CRITIQUE : Twang!, Union Theatre ✭✭✭

Julian Eaves critique le musical de Lionel Bart, Twang!, qui connaît actuellement une reprise au Union Theatre, Southwark.

Twang!!

Union Theatre

13 avril 2018

3 Étoiles

Réserver des billets Lionel Bart, parolier-créateur du phénomène musical à succès 'Oliver!' et de chansons pop marquantes comme 'Living Doll' de Sir Cliff, était le roi de l'écriture de chansons britannique. 'Twang!!', avec ses points d'exclamation doublés, a été le spectacle qui l'a mis à terre, annihilant sa fortune et détruisant sa carrière, ne laissant qu'un oubli artistique et personnel avant sa mort en 1999 dans un anonymat brisé. Il y a une certaine fascination morbide à pouvoir maintenant se rendre sur les lieux du crash, ici ravivé avec un enthousiasme difficile à comprendre au Union Theatre.

Les éditeurs et exécuteurs testamentaires de Bart ont connu un certain succès en relançant les deux spectacles qui ont suivi 'Oliver!', 'Blitz!' (je n'invente pas tous ces points d'exclamation : c'est ainsi que les titres sont écrits) et 'Maggie May', mais 'Twang!!' a résisté à la renaissance. Jusqu'à maintenant. Le spectacle était notoirement chaotique, ne serait-ce qu'en n'ayant pas de livret discernable, du moins pas le même d'une représentation à l'autre. Considérant cela comme une faiblesse sérieuse dans la propriété, l'héritage a judicieusement invité des 'offres' de la part de figures admirées de l'industrie pour l'améliorer. Qui étaient les autres prétendants, je ne suis pas en mesure de le dire, mais je peux révéler que le gagnant de ce processus était Julian Woolford, actuellement responsable du théâtre musical à la principale école de théâtre pour l'industrie, le Guildford School of Acting. Woolford écrit des pièces et des musicals, et a contribué à certains des titres standard pour s'attaquer à ce genre exigeant.

Ses décisions doivent être respectées. Ici, il a conservé les chansons de la partition originale - autant que nous pouvons en juger - et a également introduit de force non seulement 'Livin' Doll' (je ne sais pas pourquoi) mais aussi une pléthore de citations - certaines très longues - de ceci, cela et cet autre musical dans ce qui devient maintenant une sorte de 'Votre Parodie de Parodies'. Si ce genre de chose semble être à votre goût, alors continuez à lire.

Attachée à un torrent implacable de blagues internes sur le théâtre musical, la majorité du premier 'acte' de ce divertissement semble également s'efforcer d'atteindre une sorte d'humour qui n'est pas tellement 'bas' qu'il est 'au sous-sol': il rappelle plutôt les films 'tardifs' des Carry On, avec une obsession insistante et très, très évidente sur un smut vaguement gênant qui évoque la vacuité plastique de la série 'Confessions' de Robin Asquith. Encore une fois, si tout cela est pour vous le comble du délice terrestre, alors persévérez. Alors que nous approchons de la pause de mi-parcours, une sorte de 'trame' semble apparaître, et elle nous semble assez familière du film d'Errol Flynn. Dans la seconde moitié, cet élément narratif reçoit un sursaut bienvenu, et le spectacle commence vraiment à adopter au moins quelque chose qui ressemble à un intérêt dramatique. Pas trop tôt, diront certains. Cependant, être rappelé une adaptation plus réussie de cette histoire ne reflète pas bien du tout sur celle-ci.

Tous les mouvements habituels, formulaires et tout sauf surprenants sont exécutés, et nous arrivons à un dénouement d'une certaine sorte, bien que cela soit rembourré pour offrir beaucoup plus de confort que de vitesse par une interprétation terminale - et enfin complète - d'une exécution laborieuse de la grande chanson de Sir Cliff. En cours de route, il n'y a qu'une seule chanson de Bart qui a mérité notre attention: 'I've Got A Handful Of Songs To Sing You' est vraiment un numéro magnifique et, s'il n'était pas enterré sous une montagne de jovialité et d'insinuations grossières, nous pourrions même l'apprécier correctement en tant que tel. Comme les choses sont, le script ne nous en donne pratiquement pas la chance. Au lieu de cela, les rappels constants d'autres – bien meilleurs – musicals servent simplement à nous rappeler, encore et encore, que ce qui les rend utiles, ce sont toutes les choses qui sont si visiblement absentes de celui-ci. Bien que souvent exécutées avec adresse, les pastiches et les références suscitent des rires aux dépens de 'Twang!!' lui-même, et cela sonne de plus en plus creux.

C'est vraiment dommage. Il y a beaucoup de moments où vous vous dites, 'Oh, cette blague était en fait assez bonne'. Mais, le problème avec la boîte à malices pleine de Woolford, c'est qu'il n'y a pas de place pour respirer. La mise en scène de Bryan Hodgson obéit à mener à bien les préceptes du texte de la manière dont ils sont stipulés, mais il ne peut pas insuffler vie à ce corps bien conservé mais complètement inerte. En tant que sketch de fin d'année pour une école de théâtre, la chose peut bien avoir un certain charme, et je comprends qu'un atelier antérieur du script ait bien été réalisé au GSA sous la propre supervision de Woolford. En tant qu'œuvre en soi, si vous avez jamais voulu savoir pourquoi c'était un échec colossal et dommageable la première fois, alors cette version fournit de nombreux indices.

