabko est un chanteur étonnant et sa passion et sa motivation propulsent l'ensemble de la pièce. Il est la simple incarnation de chaque homme partout qui a déjà été ou a voulu être amoureux, bien qu'il soit une version extrêmement belle, farouchement énergique et souple de Everyman. Il a des yeux espiègles, un sourire charmeur et une voix qui est pure, agile et complètement captivante. Il chante beaucoup des plus grandes ballades de Bacharach, mais surtout mémorables sont sa prise sauvage sur "What's New Pussycat?" et sa version acoustique émouvante et magnifiquement jugée de "What's It All About, Alfie?". Il réalise également presque un orgasme avec une guitare électrique et quelques routines de groupe vives qui sont effectivement mémorables. Il se fond sans effort avec les autres musiciens et se démarque quand il le faut. C'est une performance de pure brio, complètement captivante.

Stephanie McKeon et Anastacia McCleskey sont tout autant captivantes. Elles fournissent des voix luxueuses et déchirantes à certains des morceaux les plus poignants et perspicaces de Bacharach. Greg Coulson a une présence scénique formidable et une voix passionnante, et le travail de percussion expert de James Williams est animé et imprévisible. Daniel Bailen et Renato Paris complètent l'ensemble talentueux.

Riabko et ses collègues aiment jouer avec et taquiner le public. Des improvisations et des vampes sont jouées, parfois plus d'une fois, sans un indice de la grande mélodie qui suivra et le public reste en attente, toujours récompensé lorsque la mélodie de Bacharach apparaît enfin.

C'est un excellent divertissement théâtral. Musicalement, il est sans fin inventif et intéressant. Dramatique, il parcourt toute la gamme de la joie stupide à l'angoisse profonde et sombre. Magic Moments est tout à fait inoubliable et de nombreux autres numéros ont une perspective entièrement nouvelle gravée dans leur tissu par l'énergie et l'alchimie en œuvre ici.

Vraiment valable. Si Riabko arrêtait d'encourager le public à chanter, ce serait immanquable.

P.S. Quittez l'auditorium rapidement pour ne pas manquer la mignonne interprétation de groupe de "Raindrops keep falling on my head" donnée par toute la compagnie à l'entrée du théâtre. Le spectacle ne dure que 85 minutes environ, alors résistez à la tentation de traîner au bar. Vous pourrez toujours revenir lorsque la sérénade post-spectacle sera terminée. Et là, le chant est complètement merveilleux.

What's It All About est maintenant transféré au Criterion Theatre de Londres sous le nouveau nom Close To You.