CRITIQUE : Waste, Théâtre National ✭✭✭✭

Waste

Théâtre Lyttelton

10 novembre 2015

4 Étoiles

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Le son fut soudain, choquant : un bref bruit de râle osseux et respiratoire, un son de détresse aiguë et indubitable. Une femme a donné l'alerte. Un médecin s'est précipité pour aider. Et, sur scène, deux acteurs sont restés immobiles. Le régisseur a appelé au calme et a expliqué que la représentation devait s'arrêter pour permettre de porter assistance au spectateur souffrant. Restez assis était la prière.

Mais la pièce était presque terminée ; il ne restait qu'environ cinq minutes. Donc, de nombreux spectateurs se sont levés et ont quitté le théâtre plutôt que d'attendre la reprise et le dénouement final. Quel gâchis pour eux. Car ces dernières minutes cruciales avaient beaucoup à offrir.

Une image évocatrice d'une corbeille de déchets renversée, son contenu éparpillé apparemment au hasard : d'une beauté impossible, résumant habillement l'élégance et le propos de la pièce. Le moment où Frances, désormais seule, réalise que sa confiance et son amitié ont été abusées par les gens avides qu'elle pensait être ses amis dans la société et le parti conservateur. Mais, surtout, la séquence déchirante où Walter, le jeune assistant du frère avocat de Frances, s'effondre, s'en excuse, puis fulmine avec colère sur le gâchis, tout en continuant à combler le vide, à couvrir l'absence, à être le meilleur qu'il puisse être.

C'est la reprise de Roger Michell de la pièce de 1907 de Harley Granville Barker, Waste, actuellement à l'affiche du Théâtre Lyttelton. C'est, de loin, la meilleure production jouée sur la scène du Théâtre National depuis que Rufus Norris a pris les rênes. Elle est élégante à tous points de vue, présente un magnifique décor et des costumes de la remarquable Hildegard Bechtler, et des performances centrales absolument superbes.

C'est un témoignage de la force de la pièce et de la nature impressionnante des capacités de la distribution qu'il ait été possible de retrouver le moment après l'indisposition du spectateur et la suivante, compréhensible, mêlée. Également, bien sûr, la possibilité que le spectateur ait perdu la vie a ajouté un frisson extraordinaire à une pièce dont les thèmes incluent l'absurdité de l'existence individuelle dans un monde dominé par le comportement attendu, la conscience tribale et les règles, pratiques et mœurs dictées par ceux qui profitent de la continuité sans changement. Heureusement, le spectateur n'était pas en danger alors que l'auditorium se vidait ; mais pour ceux qui étaient là, ce fut une soirée au théâtre qu'il ne faut pas oublier à la légère.

La pièce de Barker est extraordinaire, d'autant plus qu'elle a été écrite il y a plus d'un siècle et révisée par lui à la fin des années 1920, l'original ayant été interdit de représentation. Les notions et philosophies complexes qui sous-tendent le récit sont aussi fraîches, vitales et importantes maintenant qu'alors. La nécessité d'investir dans l'avenir, d'éduquer correctement les jeunes. Le désespoir des cabales politiques. La marginalisation des femmes. Le double standard dans la vie publique. Les compromis salissants de la politique partisane. La terreur qu'un véritable rebelle avec une cause appropriée peut créer chez les complaisants nés pour gouverner.

Plus d'une fois, alors que le drame se déroulait, le dialogue crépitait comme un produit de Tchekhov, Shaw, Ibsen et Stoppard, brillamment et résonnamment, la pensée est venue que quelques mises à jour pourraient en faire une pièce contemporaine traitant de Jeremy Corbyn et du NHS ou des crédits d'impôt ou des chemins de fer. Tant de points et de tensions parfaitement exprimés ici sont pertinents, incisivement, pour le spectre politique de 2015. Vraiment, les responsables politiques en exercice devraient être forcés de voir cette production dans le cadre de leur formation continue.

