CRITIQUE : Two, Above The Arts ✭✭✭✭

Photo : Piers Foley Photography DEUX

Shrapnel Theatre à Above the Arts

4 Étoiles

Londres possède de nombreux théâtres de pubs actuellement présentant des œuvres anciennes et nouvelles de grande qualité ; mais le théâtre studio Above the Arts, juste à côté de Leicester Square, est probablement le seul théâtre de pub où actuellement le bar, les sièges et les clients servent de décor réaliste à la pièce elle-même. À mon arrivée, j'ai regardé autour des sièges organisés autour d'un espace à moitié dégagé devant le bar et j'ai demandé au barman où je devrais m'asseoir pour en profiter au mieux. Il a haussé les épaules et a dit 'N'importe où : vous serez en plein milieu de l'action.' Et c'est ainsi que cela s'est avéré captivant.

DEUX a été joué pour la première fois au Young Vic il y a environ vingt-cinq ans et a été l'un des premiers succès de Jim Cartwright. C'est une pièce rapide et virtuose jouée à deux personnages, où les acteurs commencent derrière le bar en tant que patron et patronne d'un pub dans le nord de l'Angleterre, puis se réinventent continuellement en temps réel en une séquence de douze clients au cours d'une soirée mémorable. Ce que nous voyons est en essence plusieurs miniatures de personnages dans lesquelles l'humeur et le ton changent rapidement ; parfois ce sont des monologues et dans d'autres cas des dialogues entre couples. Les douze clients sont entrecoupés de réapparitions des patrons, alors que leur propre relation devient de plus en plus tendue, avant un duo final entre eux à l'heure de la fermeture qui dévoile de manière poignante beaucoup de ce qui était jusqu'alors implicite et indirect.

Je me demandais à l'avance si la pièce pouvait sembler datée, mais dans cette représentation, la qualité de l'écriture est apparue très fraîchement et a plus que justifié les récompenses reçues il y a un quart de siècle. Tout comme le contemporain ‘Mon Nuit avec Reg’, c'est l'humour vif, ironique, l'économie de construction des personnages et la douleur lancinante du dialogue qui captent immédiatement l'attention. Les drames humains contrastants esquissés ici avec une légèreté habile portent une conviction qui rend insignifiant le fait qu'il n'y ait pas de téléphones portables et que personne n'a commandé un Double Drambuie dans un pub connu de moi depuis très longtemps. En texture et en ton, la dramaturgie rappelle deux écrivains, différents en surface, mais proches en dessous : Terence Davies et Terence Rattigan. Cette pièce comporte des scènes qui évoquent la solidarité communautaire résolue et les conflits domestiques grinçants que l'on trouve chez Davies, tout en offrant des études de solitude étiole se transformant en expressions de désespoir stoïque et de désespoir qui sont tout à fait dignes du Rattigan de ‘Separate Tables’, auquel elle est également formellement redevable. Beaucoup des qualités qui ont distingué les travaux ultérieurs de Cartwright sont déjà pleinement présentes ici.

Mais le véritable succès de la pièce dépend autant des deux acteurs eux-mêmes, à la fois en tant qu'individus et en tant que partenariat. Leurs performances nécessitent de nombreux changements rapides de costume, de comportement et d'accent pour la gamme de locaux dépeints tout en construisant également soigneusement l'hostilité latente et la solitude inhérente du couple au cœur de l'action. En 1990, deux acteurs bien connus de Brookside ont connu un grand succès dans la première production, et c'est cette fois à Jamie Shelton et Chelsea Halfpenny, tous deux de Emmerdale, que reviennent les lauriers similaires, qui négocient les défis techniques et émotionnels posés avec une rare habileté et grâce. En tant que douze personnages, ils s'engagent de manière convaincante avec le public (traité comme d'autres clients du pub) et habitent les différentes personnalités avec des accents distinctifs, des manières et un langage corporel soigneusement détaillés. Avec seulement des changements minimaux de costume, de coiffure et de maquillage, tout repose sur les compétences des acteurs et à cet égard, ils ont triomphé. En tant que couple central, ils accumulent soigneusement les détails dans leurs performances, de sorte que lorsque la révélation survient dans la scène finale sur la raison pour laquelle ils sont éloignés, elle a d'autant plus d'impact et de pouvoir pour toucher le public sans sentiment de manipulation.

Il est inapproprié de signaler des caméos particuliers de cette galerie uniformément excellente de portraits, mais les characterisations les plus durablement impressionnantes à mes yeux étaient celles de l'auto-détestation douloureuse et de la cruauté tyrannique respectivement. La performance de Halfpenny dans le rôle d'une maîtresse ivre et désespérée cherchant à confronter son amant et sa femme dans le pub, avait une profondeur réelle. Elle a magnifiquement capturé les terres d'ombre humiliantes habitées par la femme qui ne sera jamais l'épouse, forcée malgré elle à toujours penser aux besoins des autres. Et pour Shelton, peut-être que son point culminant de la soirée est venu dans le rôle ingrat d'un mari obsessionnel, insécurisé, tyrannique, finalement abusif, déterminé à trouver à redire à chaque mot et action de sa femme. Cette scène était menaçante et réaliste et a produit une de ces pauses de silence concentré lorsque vous savez qu'un public est pleinement engagé avec le personnage et l'action.

J'avais une légère réserve sur le traitement de la scène finale. Cela fournit un puissant coda où l'auteur et les acteurs doivent opérer à plein régime et mettre de côté les nuances délicates des sections précédentes. Sans divulguer la séquence de l'intrigue, il est peut-être suffisant de dire que le ton de l'écriture passe soudainement au mode éviscérant de conflit entre couples que vous trouvez chez Edward Albee. Le casting et le réalisateur (Darren RL Gordon) ont décidé de jouer le matériel beaucoup plus lentement que le dialogue naturaliste antérieur entre les deux personnages principaux, ce qui a rendu la scène presque opératique, surtout dans les longues pauses. Bien que cela ait donné plus de poids et de signification à la querelle et aux raisons de leur antipathie persistante, j'ai toujours pensé que c'était une erreur. Le dialogue aurait eu encore plus de choc et d'impact en se précipitant vers la conclusion stoïque finale sans jouer délibérément pour la gravité ; et il aurait encore contrasté tonalement avec les sections plus légères et rapides précédentes. En termes musicaux, cette pièce est vraiment un thème avec une séquence de variations délicieusement contrastées, et la scène finale devrait encore être proportionnée à cette structure globale.

Au final, DEUX est une très belle soirée au théâtre qui file en un rien de temps à travers ses quatre-vingts minutes, vous laissant plein d'admiration pour une construction narrative et de personnages aussi détaillée avec une économie de moyens rare et une large palette émotionnelle. La reprise est pleinement méritée et richement gratifiante à tous points de vue.

Vous voudrez rester pour acheter un verre au véritable bar à la fin…

DEUX se joue à Above The Arts jusqu'au 22 avril 2015.