Pendant ce temps, nous avons l'animation vive de la chorégraphie de Mitchell Harper à admirer, et l'éclairage stylé de Ben Jacobs. Justin Williams et Jonny Rust fournissent un autre décor élégant pour cette maison – ils deviennent experts sur la façon d'utiliser l'espace ici. Les costumes de Penn O'Gara sont peut-être l'aspect le moins imaginatif de la conception de la production : la ligne du début, 'Bienvenue dans les années soixante.... Les années 1160', élude de manière intrigante une autre direction qui aurait pu être prise (d'ailleurs, ce n'est pas la bonne décennie pour ces personnages, mais je suppose que personne ne s'en soucie vraiment). Malheureusement, les acteurs, malgré tous leurs efforts infatigables, sont alourdis par le futaine et le rembourrage, les perruques et les longues robes d'époque profondément peu sexy. Pour toute la truculence exubérante du script, ces jeunes gens oppressivement laborieux et sympathiques ne se voient tout simplement pas offrir les opportunités de faire ce que le script semble vouloir faire : nous donner une leçon objective sur la valeur du théâtre musical. Les producteurs ultérieurs de ce spectacle (s'il y en a, et nous avons attendu 53 ans pour cette reprise) pourraient vouloir étudier l'approche épurée adoptée par, disons, 'Chicago' (pas d'exclamation - pas besoin), pour se réaliser qu'au théâtre, comme dans la vie, moins c'est souvent plus... beaucoup plus.

Enfin, nous devons reconnaître cette troupe opiniâtre de comédiens qui mettent leur cœur et leur âme dans ce projet. Peter Noden est un Robin agréable, Kweeva Garvey une Marian éclatante, Joe Rose prend bien du rythme au fur et à mesure dans le rôle de Much, et Jessica Brady fait un impact confiant en tant que Delphina Leuves-Dick (vous comprenez ?), Christopher Hewitt est un shérif de Nottingham plutôt ressemblant à Victor Spinetti. Christian Lunn joue Petit Jean à la manière agréable de Peter Gilmore, et Kane Verrall démarre tous les cylindres à tout moment pour insuffler plus que de l'énergie humaine à Will Scarlett (et est béni avec un des rares costumes flamboyants dans un spectacle quelque peu terne). Stephen Patrick sera souvenir - si ce n'est pas entendu - comme le curieux Hob of the Hill et Victoria Nicol est une très Joan Collins'ish Lady Elpheba. Ed Court coupe une figure éclatante dans le vieux rôle de Basil Rathbone de Sir Guy de Gisborne. La talentueuse comédienne Francesca Pim n'obtient peut-être pas suffisamment à faire en tant que Lady Dolly et Micah Holmes apporte de la diversité dans le rôle du capitaine de la danse : oh, quel dommage que nous ne puissions voir son grand saut final qu'à la toute fin ! Louie Westwood propose une nouvelle réinterprétation très cohérente de son personnage camp de Frère Tuck, Chris Draper est toujours utile dans l'ensemble et James Hudson est agréable en Alan-A-Dale. Probablement la caractérisation la plus frappante est celle de Lewis McBean dépouillant sans vergogne Olivier dans Henry V comme le Prince John, une intertextualité intéressante. Ils sont vraiment une bande très séduisante.

Oh, et Henry Brennan garde la musique en avant sur son parcours rent-a-quote, investissant les numéros principalement plutôt inférieurs de Bart avec plus d'amour et d'attention qu'ils ne le méritent vraiment, et obtenant de monter au dernier moment en tant que Richard I. À la batterie il y a Nick Anderson et James Hudson joue de la guitare.

Personne ne pourrait accuser cette compagnie de ne pas essayer son damné le mieux possible de donner vie à l'ensemble. On dit que lors de la première prévisualisation, le public se tenait à leurs côtés et accueillait volontiers son régime de saleté et de clichés. Peut-être que d'autres publics comme celui-ci suivront. J'espère, pour leur bien, qu'ils le feront. La nuit de la presse, cependant, j'ai rarement vu un théâtre se vider aussi rapidement ou aussi silencieusement que je l'ai fait ici : c'était comme si les gens ne pouvaient tout simplement pas attendre pour partir. Ce n'est vraiment pas juste pour une compagnie qui essaie probablement l'impossible : par amour de l'un des plus grands écrivains du théâtre musical, ramener - peut-être pour la dernière fois - l'un de ses enfants longtemps perdus qui n'a jamais réussi, pour lui donner un nouveau script, le remplir d'humour avisé et lui donner un gros câlin. Cela pourrait ne pas, en fin de compte, suffire à changer notre perception de l'œuvre, mais c'est une tentative héroïque et je me demande si quelqu'un, vraiment, aurait pu faire mieux dans les circonstances.

Jusqu'au 5 mai 2018. Photos : Anton Belmonté

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