La pièce a une structure à l'ancienne mais n'en souffre pas. Les personnages et situations sont introduits sans exposition encombrante ; comme Willy Loman aurait pu dire : Il faut y prêter attention. Ce n'est pas du théâtre pour le type de changement de chaîne ; c'est du théâtre captivant, absorbant qui nécessite une attention totale et concentrée et récompense cela abondamment.

La vision directeurelle de Michell est parlante et persuasive. Les personnages principaux sont vivement réalisés et le design surdimensionné et abstrait de Bechtler établit parfaitement le thème central : les gens sont petits dans le grand schéma des choses. Il y a un détail assidu à la fois dans le décor, le costume et l'approche, ainsi qu'une symétrie et une beauté. L'image de la lune dans la deuxième partie de l'Acte Un est spectaculairement belle, un contraste parfait avec l'action qui se déroule dessous. Lorsque la première moitié s'ouvre, il y a une activité centrale et un observateur silencieux ; la deuxième moitié commence de la même manière, mais les circonstances sont entièrement différentes. Plus les choses changent, plus elles restent les mêmes.

Olivia Williams, un tel exemple de retenue émotionnelle et de pensée intérieure complexe dans la superbe série télévisée Manhattan, est ici, sous les traits d'Amy O'Connell, une sorte de preneuse de libertés papillon, une excentrique émotionnellement fragile, à fleur de peau, animée par la passion et le désespoir à parts égales. Elle est en forme éblouissante, sa fragilité et son honnêteté sensuelle émanent de chacun de ses mouvements gracieux. Williams montre magnifiquement les ravages que la cruauté des hommes a générés en elle, et sa montée de désespoir alors que les circonstances se liguent contre elle est parfaitement jugée. C'est une performance de grande délicatesse, confrontante et rafraîchissante. Même si son personnage est absent pour l'Acte Deux, la présence de Williams est constamment ressentie.

Comme force motrice de la pièce, Henry Trebell, l'homme avec une vision pour l'éducation pour tous, Charles Edwards est captivant tout au long. Il capture parfaitement l'introspection et la désinvolture du personnage, et permet de bien comprendre que Trebell est un homme qui n'est passionné que par ses principes et ses idées - il est incapable d'être passionné par les personnes qui forment son cercle. Il est à son meilleur dans la scène difficile où il est confronté à l'Amy de Williams et son discours tendu aux grands du parti conservateur, lorsque la question de sa réputation entre en conflit avec ses rêves de changer l'avenir. En général, ses moments plus calmes sont également excellents, bien que sa scène finale semble moins puissante que la prestation d'Edwards ne le suggérait.

Mais cela peut être le point. Trebell ne peut voir que ce qu'il veut et ne réagit qu'à cela ; il n'est pas influencé par des insignifiances comme l'amour ou l'amitié, même si sa présence inspire beaucoup chez les autres. Ainsi, ses scènes finales, où ses espoirs pour l'avenir ont été anéantis par la réception d'une lettre, reflètent peut-être cela. Il abandonne simplement. Mais tout comme d'autres expriment de la colère envers le retournement des circonstances, Trebell pourrait également le faire : la passion pour la perte de son rêve de principe pourrait être aussi puissante que celle de sa possibilité. Mais ceci est un petit point dans le schéma global de cette performance élégante et posée.

Faisant un début impressionnant au National, Hubert Burton est exceptionnellement bon en tant que Walter, presque un mini-Trebell qui travaille comme son assistant. Burton fournit un contraste parfait avec la manière de Trebell : poursuivant son rêve épouse (une excellente Emerald O’Hanrahan en tant que féministe affirmée en quelque sorte) et se fiancé, tout en commençant son travail et, essentiellement, en attendant que la vie lui arrive. Il fournit de nombreuses touches comiques au cours de la pièce, représentant, comme le fait son personnage, les privilégiés et désengagés. Mais Walter est un observateur et un apprenant, et Burton démontre l'effet subtil mais indiscutable que l'exposition aux principes et pratiques de Trebell a produit. Sa scène finale est parfaitement jugée, extrêmement émotive.

