CRITIQUE : Notre Ville, Théâtre Almeida ✭✭✭✭✭

Photo : Marc Brenner Notre Ville Almeida Theatre 21 octobre 2014 5 Étoiles

Thornton Wilder a remporté trois prix Pulitzer. Celui qu'il a reçu en 1938 était pour Notre Ville, qui a été créé à Broadway cette même année. Il devait être inhabituel, provocant, peut-être même troublant, cette première production pour les spectateurs de théâtre - pas de décor, accessoires minimaux, imitation des activités quotidiennes, un narrateur qui leur parlait directement, brisant le quatrième mur, des aperçus de fils narratifs et de petites vignettes dépeignant des personnages particuliers. Cela devait être enivrant, intrigant, inspirant. Frais.

Fait avec style et habileté, Notre Ville peut toujours être tout cela - et plus encore. Comme la reprise magistrale de la pièce par David Cromer, désormais à l'Almeida Theatre après des saisons réussies à travers le monde, l'établit sans effort.

Cromer est un génie. Tout ici - absolument tout - fonctionne. Parfaitement. Sublimement. De tout cœur. Il n'y a rien à redire ou critiquer.

Du moins, c'est le cas, si vous n'êtes pas en âge d'être élu Président des États-Unis d'Amérique. Car, comme le programme le suggère, avec le logo/icone de cette production, Cromer cherche à rendre la pièce de Thornton plus universelle en exigeant que les acteurs utilisent des accents familiers au Royaume-Uni. Cela est peut-être controversé, car Wilder est considéré aussi américain que la tarte aux myrtilles et, en vérité, le texte contient des rythmes et des mots ou phrases spécifiques qui plongent le dialogue dans le New Hampshire, où la ville au centre de l'action, Grover's Corners, est située. Donc, on peut comprendre pourquoi les Américains peuvent se sentir propriétaires des accents utilisés dans une production de cette grande pièce américaine.

Mais, loin de diminuer le pouvoir et l'effet de l'œuvre de Wilder, la décision de Cromer avec les accents rapporte de vrais avantages. Les divisions de classe claires, si souvent perdues pour les oreilles non américaines, sont cristallines lorsque les accents anglais sont en jeu. De plus, la part "Notre" du titre de la pièce prend une réelle importance. Cette production ne parle pas de quelque endroit pittoresque et ancien dans les terres agricoles d'Amérique - non, c'est une pièce sur nous, sur nos villes, nos gens, nos vies. Les accents locaux poussent l'universalité de l'œuvre.

Mais, en réalité, toute la vision de Cromer ici fait cela. Le décor de Stephen Dobay et les costumes d'Alison Siple se combinent pour créer un paysage ordinaire, une palette de reconnaissance et de familiarité. Deux sections du premier rang deviennent, presque, les clôtures ou rues principales figuratives de la ville, ce qui rend certains spectateurs installés là inconfortables, mais renforce l'inclusivité de l'approche du texte. L'éclairage de Heather Gilbert est tout simplement magique ; le changement progressif de lumière évoque le passage du temps et le moment de la journée voulus. Les lumières elles-mêmes - conçues pour ressembler à des lumières domestiques ordinaires - ajoutent au sentiment de domesticité, d'intimité. Et garder les lumières de la salle allumées garantit que le public se souvient toujours de regarder ce qui se passe en sachant qu'il peut être vu, l'un des thèmes de Wilder concernant la manière dont les vies sont menées (ou pas).

Et, quand cela vient dans l'Acte Trois, le tour de design spectaculaire est époustouflant. Totalement époustouflant.

C'est aussi cet acte qui voit l'utilisation des accents américains dans une scène de flash-back, une autre décision de mise en scène ingénieuse, alignant l'histoire de la ville avec le Narrateur tout en trouvant simultanément une autre façon de refléter l'universalité des thèmes tout en rappelant au public où la pièce est née.

La pièce de Wilder est trompeusement simple en apparence mais cette simplicité n'est que le voile - les trésors en dessous sont nombreux et captivants. C'est une pièce, essentiellement, sur ce que c'est qu'être un être humain et les choses que les humains font habituellement, sous la pression des pairs ou des parents ou parce qu'ils pensent savoir de quoi est faite la vie, pour minimiser leur vie. C'est aussi confrontant que séduisant.

Si elle était écrite aujourd'hui, elle remporterait un autre prix Pulitzer. Sans hésitation. C'est aussi frais, important et urgent qu'en 1938. Cromer comprend complètement cela et s'assure que le public le comprenne aussi.