Étant une pièce qui examine la psyché d'un homme clé dans une masse tourbillonnante d'intrigues politiques et de bavardages de société, Waste implique inévitablement des types gouvernementaux. Certains, comme ceux joués ici, sont des caricatures fanfaronnes et vieillies, difficiles à entendre. D'autres sont remarquables.

En tant que chef parlementaire rusé, Horsham, Michael Elwyn est une étude de finesse huileuse et calculatrice. Comme du bon beurre, il est salé, et se répand partout, essayant de s'assurer qu'il est au sommet de tout ce qui vaut la peine d'être possédé. Il arpente comme un perroquet frénétique, attendant que les dominos tombent, déterminé à être là, attendant que le dernier succombe pour pouvoir rester ferme. Elwyn était tout à fait crédible en tant que belette patricienne en charge des conservateurs, tout aussi prêt à taire les scandales qu'à les enflammer, tout ce qui servirait le mieux l'objectif politique qui lui convenait. Une performance formidable.

Andrew Havill, en tant que spécialiste médical Sir Gilbert Wedgecroft, et Louis Hilyer, en tant que millionnaire du Nord autodidacte tempétueux, Russell Blackborough, réussissent tous deux à animer leurs personnages quelque peu stéréotypés. Il y a un vrai sentiment d'unité dans ces performances et celles des autres « membres travaillants » du parti politique qui soutiendront ou abandonneront le plan de Trebell. Trebell est clairement marqué comme un outsider pour cette foule.

Un autre outsider de ce genre, collègue de Trebell en principe, mais pas ami, est Lord Charles Cantilupe, ici animé avec éclat par Gerrard McArthur. Se distinguant, à la fois physiquement et vocalement, de ses collègues conservateurs, McArthur fournit une véritable force opposée à Trebell d'Edwards. Il s'insinue sur la scène, laconique et soyeux, comme une sorte de Kaa araignée, jouant avec ceux pris dans les toiles où il choisit de marcher. Les convictions religieuses ferventes de Cantilupe l'amènent à entrer en conflit avec ses collègues politiciens et Trebell, mais pour des raisons totalement différentes. La prestation de McArthur d'une ligne splendide sur le parjure fait rire le public, mais chaque choix vocal qu'il fait ici marque son Cantilupe comme étant autre chose que l'on imaginait un mandarin de la haute société coincé, il pourrait si facilement l'être. C'est un excellent rôle.

En tant que sœur de Trebell, Frances, Sylvestra Le Touzel s'appuie peut-être un peu trop sur sa voix magnifiquement grave pour vraiment mettre le feu à son personnage, notamment dans son rejet cinglant de la Lady Julia insouciante de Lucy Robinson. Il y a plus dans ce personnage que Le Touzel n'exploite ; elle est, après tout, la sœur de Trebell. Doreen Mantle est délicieuse en tant que matriarche à la mémoire longue et peu d'intérêt pour le changement – elle fait paraître Violet Crawley positivement radicale. Fleur Keith est mémorablement efficace en tant que Bertha.

L'éclairage magnifique de Rick Fisher (cette belle Lune !) et la musique d'ambiance merveilleuse de Matthew Scott fusionnent avec le travail de Michell et Bechtler pour créer un ensemble d'espaces à la fois stériles et chic résolument. L'image finale de la corbeille à papier renversée est vraiment remarquable.

Barker a travaillé sans relâche au cours de sa vie ultérieure pour l'établissement du Théâtre National et sans ses efforts, il n'y en aurait peut-être jamais eu un. Qu'il est donc approprié que cette grande pièce prenne place de choix sur une scène du Théâtre National pour tisser un peu de magie, surtout à une époque où la magie théâtrale a été rare.

Waste joue au Théâtre National jusqu'au 19 mars 2016. Réserver des billets