En plus des tâches de mise en scène, Cromer joue le rôle du régisseur, le narrateur de Wilder qui communie avec le public et, comme eux, regarde les actions des villageois. Adoptant une approche de maître d'école non condescendante, Cromer est incroyablement bon, que ce soit en jouant l'un des petits personnages du récit (le vendeur de soda, le célébrant de mariage en exemples) ou en fournissant des informations au public ou en interagissant avec le public, les incitant à participer. Il utilise son accent américain d'origine - et ainsi encadre l'œuvre comme une œuvre américaine, tout en n'interférant pas dans l'universalité des thèmes et des personnages. Il est si élégant, si ineffablement, astucieusement parfait, si mercuriel et empathique. C'est une performance magnifique.

Mais ce n'est en aucun cas le seul ici. Chaque personne qui apparaît est parfaitement castée et ajoute de l'éclat et du plaisir par sa présence. Chaque personne. Même ceux qui n'ont pas de répliques. Je ne peux pas me rappeler une distribution d'ensemble plus parfaitement castée. Je tire mon chapeau à chacun d'eux. C'est le jeu d'ensemble à son meilleur. Chaleureux, accueillant, douloureusement honnête, parfaitement familier.

Il y a quelques standouts qui méritent une mention spéciale. Christopher Staines est superbe en Simon Stimson, le maître de chœur alcoolique qui est l'objet de commérages sans fin dans le village mais pour qui personne ne lève le petit doigt pour aider. Piognant et hilarant, le travail de Staines ici est un pur délice. Quiconque a déjà été dans un chœur comprendra entièrement la manière magistrale dont Staines dépeint l'angoisse sans fin de l'homme enseignant les différentes parties au chœur ; c'est très, très drôle. Et contrebalance, avec une brutalité électrique, les moments où Stimson est perdu dans la fugue de son propre désespoir et cynisme.

L'interprétation brutalement honnête d'Annette McLaughlin de la commère de village superficielle, Mme Soames, est particulièrement savoureuse et joyeuse. Le laitier fiable de Daniel Kendrick, Howie, et le Dr Gibbs, admiré publiquement mais détesté en privé, de Rhashan Stone, sont délicieux, des délices parfaits.

Anna Francolini donne la performance de sa vie en tant que Mme Gibbs, l'épouse du docteur de la ville qui passe sa journée à s'assurer que les besoins de sa famille sont satisfaits mais qui rêve ses propres rêves tout en sachant qu'ils seront toujours hors de portée. Son sens de l'anxiété maternelle est parfaitement jugé tout comme la notion d'une vie complètement gâchée avec un mari ingrat et prétentieux. Elle est vraiment merveilleuse dans l'Acte Trois ; sobre, précise, multi-couches. La mort prématurée de son personnage n'entrave pas la performance superbement jugée de Francolini.

Toute la famille Webb est parfaitement dépeinte : Kate Dickie en mère épuisée ; Laura Elsworthy en étudiante intelligente, précoce (de la vie, comme il s'avère), Emily ; Arthur Byrne en Wally tragique ; et Richard Lumsden en père superbement ordinaire. Ils ont une vitalité en tant qu'unité familiale qui est remarquable. Deux scènes sont particulièrement merveilleuses : lorsque M. Webb transmet sa sagesse à son futur gendre (hilarant et profond) ; et l'occasion du 12e anniversaire d'Emily (chaleureux, excitant et, finalement, dévastateur).

Cependant, la performance de la soirée vient de David Walmsley en George Gibbs. Je ne sais pas quel âge a Walmsley mais il n'est pas un adolescent, et pourtant dans le premier acte, il convainc totalement comme tel, ce genre de garçon adolescent grincheux et perdu que tant de parents connaissent bien. Chaque seconde qu’il est sur scène, Walmsley est totalement impliqué, totalement persuasif et totalement magnifique. Dans l’Acte Deux, ses interactions maladroites avec Emily, jouée par Elsworthy, sont inoubliables - de la tâche apparemment compliquée de porter ses livres au moment diaboliquement gênant où il déclare son amour pour elle. Tendre, véridique et intemporel, Walmsley est exceptionnel à tous égards. Sa progression de garçon boudeur à époux et père viril et engagé est assurée et totalement réelle. Et sa représentation presque silencieuse et déchirante de l'angoisse paralysante dans l’Acte Trois couronne ce tour de force presque shakespearien.

C'est une reprise phénoménalement efficace et ambitieuse d'un chef-d'œuvre. Elle restaure la foi dans le pouvoir et la magie du théâtre et montre, de manière très claire, comment le fait de choisir des acteurs qui savent jouer est la clé du succès théâtral. Cela fait monter le cœur et l'esprit, bien que vous puissiez verser quelques larmes en chemin. Puissant. Captivant. Inoubliable. Chaleureux. Un Notre Ville pour notre époque.